本作は、YouTube発の短編映像から始まったシリーズを長編映画化したスリラー作品。監督を務める映像クリエイター、ケイン・パーソンズは現在21歳という若さで脚光を浴びている。16歳の時に公開した短編『The Backrooms (Found Footage)』が世界的な注目を集め、その後A24とタッグを組み、本作で長編監督デビューを果たした。

北米公開初週末には、興行収入ランキングで首位を獲得。さらに世界44か国で初登場1位を記録し（6月24日時点、Box Office Mojo調べ）、初週末の世界興行収入は1億1,800万ドル（約188億円）に到達した。

都市伝説から生まれた話題作が世界的ムーブメントに――『バックルームズ』9月日本公開

「Backrooms」とは、ネット掲示板から誕生し、YouTubeやSNSを通じて爆発的に拡散した都市伝説だ。「現実世界の裏側へ迷い込んでしまう」という設定のもと、どこまでも続く黄色い壁紙の部屋や終わりのない廊下、不自然な空間構造が特徴で、「リミナルスペース」を代表する存在として知られている。

映画公開後はその人気がさらに拡大。マクドナルドやバーガーキング、マウンテンデュー、IKEAカナダなどの企業がBackroomsをモチーフにしたプロモーションを展開したほか、米アカデミー賞公式アカウントも「リミナルスペース」をテーマにした映像を公開するなど、大きな話題となっている。

『バックルームズ』は北米公開初週末3日間において、オリジナルホラー作品として史上最高の興行収入を記録した。さらに、新人監督による長編デビュー作として史上最高のオープニング成績を樹立。ケイン・パーソンズは、全米・世界興行ランキング1位作品を生み出した史上最年少監督となった。

全米では公開直後から高い評価を獲得し、「鮮烈でありながら実に不気味だ。ジャンル映画の常識を覆す」（GUARDIAN）、「迷路のような地獄の深みへと引き込んでいく」（SLASHFILM）、「不気味で独創的すぎて頭から離れない」（DEADLINE）など、各メディアから絶賛のレビューが相次いでいる。

さらに『ショーン・オブ・ザ・デッド』（2004年）や『ランニング・マン』（2025年）で知られるエドガー・ライト監督も、「想像力にあふれ、催眠にかかったような感覚を味わえる、謎めいた雰囲気が純粋に心地よい作品」と称賛。また、スティーヴン・スピルバーグもポッドキャスト番組で「次世代を担う若手監督」としてパーソンズ監督に言及し、注目を集めている。

『バックルームズ』ロング予告公開！黄色い迷宮で待ち受ける“現実の裏側”とは

ある日、自らが営む店の地下から異空間へ迷い込んでしまった男・クラーク。ルールすら存在しない不条理な空間で、彼は数々の怪異と遭遇する。なぜ、この世界は存在するのか。そして、その奥に待ち受ける真実とは──。

このたび公開されたロング予告は、家具店を営むクラークが店内で“あるはずのない隙間”を発見する場面から始まる。その先に広がっていたのは、黄色い壁紙に覆われた無限に続くような異空間。呼びかけても返事はなく、積み重なった家具や断片的に流れるアナウンス、不規則に鳴り響く電子音だけが響く。

自身のセラピストであるメアリーにその“空間”を説明しても信じてもらえなかったクラークは、証拠を残すためにビデオカメラを持ち、再びそこへ足を踏み入れる。しかし、そこには防護服の人物や監視カメラ、床に埋め込まれた謎の物体、そして説明のつかない“何か”が待ち受けていた。

あわせて公開された2種類のポスターには、「脳を侵食する映像体験」「今、恐怖の定義が変わる」というコピーが添えられ、不穏な黄色い空間に閉じ込められたクラークとメアリーの姿が描かれている。

▼『バックルームズ』作品情報

原題：Backrooms
監督：ケイン・パーソンズ
出演：キウェテル・イジョフォー、レナーテ・レインスヴェ、マーク・デュプラス、フィン・ベネット ほか
配給：ハピネットファントム・スタジオ
日本公開日：9月4日（金） TOHOシネマズ 日比谷ほか全国公開
© 2026 Backrooms Rights LLC, PC Films, LLC.  All Rights Reserved.

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『トイ・ストーリー５』が2週連続首位！全米興行収入485億円突破へ

先週末に全米公開された『トイ・ストーリー５』は、1億6,000万ドル（約259億円）という今年最大のオープニング成績を記録。今週末の興収は前週比で約55％減となるが、依然として家族連れを中心に人気を維持しており、週末興行収入は7,250万ドル（約117億円）を記録する見込みだ。全米累計興行収入は早くも3億ドル（約485億円）に達すると見られている。

本作はアンドリュー・スタントンとケナ・ハリスが共同監督を手がけ、トム・ハンクスとティム・アレンが声優として続投している。

『トイ・ストーリー５』の好調な成績を受け、ディズニーは現地時間6月25日（木）に今年の世界興行収入が30億ドル（約4,853億円）を突破。今年、この大台に乗った初のスタジオとなった。今年公開された同スタジオの作品には『スター・ウォーズ／マンダロリアン・アンド・グローグー』、『プラダを着た悪魔2』、『私がビーバーになる時』などがあり、来月には実写版『モアナと伝説の海』の公開も控えている。

『スーパーガール』は初登場2位│『スーパーマン』に続く新DCU第2弾

一方、初登場の『スーパーガール』は今週末に約4,000万ドル（約65億円）の全米興行収入を記録する見込みで、2位にランクイン。ミリー・オールコック主演の本作は、ワーナー・ブラザースとDCスタジオが製作する最新作で、クレイグ・ギレスピー監督がメガホンを取った。

本作は、DCスタジオ共同代表のジェームズ・ガンとピーター・サフランによる新DCU（DCユニバース）構想における劇場作品第2弾で、昨年夏に公開された『スーパーマン』に続く位置づけとなる。

前作『スーパーマン』は世界興行収入6億1,800万ドル（約1,000億円）という大ヒットを記録した。観客満足度調査「CinemaScore」では、『スーパーマン』は「A-」を獲得したのに対し、『スーパーガール』は「B-」評価を獲得している。

本作では、スーパーマンの従妹カーラ・ゾー＝エルが主人公となり、ジェイソン・モモア演じるロボをはじめとするDCキャラクターたちと出会う物語が描かれる。製作費は1億7,000万ドル（約275億円）で、『スーパーマン』の2億2,500万ドル（約364億円）と比べると抑えられている。

DCスタジオの次回作は、トム・リース・ハリーズ主演のボディホラー映画『クレイフェイス』で、今年10月の公開を予定している。

『オブセッション 災愛』が400億円突破へ――トップ5の顔ぶれは？

3位には、公開7週目を迎えたフォーカス・フィーチャーズ配給、カリー・バーカー監督のホラー映画『オブセッション 災愛』がランクイン。本作の週末興行収入は940万ドル（約15億円）を記録する見込みだ。前週比では約30％減となるものの、本作の世界興行収入は2億5,000万ドル（約404億円）に迫っている。

4位にランクインしたのは、パラマウント配給の新作『ジャッカス：ベスト・アンド・ラスト（原題：Jackass: Best and Last）』。本作はジョニー・ノックスヴィル率いる人気シリーズの第5作にして「シリーズ最終作」で、ジェフ・トレメインが監督を務めた。本作は今週末に1,000万ドル（約16億円）弱の全米興行収入を記録した。

『ジャッカス』シリーズのファンからは、過去の名シーンと新規映像を組み合わせた構成が好評を博しており、CinemaScoreで「A-」という高評価を獲得した。一方、前作『ジャッカス FOREVER』（2022年）は2,310万ドルでスタートしている。

5位には、スティーヴン・スピルバーグ監督、エミリー・ブラントとジョシュ・オコナー主演のUFO映画『ディスクロージャー・デイ』がランクイン。週末興行収入は前週比56％減となる780万ドル（約13億円）で、全米累計興行収入は9,400万ドル（約152億円）に達すると見られている。

また、A24はサンダンス映画祭でプレミア上映されたオリヴィア・ワイルド監督のラブコメディ『ザ・インバイト（原題：The Invite）』を全米7館で公開した。ワイルドのほか、セス・ローゲン、ペネロペ・クルス、エドワード・ノートンらが出演し、アナプルナが製作を担当。6月26日（金）の興行収入は約15万6,000ドル（約2,500万円）となっている。

さらに、パラマウントとミラマックスが製作した人気パロディホラーシリーズ最新作『最終絶叫計画 令和！』は今週、全米興行収入1億ドル（約162億円）を突破。R指定コメディ作品としては、『ガールズ・トリップ』（2017年）以来となる快挙を達成した。

※為替レートは2026年6月28日時点の数値で換算しています。
※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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ライオネル・リッチーの現在は？ 公演中に体調不良でライブ中断

ライオネル・リッチーは6月25日（現地時間）、米ミネソタ州セントポールで開催されたコンサートに出演。しかし公演中に体調不良を訴え、予定されていたステージを最後まで続けることができなかった。

観客がSNSに投稿した動画では、代表曲「Dancing on the Ceiling」のパフォーマンス中に椅子へ腰掛ける姿が確認できる。その後も「Three Times a Lady」を歌い上げたものの、めまいを感じていることを明かし、一時休憩を宣言。そのままステージへ戻ることはなかった。

今回の公演は、ライオネル・リッチーとアース・ウィンド・アンド・ファイアーによる北米ツアーの開幕公演だっただけに、突然の中断は会場を大きくざわつかせた。

病院で検査、脱水症状の可能性も

米芸能メディア『TMZ』によると、リッチーはステージを降りた後、念のため病院へ搬送されたという。ただし、深刻な症状ではなく、あくまで予防的な検査だったと報じられている。

また、アース・ウィンド・アンド・ファイアーのドラマーであるジョン・パリスは地元メディアの取材に対し、リッチーは軽い脱水症状を起こしていた可能性があると説明。公演前には特に体調不良を感じさせる様子は見られなかったとも語っている。

地元紙によれば、リッチーが退場した後もバンドメンバーはしばらく演奏を続けていたが、その後ステージを後にした。さらに約40分後、サックス奏者のディノ・ソルドが観客の前に現れ、ライオネル・リッチーの体調が優れず、公演を続行できないことを報告したという。

開演前には元気な姿も　ファンに広がる心配の声

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体調不良が報じられる数時間前、ライオネル・リッチーは自身のInstagramを更新。リハーサルやサウンドチェックの様子を投稿し、ツアー初日を迎える喜びをファンに伝えていた。

開幕公演への意気込みを見せていただけに、突然のライブ中断は多くのファンに衝撃を与えた。SNS上では早期回復を願うコメントが相次ぎ、世界中から心配の声が寄せられている。

現在のところ、ツアー次回公演として予定されているシカゴ公演の開催可否については正式な発表は行われていない。

ライオネル・リッチーの現在の活動は？

現在76歳のライオネル・リッチーは、音楽界を代表するアーティストとして今なお第一線で活躍を続けている。

1970年代にコモドアーズのメンバーとして人気を獲得し、その後ソロアーティストとして「Hello」「All Night Long」「Say You, Say Me」など数々の世界的ヒット曲を発表。グラミー賞やアカデミー賞を受賞し、2022年にはロックの殿堂入りも果たした。

近年は米人気番組『アメリカン・アイドル』の審査員としても知られ、精力的なライブ活動を継続。今回の北米ツアーも、その現役ぶりを示す大型ツアーとして注目を集めていた。

突然の体調不良による公演中断にファンの不安は高まっているが、現時点で深刻な健康問題を示す情報は確認されていない。今後の公式発表と、公演再開に向けた続報が待たれる。

※本記事は英語の記事をもとに要約・再構成しています。

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Z世代はスティーヴン・スピルバーグと彼の映画をどう見ているのか

2026年夏の映画界では、20代のYouTubeクリエイターであるカリー・バーカー監督とケイン・パーソンズ監督が大きな話題をさらった。

バーカー監督のホラー映画『オブセッション 災愛』は、わずか75万ドルの製作費ながら世界興行収入3億3,400万ドルを突破。さらにパーソンズ監督の『バックルームズ』は、A24史上最大のオープニング成績を記録し、21歳にして全米興行収入ランキング首位を獲得した史上最年少監督となった。

こうした成功は、ハリウッドにおける世代交代の象徴とも受け止められている。

ニューヨークの学生たちに話を聞いたところ、多くの若者は最初こそスピルバーグ作品をすぐに思い浮かべられなかったものの、『ジョーズ』や『E.T.』、『インディ・ジョーンズ』のタイトルを挙げるとすぐに認識したという。

ロチェスター大学に通う21歳のケイティ・ヤングさんは、『ジョーズ』について「幼い頃に強烈な衝撃を受けた作品だった」と振り返る。

一方で、スピルバーグ作品との出会いは親やベビーシッターの勧めによるものが多かったと語り、「私たちの世代はインディペンデント作品やや、YouTube出身の監督、低予算映画に惹かれる傾向がある」と指摘する。

マーベル疲れとCG疲れが若者の価値観を変えた

近年のハリウッドでは、大規模フランチャイズ作品やCGを多用した超大作が市場を席巻してきた。

しかし、インディアナ大学を卒業した21歳のノア・ブレアさんは、「特に若い世代はCG映画に疲れている」と話す。

「マーベル作品の氾濫によって、大作映画を映画館で観たいという気持ちが薄れてしまった人も多い」

ブレアさんによれば、Z世代が求めているのは巨大なVFXスペクタクルではなく、独創性や実写・実践的な特殊効果を重視した映画作り、そして新しい才能だという。

「マーベルやDC作品、近年規模が拡大したA24作品よりも、良い物語を持つオリジナル映画の方が魅力的に映る」

こうした傾向は、『オブセッション 災愛』や『バックルームズ』の成功にもつながっているとみられる。

YouTube世代が支持する“身近な監督”

Z世代が若手クリエイターを支持する理由のひとつとして、SNSによる距離の近さも挙げられる。

スウェーデンから訪れていた30歳のヨシュア・カルンボ氏は、「スピルバーグと直接会話することは現実的ではないが、カリー・バーカーはSNSでコメントに返信してくれる」と語る。

かつての映画監督は遠い存在だったが、現代では観客とクリエイターが直接つながることが可能になった。

また、『オブセッション 災愛』では無名に近い俳優陣が主要キャストを務めていたことも支持を集めた理由のひとつだ。

カルンボ氏は、「最近は有名スターばかりが出演する作品よりも、初めて見る俳優が活躍する映画に新鮮さを感じる」と話している。

それでもスピルバーグを超える存在は現れていない

もっとも、今回取材を受けた若者たちの多くは、スピルバーグの功績そのものを否定しているわけではない。

『ジョーズ』でサマー・ブロックバスターの概念を築き、『E.T.』や『シンドラーのリスト』、『プライベート・ライアン』などジャンルを超えたヒット作を長年にわたって生み出してきた実績は、依然として別格と受け止められている。

ニューヨーク大学映画学科を卒業した22歳のハンナ・スペリングさんは、「次のスピルバーグになるためには、彼と同じだけの作品を作り、そのすべてをヒットさせなければならない」と語る。

『オブセッション 災愛』の成功についても、「カリー・バーカーは非常に才能があるが、1本の大ヒットだけではスピルバーグと比較することはできない」と評価した。

YouTube出身の若手監督たちが映画界に新風を吹き込んでいる一方で、半世紀以上にわたりハリウッドを牽引してきたスピルバーグの存在感は依然として大きい。Z世代が新しい才能に熱狂する時代になっても、そのキャリアと功績に肩を並べる存在は、まだ現れていないのかもしれない。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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毎年6月は、世界中のLGBTQ+コミュニティーを称え、権利の向上をめざすプライド月間。本記事では、心に余韻を残すおすすめのLGBTQ+映画25本を厳選して紹介する。

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※本ページの情報は、2026年6月24日時点のものです。最新の配信状況は各公式サイトにてご確認ください。

▼LGBTQ+を題材にしたおすすめ映画25本

第78回アカデミー賞で3冠に輝いた映画史に残る名作『ブロークバック・マウンテン』から、『Love,サイモン 17歳の告白』などのティーン向け青春ドラマまで、選りすぐりの25本が集結。

1.『ビビアンの旅立ち』（1985）

■別れの旅が導いた出会い…LGBTQ+映画の傑作

ドナ・ディッチ監督による『ビビアンの旅立ち』は、1986年のサンダンス映画祭で審査員特別賞を受賞した80年代の名作。

離婚手続きの完了まで、ネバダ州リノのゲストハウスに滞在することになったビビアン（演：ヘレン・シェイヴァー）は、若きアーティストのケイ（演：パトリシア・シャーボノー）と次第に惹かれ合う。2人の未来を想像させる、さわやかなラストシーンは必見。

2.『モーリス』（1987）

■抑圧の時代に咲いた愛…美しくも儚い2人の行く末

名匠ジェームズ・アイヴォリーが『眺めのいい部屋』（’86）に続き、E・M・フォースターによる同名小説を映像化した映画『モーリス』。

同性愛が罪とされていた20世紀初頭のイギリスを舞台に、ケンブリッジ大学の学生時代に出会ったモーリス（演：ジェームズ・ウィルビー）とクライヴ（演：ヒュー・グラント）の関係の変遷を、数年にわたり描いている。社会的な地位と真実の愛との間で揺れる2人が選ぶ、本当の幸せとは――。

3.『フィラデルフィア』（1993）

■2人の名優が熱演、人間の尊厳を問う魂の1作

『羊たちの沈黙』（’91）のジョナサン・デミ監督による本作で、人間としての尊厳を守るために闘うゲイの男性を演じたトム・ハンクスは、アカデミー賞主演男優賞を初受賞。将来有望な弁護士ベケット（演：ハンクス）はエイズを発症し、ある日法律事務所から突如として解雇を告げられる。

身に覚えのない仕事上のミスを作り出され、意図的に仕組まれた不当解雇であると主張するベケットは、弁護士のミラー（演：デンゼル・ワシントン）とともに事務所に立ち向かう。

4.『プリシラ』（1994）

■砂漠を駆ける3人の女王たち…傑作ロードムービー

オーストラリアの広大な自然を背景に繰り広げられる、ステファン・エリオット監督による3人のドラァグクィーンの笑いあり涙ありの珍道中。

ある女性から公演の依頼を受けたミッチ（演：ヒューゴ・ウィーヴィング）は、トランスジェンダー女性のバーナデット（演：テレンス・スタンプ）と自由奔放なフェリシア（演：ガイ・ピアース）とともに、“プリシラ”と名付けたバスでシドニーからアリススプリングスへと向かう。しかし波乱に満ちた道中で、3人はさまざまなトラブルや偏見に直面することになる。

5.『ブエノスアイレス』（1997）

■異国の街で揺れる心…香港のトップスター共演作

香港の名匠ウォン・カーウァイ（本作でカンヌ国際映画祭監督賞を受賞）がブエノスアイレスを舞台に描く、1組のゲイカップルの波乱に満ちた生活。

ウィン（演：レスリー・チャン）とファイ（演：トニー・レオン）は香港からアルゼンチンへの旅行中に、喧嘩別れする。香港に帰るために2人はそれぞれ現地でお金を稼いでいたが、ある日突然再会を果たす。やがて2人はファイの家で共同生活を始めるが、関係性は複雑さを増していく。

6.『ヘドウィグ・アンド・アングリーインチ』（2001）

■怒りとロックが爆発！唯一無二のカルト的名作

ジョン・キャメロン・ミッチェルが自身が手がけた舞台ミュージカルを監督・脚本・主演で映画化した本作は、現在もなおカルト的人気を誇るLGBTQ+映画の名作。

東ドイツで生まれ育ったハンセルは性別適合手術を受け、アメリカへと渡る。現在は母の名前＝ヘドウィグへと改名し、売れないロックバンドのボーカルとして各地を転々とする日々を送っている。一方、かつて恋に落ちた青年トミー（演：マイケル・ピット）は、ヘドウィグの楽曲を盗作しスターダムにのし上がっていた。やがてヘドウィグは、トミーへの怒りを爆発させていく。

7.『ブロークバック・マウンテン』（2005）

■20年にわたる秘めた愛…オスカー受賞の感動作

60年代のアメリカ、季節労働者としてやって来たブロークバック・マウンテンで出会ったイニス（演：ヒース・レジャー）とジャック（演：ジェイク・ギレンホール）は、次第に深い絆と愛情を育む。同性愛が受け入れられない時代の中で2人はそれぞれ家庭を持ちながらも、20年にわたり密かに関係を続けていくが――。

第78回アカデミー賞ではアン・リーが監督賞を獲得したほか、脚色賞、作曲賞の計3冠に輝いた。

8.『キッズ・オールライト』（2010）

■愛と不安が交差する家族のリアルな日常

名優アネット・ベニングとジュリアン・ムーアが同性カップル役で共演した、リサ・チョロデンコ監督作。

ニック（演：ベニング）とジュールズ（演：ムーア）は20年来のパートナーで、人工授精で生まれた2人の子ども、ジョニ（演：ミア・ワシコウスカ）とレイザー（演：ジョシュ・ハッチャーソン）を育てている。姉弟は、親に内緒で生物学上の父親ポール（演：マーク・ラファロ）と会い始めるが、そのことを知ったニックはポールの影響に懸念を抱いていく。

9.『わたしはロランス』（2012）

■すべてを告白した日、2人の人生が動き出す

カナダの俊英グザヴィエ・ドランの長編3作目『わたしはロランス』。1989年のモントリオール、教師ロランス（演：メルヴィル・プポー）は、恋人フレッド（演：スザンヌ・クレマン）とともに暮らしていた。35歳の誕生日を迎えたロランスは、ずっと一人で抱えてきた思い――女性として生きていくこと――をフレッドに打ち明ける。

突然の告白に戸惑いを隠せないフレッドや家族は、それぞれの方法でロランスと向き合っていくが――。第65回カンヌ国際映画祭では、LGBTQ+をテーマにした映画に贈られるクィア・パルム賞を受賞した。

10.『アデル、ブルーは熱い色』（2013）

■青く燃えた初恋…1人の少女の恋と成長

第66回カンヌ国際映画祭でパルムドールの栄誉を手にしたアブデラティフ・ケシシュ監督による、上映時間約3時間の壮大な恋愛ドラマ。

ブルーの髪の謎めいた女性エマ（演：レア・セドゥ）に一目惚れした15歳の学生アデル（演：アデル・エグザルコプロス）の情熱的な恋と成長を、約10年にわたって鮮烈に描く。

11.『彼の見つめる先に』（2014）

■ブラジル発！心温まるピュアな青春ドラマ

ダニエル・ヒベイロ監督による本作は、ブラジル・サンパウロを舞台に盲目の少年の恋と自立を描いたフレッシュな青春ドラマ。生まれつき目の見えない高校生レオ（演：ジュレルメ・ロボ）は、過保護な家族と親友のジョヴァンナ（演：テス・アモリン）に見守られながら毎日を過ごしている。

やがてレオは、学校に転校してきたガブリエル（演：ファビオ・アウディ）と仲良くなる。一方、レオにひそかに思いを寄せるジョヴァンナは、彼とガブリエルの関係に複雑な思いを抱いていく。

12.『タンジェリン』（2015）

■スマホが切り取る、ロサンゼルスのリアルな1日

2025年、『ANORA アノーラ』（’24）でアカデミー賞5冠に輝いたショーン・ベイカー監督が、全編iPhoneで撮影した作品。クリスマスイブのLAを舞台に、セックスワーカーとして働く2人のトランスジェンダー女性と、アルメニア人移民のタクシー運転手の怒涛の1日をコミカルなドキュメンタリータッチで追いかける。

刑務所から出所したばかりのシンディ（演：キタナ・キキ・ロドリゲス）は彼氏に浮気され、親友アレクサンドラ（演：マイヤ・テイラー）に止められながらも、浮気相手の女性を探すため街に繰り出すが――。

13.『リリーのすべて』（2015）

■実在の人物を題材にした、愛と自己発見の感動作

世界で初めて性別適合手術を受けたデンマーク人画家、リリー・エルベの実話に着想を得た物語。風景画家のアイナー（演：エディ・レッドメイン）は、肖像画家で妻のゲルダ（演：アリシア・ヴィキャンデル）と順風満帆と思われる人生を送っていた。ある日妻の絵のモデルとして女装することになったアイナーは、ずっと内に抱えてきた“本当の自分”=リリーという1人の女性として、新たな人生を歩み始める。

第88回アカデミー賞では主演男優賞を含む4部門にノミネートされ、葛藤を抱えながらも主人公を支え続ける妻を好演したヴィキャンデルが助演女優賞に輝いた。

14.『ロニートとエスティ 彼女たちの選択』（2017）

■正統派ユダヤ社会で交錯する、過去と愛の行方

トランスジェンダーの女性を描いたドラマ映画『ナチュラルウーマン』（’17）で、第90回アカデミー賞外国語映画賞（現：国際長編映画賞）を受賞したチリ出身のセバスティアン・レリオ監督作。

アメリカに暮らすロニート（演：レイチェル・ワイズ）は、父の死をきっかけに人々が厳格なルールのもとで暮らすロンドンの正統派ユダヤ・コミュニティーに帰省する。やがてロニートは、父の後継者として有力視されるドヴィッド（演：アレッサンドロ・ニヴォラ）の妻で、旧友のエスティ（演：レイチェル・マクアダムス）との秘密の関係を再燃させていく。

15.『君の名前で僕を呼んで』（2017）

■ひと夏の恋が永遠に…青年たちの静かな情熱

ルカ・グァダニーノ監督と主演ティモシー・シャラメの名前を、一躍メインストリームに押し上げたLGBTQ+映画の新たな名作。

80年代のイタリアを舞台に、大学教授の17歳の息子エリオ（演：シャラメ）と、インターンとしてエリオの家族とともに滞在することになったアメリカ人青年オリヴァー（演：アーミー・ハマー）のひと夏の淡い恋を、圧倒的な映像美で描き切っている。脚色は『モーリス』（’87）のジェームズ・アイヴォリーが手がけ、オスカーを受賞した。

16.『ゴッズ・オウン・カントリー』（2017）

■孤独な青年が出会った、運命の愛

フランシス・リー監督が、クィアの男性としてヨークシャー地方の田舎で育った経験を基にした長編デビュー作。

ヨークシャー地方の牧場で働くジョニー（演：ジョシュ・オコナー）は心を閉ざし、孤独や悲しみを酒で紛らわせる日々を送っている。しかし、短期労働者でルーマニア人移民のゲオルゲ（演：アレック・セカレアヌ）と出会い、次第に親密になっていく。第71回英国アカデミー賞では、英国作品賞と新人俳優賞（ジョシュ・オコナー）にノミネートされた。

17.『Girl／ガール』（2018）

■ベルギーの新鋭が描く、痛みを越えた先の未来

バレリーナをめざす15歳のトランスジェンダーの少女ララ（演：ヴィクトール・ポルスター）の性別移行を丁寧に、時に生々しく描いた『Girl／ガール』。名門ダンス学校に通うために父親と弟とともに新たな町へと引っ越してきたララは、心と体を一致させる性別適合手術を心待ちにしていた。その一方で父親は、手術のリスクに不安を抱えており――。

本作で長編デビューを飾ったベルギーの新進気鋭監督ルーカス・ドンは、第71回カンヌ国際映画祭で新人監督賞を受賞した。

18.『Love,サイモン 17歳の告白』（2018）

■「カミングアウト」の意味を問う青春譚

グレッグ・バーランティ監督の本作は、大手スタジオが配給した初のティーン向けゲイロマンス作品。

16歳の高校生サイモン（演：ニック・ロビンソン）は、親しい友人や家族にゲイであることを打ち明けられずにいた。ある日、同じ秘密を抱える匿名の同級生とネットでつながり、密かに交流を続けていくサイモン。“ブルー”と名乗る相手と仲を深めたサイモンは、学校でその正体を探し始める。

19.『燃ゆる女の肖像』（2019）

■カンヌW受賞、肖像画に隠された秘密の恋

『水の中のつぼみ』（’07）や『トムボーイ』（’11）など、キャリアを通じてLGBTQ+をテーマにした作品を手がけているフランスのセリーヌ・シアマ監督による、第72回カンヌ国際映画祭脚本賞＆クィア・パルム賞受賞作。

18世紀のフランスに生きる画家マリアンヌ（演：ノエミ・メルラン）は、望まない結婚を控える伯爵令嬢エロイーズ（演：アデル・エネル）の肖像画を描くために、ブルターニュの孤島へと向かう。エロイーズの結婚が迫るなか、2人は徐々に親密になっていくが――。

20.『ダンサー そして私たちは踊った』（2019）

■ジョージア発、命がけの愛に揺れるダンサー

性的マイノリティへの偏見が長く続いているジョージアを舞台に、「男らしさ」が求められる国立舞踊団の若きダンサーの恋と苦悩を描いたレヴァン・アキン監督作。

国立舞踊団に所属するメラブ（演：レヴァン・ゲルバヒアニ）は、レストランの仕事を掛け持ちしながら、幼なじみでダンスパートナーのマリ（演：アナ・ジャヴァヒシュヴィリ）と厳しい練習に励む日々。ある日突然、舞踊団に才能あるダンサー・イラクリ（演：バチ・ヴァリシュヴィリ）が現れ、メラブとひっそり距離を縮めていくが――。

21.『ユンヒへ』（2019）

■真冬の小樽で蘇る、初恋の記憶

韓国の気鋭監督イム・デヒョンが韓国と小樽を舞台に描く、心に染みわたるラブストーリー。

韓国に暮らす高校生のセボム（演：キム・ソへ）は、母ユンヒ（演：キム・ヒエ）に届いた一通の手紙をきっかけに、母が秘密にしていた過去の初恋を知る。20年前の過去と向き合うため、母娘は手紙の差出人ジュン（演：中村優子）が暮らす真冬の北海道・小樽を訪れる。本作は2020年、“韓国版アカデミー賞”とされる青龍映画賞で最優秀監督賞と脚本賞を獲得した。

22.『ハーフ・オブ・イット：面白いのはこれから』（2020）

■代筆したラブレターに込めた、本当の想い

Netflix映画『ハーフ・オブ・イット：面白いのはこれから』は、『素顔の私を見つめて…』（’04）のアリス・ウー監督が約15年ぶりにメガホンをとった作品。

『素顔の私を見つめて…』と同じく、本作もクィアのアジア系女性を主人公に据えている。高校の優等生エリー（演：リア・ルイス）は、同級生のポール（演：ダニエル・ディーマー）から彼が恋するアスター（演：アレクシス・レミール）へのラブレターの代筆を頼まれる。しかし、実はエリーもアスターに対し、密かに思いを寄せていて――。

23.『恋人はアンバー』（2020）

■嘘から始まる、未来への第一歩

90年代のアイルランドを舞台に、同性愛者の高校生男女2人の姿を鮮やかに映し出したデヴィッド・フレイン監督作。

セクシュアリティに対する偏見が根強く残る田舎町で、同性愛者であることを隠しながら生活しているエディ（演：フィン・オシェイ）とアンバー（演：ローラ・ペティクルー）。2人は少しでも生きやすい道を歩むため、カップルのふりをし始めるが――。

24.『ジョイランド わたしの願い』（2022）

■伝統に挑む、パキスタンの衝撃作

サーイム・サーディク監督による本作は、家父長制が根強く残るパキスタン・ラホールを舞台に、1組の若き夫婦とトランスジェンダー女性の葛藤を巧みに描き、第75回カンヌ国際映画祭で「ある視点」審査員賞とクィア・パルム賞を受賞した。

ハイダル（演：アリ・ジュネージョー）はある日、地元の劇場でダンサーとしての職を得る。これまで夫の代わりに働いていた妻ムムターズ（演：ラスティ・ファルーク）は、家長の義父から今後は家に残るように命じられる。その一方で、ハイダルは劇場で出会ったトランスジェンダーのダンサー・ビバ（演：アリーナ・ハーン）に恋し、解放感を得ていくが――。

25.『ミツバチと私』（2023）

■本当の自分を探す夏…少年の願いとは

スペインのエスティバリス・ウレソラ・ソラグレン監督の長編デビュー作『ミツバチと私』は、性自認に悩む8歳の少年の姿を繊細に切り取った作品。

少年アイトール（演：ソフィア・オテロ）は、母親ときょうだいとともに祖母の家を訪れる。自分の名前を嫌い、新たに出会った友達や養蜂場を営む叔母の前で“女の子”として振舞うが、やがて母親はアイトールの葛藤に気づき始める。当時9歳のオテロは、史上最年少で第73回ベルリン国際映画祭銀熊賞（主演俳優賞）に輝いた。

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本作は初週末興行収入が約1億6,000万ドル（約256億円）規模に達する見通しで、2026年公開作品の中で最大級のオープニングとなる可能性が高い。

初日興収は7,100万ドル（約113億円）を記録し、2018年の『インクレディブル・ファミリー』（7,220万ドル）に次ぐ歴代アニメ映画第2位のスタートとなった。

『トイ・ストーリー５』、シリーズ最高水準のオープニング興行収入へ

観客評価も極めて高く、鑑賞直後の満足度調査では「A」を獲得。

2019年公開『トイ・ストーリー4』（1億2,090万ドル）を上回るペースで推移しており、シリーズの中でも屈指のオープニングになる見込みだ。

シリーズの中核を担ってきたアンドリュー・スタントンが監督を務め、ケナ・ハリスが共同監督として参加する。

スティーヴン・スピルバーグ『ディスクロージャー・デイ』は急落

ユニバーサル配給のスティーヴン・スピルバーグ監督によるオリジナルSF映画『ディスクロージャー・デイ』は、2週目に69％の急落を記録。

2週目興収は約1,700万ドル（約27億円）となる見込みで、累計興収は約7,800万ドル（約124億円）に到達する予測だ。

『オブセッション 災愛』はロングランヒット継続

フォーカス・フィーチャーズのサプライズヒット『オブセッション 災愛』は6週目に突入。

週末興収は約1,400万ドル（約22億円）を見込むが、累計は約2億1,500万ドル（約344億円）に達する見通しで、同スタジオ史上最大のヒット作となっている。

全世界興収はすでに3億ドル（約480億円）を突破した。

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新作は苦戦傾向──ホラーとドラマの明暗

新規公開作品では、サンダンス映画祭で高評価を得たネオン配給ホラー『Leviticus（原題）』が約300万ドル（約4.8億円）、A24配給『The Death of Robin Hood（原題）』が約250万ドル（約4億円）でスタートする見込み。

『The Death of Robin Hood（原題）』は、『PIG／ピッグ』『クワイエット・プレイス：DAY 1』のマイケル・サルノスキー監督がメガホンを取り、晩年のロビン・フッドを描く作品。ヒュー・ジャックマン主演、また『フリー・ガイ』や『28年後…』出演のジョディ・カマーも出演している。

【先週末の全米興行収入トップ５】

• 1位：『ディスクロージャー・デイ』
• 2位：『オブセッション 災愛』
• 3位：『最終絶叫計画 令和！』
• 4位：『バックルームズ』
• 5位：『マスターズ・オブ・ユニバース』

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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ダブリンから映画の世界へ──イヴ・ヒューソン、『ディスクロージャー・デイ』出演までの道のり

ヒューソンの父親はU2のボーカル、ボノだ。現在34歳の彼女はこれまで多くの著名人に囲まれてきた。しかし、彼女自身はダブリンの落ち着いた環境の中で育ち、両親は彼女の創造性を育むために演劇や音楽のレッスンを受けさせた。

やがて家庭教師を務めていた人物がインディペンデント映画監督となり、撮影現場の手伝いを頼まれたことが転機となる。「その時、ハリウッドという世界に夢中になったんです。本当に強烈な魅力がありました」と彼女は笑顔を見せる。

その後、ヒューソンはニューヨークフィルムアカデミーとニューヨーク大学ティッシュ芸術学部で演技を学び、本格的にオーディションを受け始めた。

「オーディション会場には美しいカリフォルニア出身の女の子たちがたくさんいました。でも、私は“アイルランド人そのもの”という感じでしたね」と彼女は振り返る。

「当時の若い女性向けの役は“近所に住む女の子”のようなものが多かったのですが、私は少し風変わりでミステリアスな雰囲気だったので、自分に合う役と出会うまで少し時間がかかりました」

スピルバーグから突然の連絡？そして『ディスクロージャー・デイ』出演へ

ヒューソンとスピルバーグの出会いは、映画『ブリッジ・オブ・スパイ』（2015年）にさかのぼる。脇役を演じた彼女の一番の見せ場は、兵士たちの銃撃を受けながらコーヒーテーブルの下に身を隠すシーンだった。撮影中、スピルバーグはカメラのフレーム外に立ち、木製バット同士を打って大きな音を出し、彼女のリアクションを引き出したという。

「とても実践的な演出でしたし、本当に助けられました。俳優が必要としていることをあれほど理解している監督には、出会ったことがありませんでした。その経験はずっと心に残っています。大きな感情表現が必要な場面では、監督に『何か音を立てて驚かせてくれませんか』とお願いすることもあります」

その後もスピルバーグは、ドラマ『ルミナリーズ（原題：The Luminaries）』（2020年）、『瞳の奥に』（2021年）、そして『バッド・シスターズ』（2022年～）など、彼女の出演作を見守り続けていた。

2024年末、スピルバーグが新たなUFO映画を準備しているという報道が流れた際、ヒューソンもその情報を目にしていた。「ある日、突然エージェントから電話があって、『1時間半後にスティーヴンとZoomで話してほしい』と言われたんです」と彼女は振り返った。

「彼はこう言いました。『君の演技をずっと見てきて、本当に誇りに思っている。読んでほしい脚本があるんだ。君に演じてもらいたいのはジェーンという役だ』と」

その後、スピルバーグのスタッフが直接脚本を届けてくれたという。ヒューソンは当初、自分は脇役で、おそらく物語の序盤で退場する人物だろうと考えていた。しかし脚本を開くと、ジェーンは冒頭から登場し、ほぼ全編にわたって重要な役割を担っていた。

「私は俳優仲間によく言うんです。たとえ小さな作品だと思っていても、いつかスティーヴン・スピルバーグがそれを見るかもしれない。だから必ずオーディションに出るべきだって」

2人はその後、もう一度Zoomで打ち合わせを行った。「その時、私は役についていろいろ提案したんですが、正直なところ何を話したのかあまり覚えていません。アイルランド人特有のおしゃべりな性格のおかげでしょうね」とヒューソンはジョークを飛ばす。そしてその週の終わり頃、正式なオファーが届いた。

スピルバーグ流の俳優演出とは？│オバマ元大統領訪問の裏話

『ディスクロージャー・デイ』で再びタッグを組んだ際、ヒューソンはスピルバーグの俳優への理解の深さを、改めて実感したという。彼女が演じるジェーンは「観客の視点」を担う人物であり、政府が地球外生命体の存在を隠蔽している事実を知ってしまう、いわば部外者だ。

「彼女には弱さが必要でしたし、感情も生々しく表現しなければなりませんでした。スティーヴンは私の役作りに役立つ話をしてくれて、『僕も一緒にここにいるよ』と支えてくれたんです」とヒューソンは撮影時について振り返る。

「私が泣けば、彼もモニターの前で涙を流していました。コリンとのシーンでは、精神的な強さだけで彼に立ち向かうような緊張感が求められましたが、その翌日スピルバーグは『まるで10時間トレーニングした後のような気分だ』と言っていました」

さらにヒューソンは、コリン・ファースと対峙する最初の重要なシーンの撮影を控え、かなり緊張していたという。この緊張感に満ちた心理戦のシーンで、実力派俳優を相手にどこまで渡り合えるか不安を感じていたのだ。

ところが撮影現場に到着すると、サウンドステージ（防音設備）の屋上に狙撃手が配置されていることに気づいた。「ヘアメイク部屋に入って『何が起きているの？』と聞いたら、『今日は大統領が来るんだよ』と言われたんです」と彼女は振り返る。その日は、バラク・オバマ元大統領が現場を訪れる日だったのだ。

「オバマ元大統領に会うため、その日に撮影がないキャストまで全員来るということでした。私はオバマ元大統領やスピルバーグ監督、エミリー・ブラント、コールマン・ドミンゴ、ジョシュ・オコナーらが見守る中で、そのシーンを演じなければならなかったんです」

『ディスクロージャー・デイ』は大きな転機――家族との時間も大切に

『ディスクロージャー・デイ』のキャストたちが世界各地でプロモーション活動を行う中、ヒューソンは別の場所にいた。彼女は現在、チャニング・テイタムと共演するオートバイレース映画『アイル・オブ・マン（原題：Isle of Man）』を撮影しながら、ダブリンの実家で両親と暮らしている。

「34歳になった今でも、金曜の夜は両親と映画を観て過ごしています。みんなとても楽しんでいますよ」と彼女は笑う。

一方で、『ディスクロージャー・デイ』への出演による注目の大きさも実感している。ヒューソンは、本作への出演が発表されたことで、その後のオファー獲得につながったと明かす。

「『ディスクロージャー・デイ』の予告編が公開されると、10年近く連絡を取っていなかった人たちからもメッセージが届きました。こんなにも多くの人がこの映画を観るのだと思うと、緊張します」と彼女は照れた様子を見せた。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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ただしその作品たちは量だけでなく、質も高く評価され続けている。彼の作品群には、映画史に名を刻む傑作がずらりと並んでいる。そして傑作映画の数々は、観客の心に響くと同時に、彼らを互いに結びつけ、その内にある子どものような驚きを思い出させてくれる。

そんなスピルバーグ監督による最新作『ディスクロージャー・デイ』が6月12日（金）、ついに米公開を迎えた（日本では10月1日に公開予定）。これに合わせ、米『ハリウッド・リポーター』誌はスピルバーグ監督の全作品をランキング化。SF映画や「インディ・ジョーンズ」シリーズ、そして戦争映画など、スピルバーグ監督による長編映画全35作品を一挙に振り返る。

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35位『ロスト・ワールド／ジュラシック・パーク』（1997年）

『ジュラシック・パーク』（1993年）の続編である本作は、登場人物たちが次々と恐竜の脅威にさらされる一方で、億万長者たちが企業間の主導権争いのために世論を動かそうとする姿を描いている。スピルバーグの1990年代の作品群を振り返ると、本作は特に日常から離れた世界を舞台としていることが印象的だ。かつてアンブリン作品に色濃く見られた郊外の風景は姿を消し、彼の関心は孤島や遥かな過去へと向かっていったようにも感じられる。

デヴィッド・コープによる脚本は、マイケル・クライトンの原作に独自のアレンジを加えている。密猟者の一団や、体操の技を駆使してラプトルに立ち向かう密航者の少女など、映画オリジナルの要素も盛り込まれた。さらに終盤には、サンディエゴを舞台にした大規模なパニックシーンが展開され、怪獣映画を思わせる見せ場となっている。

主人公のイアン・マルコム（演：ジェフ・ゴールドブラム）は、登場時からどこか疲れた雰囲気を漂わせており、物語全体にも独特の倦怠感が流れている。そしてクライマックスではティラノサウルスまでもが眠りにつく場面が描かれ、その演出は作品のムードを象徴する印象的な瞬間となっている。

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34位『BFG：ビッグ・フレンドリー・ジャイアント』（2016年）

本作の制作にあたり、スピルバーグは原作から大胆なアレンジを加えている。ロアルド・ダールによる1982年の原作小説には、エリザベス女王がテーブルクロスを吹き飛ばす放屁の場面は登場しない。しかし、スピルバーグは実際に女王と面識があり、英国から名誉ナイト爵位を授与された人物でもある。そうした背景を踏まえると、本作で描かれる“バッキンガム宮殿でのおならシーン”は、特に印象的なアレンジと言えるだろう。

女王（演：ペネロープ・ウィルトン）は、コーギー犬たちが背後でエメラルド色のガスを噴き上げる中に悠然と座り、その後は執事や軍人たちまでもが次々と騒動に巻き込まれていく。この放屁ギャグの連続は、本作の作風を象徴する要素の一つだ。しかし、派手で賑やかな演出が続く一方で、ユーモアの好みが分かれる場面も多く、作品全体としては評価が大きく分かれる要因となっている。

33位『レディ・プレイヤー1』（2018年）

『BFG：ビッグ・フレンドリー・ジャイアント』の興行的な苦戦を経て、スピルバーグが次に手掛けたのが、数え切れないほどの人気IPやポップカルチャーの要素を盛り込んだ『レディ・プレイヤー1』だ。その流れを踏まえると、本作を新たな挑戦作として位置づける見方もできるだろう。

本作では、タイ・シェリダンとオリヴィア・クックが、2045年の未来世界で巨大企業に立ち向かう若きゲーマーたちを演じる。しかし観客の目を引くのは、彼らだけではない。キングコングやデロリアン、バットマンをはじめとする数多くのポップカルチャーのアイコンたちが、作品の大きな魅力となっている。

本作は、アーネスト・クラインの原作小説が持つ1980年代カルチャーへの愛情を引き継ぎながらも、さらに幅広い時代やジャンルへと範囲を広げている点が興味深い。スピルバーグ自身が一つひとつのネタを吟味したのではないかと思わせるほど、多彩な引用が散りばめられている。

主人公たちが敬愛する存在として名前が挙がるのは、ロバート・ゼメキス、スタンリー・キューブリック、ブラッド・バードといった映画人たちだ。彼らはいずれもスピルバーグと深い縁を持つ人物であり、作品全体からは映画やゲーム、アニメーションなど、さまざまなカルチャーへの敬意が感じられる。

その一方で、ノスタルジーや過去の名作への愛情を前面に押し出した作風は、観客によって受け止め方が大きく異なる部分でもある。だからこそ本作は、現代のポップカルチャーとファン文化のあり方を映し出す作品として、さまざまな議論を呼んでいる。

32位『インディ・ジョーンズ／クリスタル・スカルの王国』（2008年）

かつてインディ・ジョーンズ（演：ハリソン・フォード）は、ソ連を監視する任務に携わっていた。しかし本作では、誰もが疑心暗鬼に陥る冷戦下の空気が広がる時代が描かれている。連邦捜査官は彼のオフィスを捜索し、上層部に圧力をかけ、その名声にも影を落とす。まさにマッカーシズムの余波を感じさせる状況だ。FBIとKGBの双方に追われるなか、キャンパスでは反共産主義を掲げるデモが繰り広げられ、カフェでは若者たちが衝突する。さらに国家は核実験を推し進めており、社会全体が不穏な空気に包まれている。

スピルバーグの生涯の盟友、ジョージ・ルーカスとの最後の共同プロジェクトとなった本作は、シリーズの中でも、アメリカ国内を舞台とする場面が特に多い。序盤にはどこか不条理で政治風刺的な雰囲気が漂い、その独特の世界観は、2人の過去の作品からは思いもよらない形で混ざり合っている印象を受ける。中でも、核実験から逃れるために冷蔵庫へ飛び込む有名なシーンは、冒険映画の主人公らしい大胆な場面として、強い印象を残している。

一方で、舞台がペルーへ移ると、デジタル技術によって描かれたアリやサル、そして宇宙人といった要素が次々と登場する。こうした演出はシリーズの新たな試みとして受け止められる一方で、従来のシリーズの「冒険活劇らしさ」を好む観客の間では、評価の分かれるポイントになっている。

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31位『1941』（1979年）

スピルバーグにとって本作の制作現場は、これまでの作品とは一味違う独特の空気に包まれていたのかもしれない。彼のフィルモグラフィーの中でもひときわ異彩を放つ本作は、大規模なコメディとして制作された意欲作である。

物語の舞台は真珠湾攻撃直後のロサンゼルス。日本軍の侵攻への恐怖が街全体を包み込み、人々の不安と混乱は次第に暴走していく。戦車や高射砲が街中を駆け回り、ジタバグコンテストやズートスーツ文化をめぐる騒動まで入り乱れるなど、ロサンゼルスはかつてない大混乱に陥る。

作品全体には、戦時下のヒステリーや集団心理を風刺する要素が盛り込まれており、そのスケールの大きさと過剰なエネルギーが強烈な印象を残す。特に、スタンリー・キューブリック監督の『博士の異常な愛情』（1964年）を思わせるブラックユーモアも随所に見られる。『博士の異常な愛情』で爆弾にまたがって落下する名シーンを演じたスリム・ピケンズも本作に出演しており、コミカルな役どころで存在感を発揮している。

公開当時は評価が分かれた本作だが、その破天荒なテンションと豪華キャスト、そしてスピルバーグ作品の中でも異色のコメディ精神によって、現在ではカルト的人気を誇る作品として再評価されている。

30位『ターミナル』（2004年）

『ターミナル』は、映像の美しさや丁寧な演出が際立つ一方で、物語の中心にロマンスの要素が据えられている。本作は、祖国の政変によって入国も帰国もできなくなった主人公ヴィクター・ナボルスキー（演：トム・ハンクス）が、空港ターミナルで生活を送りながら人々と交流を深めていく姿を描く。

本作は、現実には不安や緊張感と結び付けられがちな空港という空間を、友情や恋愛、助け合いが生まれる温かな場所として描いている点が特徴的だ。特に9.11以降の時代背景を考えると、この作品が提示する空港のイメージは理想主義的であり、現実から距離を取った寓話として受け止めることもできる。そうした作風は観客によって評価が分かれる部分だが、人間の善意を信じるスピルバーグらしさが色濃く表れている。

29位『オールウェイズ』（1989年）

『オールウェイズ』は、亡くなった消防士が幽霊となってこの世に留まり、かつて愛した女性を見守る姿を描いたファンタジー・ロマンス作品だ。

主人公ピート（演：リチャード・ドレイファス）は、危険な任務に身を投じる航空消防士。事故によって命を落とした後も、恋人ドリンダ（演：ホリー・ハンター）への想いを断ち切れず、幽霊として彼女の前に現れる。そして、自分の後継者となる若いパイロットを導きながら、ドリンダの新たな人生を見守っていく。

死別と再生をテーマにした本作は、スピルバーグ作品の中でも、比較的穏やかで感傷的な作品として知られている。全体としては、愛する人を手放し前へ進むことの大切さを描いた、ロマンチックなファンタジーとして位置づけられている。一方で、主人公の未練や嫉妬心を含めた人間臭い感情が物語の中心に据えられており、その描写を受け入れられるかどうかで印象が変わるだろう。

28位『ディスクロージャー・デイ』（2026年）

スピルバーグの最新作『ディスクロージャー・デイ』は、「宇宙人の来訪が80年ものあいだ巨大な陰謀によって隠蔽されてきた」という言説に焦点を当てた、監督が何年も温めてきた物語だ。

本作には楽しめる要素も多い。特に、地方テレビ局の気象予報士を演じるエミリー・ブラントは印象的だ。ワイアット・ラッセル演じる恋人との掛け合いは軽快で、スマートフォンを壊そうとする場面は、ユーモアとテンポの良さが光っている。

しかし、この言説に強く惹かれたり、宗教的なテーマに関心があったりする観客でなければ、本作はやや好みが分かれるかもしれない。エイリアン解剖の再現シーンや、真面目な修道女をめぐる物語が組み合わさった内容は、独特な雰囲気を持っている。国家レベルの危機を描く緊張感のある展開と、フラッシュバックのシーン、さらにはテレビ局を舞台とした要素とのバランスも評価が分かれるだろう。

しかし、スピルバーグの演出力は健在であり、とりわけアクションシーンではその手腕が際立っている。列車との正面衝突を描いた場面は、彼の出世作『激突！』（1971年）を思わせる演出で、長年のファンにとっては見逃せない見どころとなっている。『ディスクロージャー・デイ』は10月1日（木）に日本公開を迎える。

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27位『タンタンの冒険／ユニコーン号の秘密』（2011年）

『ディック・トレイシー』（1990年）や『シン・シティ』（2005年）、『スピード・レーサー』（2008年）のように、現実離れしたビジュアル表現を追求した作品を楽しめる人にとって、『タンタンの冒険／ユニコーン号の秘密』は魅力的な作品だろう。

本作は、エルジェの名作コミックを原作に、パフォーマンスキャプチャー技術を駆使して映像化されたアドベンチャー作品だ。実写ともアニメーションとも異なる独特の質感を持ち、原作コミックの躍動感を映像として見事に再現している。

スピルバーグは、このスタイルだからこそ可能な大胆なカメラワークやアクション演出を存分に活用した。特に、中盤以降に展開される追跡シーンやアクションシーンは、実写映画では難しい表現を駆使した見応えのあるものとなっている。

その映像表現は観客によって好みが分かれる部分もあるが、コミックの世界をそのまま動かしたような感覚を味わえる作品として、高く評価する声も多い。スピルバーグの冒険映画への愛情が、存分に注ぎ込まれた一本だ。

26位『フック』（1991年）

『フック』は、観る人によって評価が大きく分かれる作品の一つだ。しかし、ルーフィオというキャラクターの存在は、多くの観客の記憶に強く残っているだろう。本作でロビン・ウィリアムズが演じるのは大人になったピーター・パン。かつての冒険心を忘れ、仕事に追われる企業弁護士となった彼は、家族との時間を後回しにしてしまう。子どもの野球の試合よりも会議を優先する姿は、理想的な父親とは程遠い。

スピルバーグの作品を振り返ると、「父親」というテーマが繰り返し描かれていることに気づく。幼少期に両親の離婚を経験し、自身も離婚を経験した彼は、長年にわたり家族や親子関係を重要なモチーフとして扱ってきた。『フック』もまた、失われた子ども時代だけでなく、父親としての責任や家族とのつながりを見つめ直す物語として位置づけられている。

もっとも、本作の魅力は単なる親子ドラマにとどまらない。ネバーランドの幻想的な世界観や海賊たちとの対決、そして少年時代の心を取り戻していくピーターの姿が、多くの観客に愛され続けている理由だろう。

25位『宇宙戦争』（2005年）

スピルバーグのフィルモグラフィーには、不在の父親や傷ついた家族を描く作品が数多く存在する。『宇宙戦争』もまた、壮大なSFパニック映画でありながら、その中心にあるのは親子の物語である。

主人公のレイ・フェリアー（演：トム・クルーズ）は、離婚した妻との間に生まれた子どもたちと週末だけを過ごす父親だ。娘のピーナッツアレルギーすら把握していない彼は、決して理想的な父親ではない。この人物像は、『フック』のピーター・パンと少なからず共通点を持っている。どちらも子どもたちとの距離を抱えながら、その関係を取り戻そうと努力しているのだ。

一方で、スピルバーグ作品が最も力を発揮するのは、父親そのものよりも、置き去りにされた子どもたちや家族の視点の描写かもしれない。『宇宙戦争』では、レイは「エイリアンの侵略」という極限状況の中、家族を守ろうと奮闘する。その姿は父親としての成長を示しているが、同時に本作は、家族の絆が試される過酷なサバイバルドラマとしても強い印象を残している。また本作は、9.11後のアメリカを連想させる荒廃した映像表現が高く評価される一方で、終盤の展開については賛否が分かれている。

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24位『インディ・ジョーンズ／魔宮の伝説』（1984年）

『インディ・ジョーンズ／魔宮の伝説』のインディ・ジョーンズは、前作以上に荒々しく、そして魅力的なヒーローとして描かれている。歌手ウィリー（演：ケイト・キャプショー）は物語を通じてたびたび悲鳴を上げ、少年ショート・ラウンド（演：キー・ホイ・クァン）は過酷な状況に置かれるなど、登場人物たちは常に危険と隣り合わせだ。また、パンコット宮殿の首相を演じたロシャン・セスは、その直前に公開された『ガンジー』（1982年）で実在の首相ジャワハルラール・ネルーを演じた。

一方で、本作におけるインド文化やインド人の描写については、公開当時からさまざまな議論を呼んできた。現代の視点から振り返ると、ステレオタイプ的な表現や誇張された描写もあり、作品の評価が分かれる要因の一つとなっている。1980年代はスピルバーグ作品が高い人気を誇りながらも、アカデミー賞では十分な評価を受けていなかったとされている。

それでも本作には、今なお色褪せない魅力がある。特に、中盤以降に展開される邪教儀式のシーンは、スピルバーグ作品の中でも屈指の不気味さと迫力を備えている。ダークで幻想的な世界観は観客を強く引き込み、その独特なホラー演出は、後年の作品にも通じるものがある。問題点を抱えながらも、シリーズの中で最も異色かつ大胆な一本として語り継がれている作品だ。

23位『激突！』（1971年）

『激突！』は、もともとABCテレビ向けに制作されたテレビ映画だった。しかしその完成度の高さが評価され、後に世界各国で劇場公開される。若きスピルバーグの才能を世に知らしめた、記念碑的な作品だ。

本作のストーリーは極めてシンプルだ。あるロサンゼルスのビジネスマン（演：デニス・ウィーバー）が砂漠地帯を車で移動している最中、正体不明の大型トラックに執拗に追跡される。トラックの運転手の顔はほとんど映し出されず、その存在はまるで得体の知れない怪物のように描かれる。

スピルバーグは、この単純な追跡劇を、原始的な恐怖の物語へと昇華させた。小型車プリムス・ヴァリアントを運転する都会的な主人公と、複数の州のナンバープレートをぶら下げた巨大なトラックの対決は、人間と怪物の戦いにも似た緊張感を生み出している。

後年の『ジョーズ』（1975年）や『ジュラシック・パーク』にも通じる「見えない脅威」を巧みに演出する手法は、この時点ですでに完成されていたと言える。スピルバーグのキャリアを語るうえで欠かせない重要な出発点であり、現在でも高く評価され続けている作品だ。

22位『ペンタゴン・ペーパーズ／最高機密文書』（2017年）

スピルバーグについて、「かつての革新的な監督から、無難な歴史劇ばかりを撮る巨匠へと変わった」と評する人もいる。しかし近年の彼の作品を振り返ると、そうした見方だけでは捉えきれない鋭さと現代性が備わっている。『ペンタゴン・ペーパーズ／最高機密文書』もその代表例だ。

物語は、ベトナム戦争に関する機密文書「ペンタゴン・ペーパーズ」をめぐる『ワシントン・ポスト』紙の報道を描く。ニュースルーム、役員会議室、ワシントンの社交界、そしてホワイトハウスへと情報が行き交い、報道の自由と政治権力のせめぎ合いが緊張感たっぷりに描かれていく。

この作品は歴史劇でありながら、政府による情報統制や内部告発、報道機関の役割といった現代的なテーマとも重なり合う。公開当時の政治状況や社会運動を背景に、過去の出来事を現在の視点から見つめ直す作品としても、高く評価された。

『ワシントン・ポスト』紙の発行人キャサリン・グラハム（演：メリル・ストリープ）と、編集主幹ベン・ブラッドリー（演：トム・ハンクス）が初めて本格的に向き合う朝食シーンは印象的だ。長回しを活かした繊細な演出によって、互いを探り合いながら信頼関係を築いていく様子が見事に表現されている。派手な演出に頼ることなく、会話や視線のやり取りだけでドラマを成立させたこのシーンは、スピルバーグの円熟した演出力を示している。

21位『プライベート・ライアン』（1998年）

スピルバーグ作品において、第二次世界大戦は繰り返し取り上げられてきた重要な題材の一つ。その集大成とも言える映画が『プライベート・ライアン』だ。スピルバーグと撮影監督のヤヌス・カミンスキーは本作で、それまでの戦争映画の常識を大きく塗り替えた。手持ちカメラ、不安定なフレーミング、色彩を抑えた映像、激しいシャッタースピードの変化などを組み合わせることで、戦場の混乱と恐怖を圧倒的な臨場感で再現したのだ。

特に冒頭のノルマンディー上陸作戦のシーンは、映画史に残る名場面として広く知られている。銃弾が飛び交い、兵士たちが次々と倒れていく様子は、戦争の過酷さを観客に直接体感させるような迫力を持っていた。この描写は後の戦争映画やテレビドラマ、さらにはゲーム業界にも大きな影響を与えた。

一方で、本作は単なる戦争アクションではない。ジェームズ・ライアン二等兵（演：マット・デイモン）を救出する任務を通じて、兵士たちの葛藤や犠牲、そして国家のために命を懸けることの意味を問いかけている。

こうした要素から本作は、壮絶な戦闘描写とヒューマンドラマ、さらにはアメリカ史への敬意を見事に融合させた作品として語られることが多い。公開から長い年月を経た今なお、戦争映画の金字塔として評価され続けている。

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20位『続・激突！／カージャック』（1974年）

『続・激突！／カージャック』は、スピルバーグが長編映画監督として本格的に注目を集めるきっかけとなった初期の作品だ。知名度こそ高くないものの、1970年代アメリカ映画の魅力が詰まった隠れた名作として高く評価されている。

主演のゴールディ・ホーンは、里親家庭に預けられた息子を取り戻そうと奔走する若い母親ルー・ジーンを演じている。夫クローヴィスを演じるのはウィリアム・アザートン。仮釈放中のルー・ジーンに説得される形で刑務所を脱走した彼は、妻とともに息子を取り戻すための逃避行へと身を投じる。2人はどこか未熟で危なっかしいが、家族への強い思いが観客の共感を誘う。

本作は、警察による大規模な追跡劇を軸にしながら、メディア報道の過熱ぶりや群衆心理を風刺的に描いている。一方で、家族の再生を願う切実なドラマとしての側面も持ち合わせており、ユーモアと哀愁が絶妙に絡み合っている。

霞がかった広大な風景も印象的で、アメリカ南部の開放的な空気感を見事に映し出している。また、本作は作曲家のジョン・ウィリアムズとスピルバーグが初めてタッグを組んだ作品としても知られる。ハーモニカを効果的に用いた音楽は、後の名コンビ誕生を予感させる魅力に満ちている。

19位『アミスタッド』（1997年）

『アミスタッド』は、1839年に実際に起きたアミスタッド号事件を題材に、奴隷制度の残酷さとアメリカ司法のあり方を描いた歴史劇だ。奴隷船で自由を奪われた主人公・シンケ（演：ジャイモン・フンスー）は、仲間たちとともに命懸けの反乱を起こし、自らの尊厳を取り戻そうとする。しかし、その後アフリカ人たちはアメリカへ連行され、自由をめぐる法廷闘争へと巻き込まれていく。

前半では、奴隷貿易の過酷な実態や人間性を奪われた人々の苦しみが力強く描かれる。スピルバーグは、歴史の暗部に真正面から向き合いながら、自由と人権の尊さを訴えかけた。そして法廷パートでは、弁護士ロジャー・ボールドウィン（演：マシュー・マコノヒー）を中心に展開していく。彼は政治的な理想論だけではなく、現実的な視点を積み重ねながら、被告たちの自由を勝ち取ろうと尽力する。

特に印象的なのは、奴隷制度廃止論者（演：ステラン・スカルスガルド）とのやり取りだ。理想と現実の間で揺れ動く議論は、本作が単なる歴史再現ドラマではなく、法と正義の関係を問いかける作品であることを示している。

終盤には元大統領ジョン・クインシー・アダムズ（演：アンソニー・ホプキンス）が登場し、最高裁判所で歴史的な弁論を行う。評価の分かれるシーンだが、本作全体は奴隷制度という重いテーマを真正面から描き出した意欲作として、スピルバーグの歴史劇の中でも重要な位置を占めている。

18位『A.I.』（2001年）

『A.I.』は、スタンリー・キューブリックが長年にわたって構想を温め続けていた企画を、彼の死後、スピルバーグが引き継いで完成させた作品である。そのため、本作にはキューブリックの冷徹な未来観と、スピルバーグの人間味あふれる感性が同居している。

主人公は、母親の愛を求める少年型ロボットのデイビッド。ハーレイ・ジョエル・オスメントは、機械でありながら人間らしい感情を抱く存在を繊細に表現し、作品の根幹を支えている。本物の人間になりたいと願う姿は、『ピノキオ』を思わせる寓話的な魅力を放つ。

作品全体としては、人工知能や愛情、家族の絆、人間性とは何かといったテーマが数多く盛り込まれている。これらのテーマからは、スピルバーグがエンターテインメントの枠を超え、哲学的な問いに挑もうとしたことがうかがえる。

そして何より、終盤の展開は公開当時から現在に至るまで、さまざまな解釈や議論を呼び続けており、本作を語るうえで欠かせない。希望に満ちた結末と見るか、あるいは悲劇として受け取るかによって、作品全体の印象は大きく変わる。『A.I.』はスピルバーグ作品の中でも特に評価の分かれる一本だが、その独創性と野心、そして強烈な余韻によって、今なお多くの映画ファンを惹きつけている。

17位『キャッチ・ミー・イフ・ユー・キャン』（2002年）

『キャッチ・ミー・イフ・ユー・キャン』は、実在の人物フランク・W・アバグネイルJr.の半生を基にしたクライム・ドラマであり、スピルバーグ作品の中でも屈指の軽快さを誇る一本だ。フランク（演：レオナルド・ディカプリオ）は巧みな話術と大胆な発想を武器に、パイロットや医師、弁護士になりすましながら各地を渡り歩く。詐欺師でありながら不思議な魅力を持つ人物として描かれ、その奔放な生き方は観客を強く惹きつける。

一見すると華やかな成功譚のように見えるが、その根底には「家族の崩壊」という深い傷が横たわっている。両親の離婚によって居場所を失った少年が、自分自身を偽り続けることで現実から逃れようとする姿は、スピルバーグ作品で繰り返し描かれてきた家族のテーマとも重なる。

一方、FBI捜査官カール・ハンラティ（演：トム・ハンクス）は、フランクを追い続ける立場でありながら、次第に父親のような存在となっていく。2人の関係性は単なる追跡劇を超え、本作の大きな見どころとなっている。

もっとも、後年になってアバグネイル本人の証言について疑問視する調査報道も出てくるなど、作品の前提となったエピソードの全てが事実だったかどうかは議論の余地がある。しかし、それを差し引いても本作の魅力は揺るがない。軽妙なテンポ、スター俳優たちの好演、そして家族への切ない思いが絶妙に融合した本作は、スピルバーグのフィルモグラフィーの中でも、特に親しみやすい傑作として高く評価されている。

16位『リンカーン』（2012年）

『リンカーン』は、アメリカ歴代大統領の中でも屈指の人気を誇る、エイブラハム・リンカーンを描いた伝記映画だ。しかし本作が焦点を当てているのは、彼の生涯全体ではない。南北戦争終結を目前に控えた時期を扱った本作で物語の中心となるのは、奴隷制廃止を定める「合衆国憲法修正第13条」の成立をめぐる政治的攻防だ。

ダニエル・デイ＝ルイスが演じるリンカーンは、教科書に登場するような厳格な偉人像とはやや異なる。ユーモアに富み、逸話や冗談を巧みに交えながら相手との距離を縮め、会話の主導権を握る人物として描かれているのだ。その語り口は単なる話好きではなく、人々を説得し、複雑な政治交渉を前進させるための重要な武器でもあった。

本作の見どころは大規模な戦闘シーンではなく、議会の票読みや駆け引き、交渉の積み重ねによって歴史が動いていく過程にある。奴隷制廃止という大きな理想を実現するために、政治家たちがどのように妥協し、説得し、制度を動かしていったのかが丁寧に描かれている。

そのため本作は、偉人伝というより政治ドラマに近い作品と言える。法律や制度が作られるプロセスそのものを壮大なドラマへと昇華させた、スピルバーグの歴史劇の中でも特に知的で緻密な構成の一本となっている。

15位『フェイブルマンズ』（2022年）

『フェイブルマンズ』は、スピルバーグ自身の人生経験を色濃く反映した半自伝的作品だ。主人公サミー・フェイブルマンの成長物語を通じて、映画監督としての原点と、家族との複雑な関係が描かれている。

サミー（演：ガブリエル・ラベル）は幼い頃に映画の魅力に取り憑かれ、自らカメラを手に取りながら映像制作に没頭していく。その一方で、家庭内では両親の関係に少しずつひびが入り始める。彼がカメラ越しに現実を見つめるほど、家族が抱える問題も鮮明になっていくのだ。

本作には、これまでのスピルバーグ作品で繰り返し描かれてきたテーマが数多く詰め込まれている。家族の葛藤、両親の離別、孤独な少年の視点、そして映画という表現への憧れ――。それらの要素が、極めて個人的な形で語られている。

また、本作は一つのジャンルに収まらないことが特徴だ。映画作りの舞台裏を描く青春ドラマであると同時に、家族劇であり、高校生活をめぐるコメディとしても魅力を放っている。母親ミッツィ（演：ミシェル・ウィリアムズ）の複雑で繊細な人物像も、作品に深い余韻を与えている。

さらに、8ミリ映画を撮影する喜びや編集によって現実を再構築する面白さなど、映画そのものへの愛情が随所にあふれており、終盤には映画ファンにとって忘れがたいサプライズも待っている。『フェイブルマンズ』は、スピルバーグが長いキャリアの末にたどり着いた極めて私的な作品であり、家族や夢、成長をめぐる普遍的な物語としても高い評価を受けている。

14位『レイダース／失われたアーク《聖櫃》』（1981年）

『レイダース／失われたアーク《聖櫃》』は、多くの映画ファンから「シリーズ最高傑作」そして「冒険映画の金字塔」として支持され続けている作品だ。しかし、「インディ・ジョーンズ」シリーズの魅力はこの一作で完結するものではなく、それぞれの作品が異なる輝きを放っている。

本作が特別な存在であり続ける理由の一つは、マリオン・レイヴンウッド（演：カレン・アレン）の存在だ。インディアナ・ジョーンズと対等に渡り合いながら、時に衝突し、時に惹かれ合う2人の関係性は、映画全体に大きな魅力を与えている。

また、本作は冒険映画としての見せ場が次々と繰り出される構成も特徴的だ。巨大な岩が転がるオープニングは映画史に残る名シーンとして知られ、その後も発掘現場や砂漠での追跡劇など、観客を飽きさせない展開が続く。中でも、終盤のトラックチェイスはシリーズ屈指のアクションシーンとして高く評価されている。スタントと実写アクションを駆使した迫力ある演出は、後の冒険映画に大きな影響を与えた。

テンポや構成についてはさまざまな意見があるものの、本作が冒険映画の基準を作り上げた一本であることは間違いない。スピルバーグとジョージ・ルーカスが生み出したインディ・ジョーンズというヒーローは、今なお世界中の観客を魅了し続けている。

13位『未知との遭遇』（1977年）

『未知との遭遇』は、スピルバーグの宇宙への憧れと好奇心が、最も純粋な形で表れた一本だ。主人公ロイ・ニアリーを演じるのはリチャード・ドレイファス。平凡な家庭生活を送っていた彼は、ある夜に経験したUFOとの不思議な遭遇をきっかけに、人生が大きく変わっていく。説明のつかない衝動に突き動かされ、周囲の理解を得られないまま未知の存在を追い求めていく姿は、執念にも近い。

その過程でロイと家庭の距離は広がり、家族との関係も崩れていく。しかし、この展開こそが本作の重要な要素でもある。未知なるものへの強烈な憧れと探究心は、時に日常生活さえも飲み込んでしまう。その危うさと魅力が、ロイという人物を通じて描かれている。

作品全体には、後のスピルバーグ作品にも通じる「未知との遭遇への畏敬」が満ちている。一方で、『E.T.』のような家族中心の物語とは異なり、本作は個人の強い衝動や神秘体験に焦点を当てている点が特徴だ。

そして終盤、宇宙船が姿を現すクライマックスは、映画史に残る名場面として知られている。光と音楽によって異星人とのコミュニケーションを描く幻想的な演出は、公開から長い年月を経た今なお多くの観客を魅了し続けている。『未知との遭遇』はSF映画でありながら、人類の好奇心や憧れそのものを描いた作品でもある。スピルバーグの作家性を語る上で欠かせない一本だ。

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12位『カラーパープル』（1985年）

『カラーパープル』は、ピューリッツァー賞を受賞したアリス・ウォーカーの小説を原作とする。20世紀前半のアメリカ南部を舞台に、一人の黒人女性の人生を数十年にわたって描いた壮大なドラマだ。

物語は、過酷な環境で生きる少女セリーの描写から始まる。幼くして自由を奪われ、望まない結婚を強いられた彼女は、長いあいだ自分の感情を押し殺して生きていくことになる。しかし、その人生はさまざまな女性たちとの出会いによって少しずつ変化していく。

大人になったセリーを演じるのはウーピー・ゴールドバーグ。比較的抑えた演技によって、苦しみと希望を抱えながら生きる主人公の内面を、見事に表現している。また、シャグ・エイヴリー（演：マーガレット・エイヴリー）は、セリーに新たな価値観と自信を与える重要な存在として強い印象を残す。

本作では、人種差別や性差別、家庭内の抑圧など、さまざまな社会問題が描かれている。しかし、作品全体に通底するのは絶望ではなく、「人と人とのつながり」や「自己を解放する希望」だ。困難な状況の中でも、尊厳を失わずに生きる人々の姿が力強く描かれている。

また本作では、スピルバーグが後にミュージカル作品で発揮する才能が垣間見える。音楽や歌が重要な役割を果たす場面では華やかさだけでなく、憧れや祈り、そして精神的な解放の感情が丁寧に表現されている。公開当時は賛否を呼んだが、現在ではスピルバーグの代表的なドラマ作品に数えられ、人間の強さと再生を描いた感動作として再評価されている。

11位『ジュラシック・パーク』（1993年）

『ジュラシック・パーク』は、映画史に残る屈指のエンターテインメント作品の一つだ。公開から30年以上が経った今なお、その興奮と驚きは色褪せていない。本作の大きな魅力は、「恐竜を現代に蘇らせる」という大胆な発想を、リアルな映像で再現したことにある。スピルバーグは最新技術と伝統的な特撮を融合させ、恐竜たちに圧倒的な存在感を与えた。中でもティラノサウルスとヴェロキラプトルは、単なる怪獣ではなく、それぞれ異なる個性を持つ“スター”として描かれている。

特に、クライマックスは本作を象徴する名場面として語り継がれている。追い詰められた主人公たちの前にティラノサウルスが現れ、さらにヴェロキラプトルと激突する展開は、理屈を超えた高揚感に満ちている。細かな整合性よりも観客の興奮を優先する演出は、スピルバーグならではの巧みな映画術と言える。

また、ジョン・ウィリアムズによる壮大な音楽も作品の魅力を大きく支えている。恐竜たちが姿を現すたびに流れるテーマ曲は、畏怖と感動を呼び起こし、映画のスケール感をさらに高めている。

一方で、マイケル・クライトンの原作小説と比較すると、ジョン・ハモンドの描かれ方には大きな違いがある。原作では野心と傲慢さを備えた人物として描かれていたが、映画版ではリチャード・アッテンボローの温かな演技によって、夢と理想を追い求める魅力的な起業家として描かれた。

その結果、『ジュラシック・パーク』は科学の暴走を描く警鐘を鳴らしながら、恐竜への純粋な憧れと驚きに満ちた冒険映画として成立している。恐怖と感動、スリルとユーモアを絶妙に融合させた本作は、スピルバーグの代表作として揺るぎない地位を確立している。

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10位『太陽の帝国』（1987年）

『太陽の帝国』は、第二次世界大戦下の上海を舞台に、一人の少年の成長と喪失を描いた壮大な戦争ドラマである。主人公ジェイミー・グレアム（ジム）を演じるのは、当時子役だったクリスチャン・ベイル。裕福なイギリス人家庭に育ちながら、日本軍の侵攻によって両親と離れ離れになり、過酷な現実の中で生きることを余儀なくされる少年を見事に演じ切っている。

ジムはやがて収容所へ送られ、アメリカ人のベイシー（演：ジョン・マルコヴィッチ）と出会う。ベイシーは生き延びる術に長けた現実主義者で、少年にとって保護者であると同時に、憧れの対象でもある。2人の関係は本作の重要な軸となっている。

本作の大きな特徴は、戦争を単純な善悪の対立として描いていないことだろう。ジムは連合国側の少年でありながら、日本軍機の零戦に強い憧れを抱き、空を舞うパイロットたちに魅了される。その純粋な憧れは、現実に起きている戦争と複雑に交錯していく。

また、本作にはスピルバーグ作品らしい少年の視点と、壮大な歴史叙事詩としてのスケール感が見事に融合している。戦争によって価値観を揺さぶられる一人の少年の内面描写と、デヴィッド・リーン作品を思わせる壮大な映像美が、同時に成立しているのだ。

戦争の混乱、喪失、憧れ、そして成長――。『太陽の帝国』は、それらを一人の少年の目を通して描いた特異な作品だ。スピルバーグのフィルモグラフィーの中でも、特に野心的で奥行きのある一本として高く評価されている。

9位『インディ・ジョーンズ／最後の聖戦』（1989年）

『インディ・ジョーンズ／最後の聖戦』は、シリーズの原点回帰と評されることも多いが、実際にはシリーズの中でも独自の魅力を持つ作品と言える。冒険活劇としてのスケールはそのままに、ユーモアと親子ドラマの要素が、より色濃く盛り込まれているのだ。

冒頭では、若き日のインディを演じるリヴァー・フェニックスが登場。ハリソン・フォードの仕草や話し方を見事に再現した演技が高い評価を受け、インディの原点を印象的に描き出している。

物語は聖杯探索を軸に展開し、ヴェネツィアの運河、古城、ツェッペリン飛行船、砂漠での戦車戦など、次々と舞台を移しながら壮大な冒険が繰り広げられる。シリーズの魅力が凝縮され、旅そのものを楽しませるような構成となっている。

そして何より本作を特別な地位に押し上げたのは、ヘンリー・ジョーンズ・シニア（演：ショーン・コネリー）の存在だ。学者として偉大な功績を残しながらも、息子との関係に悩みを抱える父親を、コネリーは絶妙なユーモアと哀愁を交えて演じている。フォードとの掛け合いはシリーズ屈指の見どころの一つ。「父親への複雑な思い」というスピルバーグ作品に欠かせない要素を含む本作は、冒険映画でありながら、親子の和解を描くドラマとしても深い余韻を残す。

終盤、聖杯を目の前にした父が息子へ向けて語る「手を放せ」という言葉は、本作のテーマを象徴する名台詞として知られている。このシーンは「宝や伝説よりも大切なものがある」と示しており、単なる冒険映画を超えた感動を与えている。

8位『マイノリティ・リポート』（2002年）

『マイノリティ・リポート』は、スピルバーグのフィルモグラフィーの中でも、特にスタイリッシュなSF作品として高い人気を誇る。舞台は2054年の近未来。犯罪を予知し、実際に事件が起きる前に犯人を逮捕するシステムによって、殺人事件がほぼ根絶された世界だ。

主人公ジョン・アンダートン（演：トム・クルーズ）は、そのシステムを支えるエリート警官である。彼自身もまた、息子を失い悲しみを抱えた孤独な人物として描かれている。しかし、そんなアンダートン自身が未来の殺人犯として予知され、物語は大きく動き出す。突然追われる立場となった彼は、街を駆け巡りながら真実を追う。

本作の魅力は、スリリングなサスペンスと緻密な近未来の描写にある。垂直方向へと伸びる高速道路網、ジェットパックを装備した警察部隊、網膜認証システム、パーソナライズされた広告など、将来のテクノロジーを予見したようなアイデアが数多く登場する。

また、撮影監督ヤヌス・カミンスキーとのコンビによって生み出された、独特の映像美も印象的だ。色彩を抑えた冷淡な画面は、未来社会の不安感を際立たせる一方で、今見ても古さを感じさせない洗練された魅力を放っている。

さらに、フィリップ・K・ディックの原作らしい、運命と自由をめぐる哲学的な問いも重要な柱となっている。アンダートンと予知能力者アガサとの関係には神話や悲劇を思わせる趣があり、単なるアクション映画にとどまらない深みが生まれている。

終盤の展開については公開当時から賛否が分かれているものの、サスペンスやSF、アクション、社会風刺を高いレベルで融合させた本作が、スピルバーグの代表作の一つであることは間違いない。

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7位『ブリッジ・オブ・スパイ』（2015年）

スピルバーグというと、『E.T.』や『未知との遭遇』、『ジュラシック・パーク』といった作品から、子どもや家族、宇宙といったテーマを描くイメージが根強い。しかし近年の作品群を振り返ると、むしろ繰り返し描かれているのは「法」や「国家」、そして「個人の良心」をめぐるテーマであることに気づく。『ブリッジ・オブ・スパイ』は、その傾向が最もよく表れた作品の一つだ。

舞台は冷戦下のアメリカ。保険専門の弁護士ジム・ドノヴァン（演：トム・ハンクス）は、ソ連のスパイ容疑者ルドルフ・アベルの弁護を引き受けることになる。アベルを演じるマーク・ライランスは、本作でアカデミー賞助演男優賞を受賞した。

当時の世論はアベルを有罪と決めつけており、周囲の人々も形式的な裁判で終わらせることを望んでいた。しかしドノヴァンは、「被告が誰であろうと法の下で平等に扱われるべきだ」という信念を貫き、真摯に弁護に取り組む。その姿勢は家族や地域社会からの反発を招き、彼は孤立していく。

やがて、物語は法廷劇から国際政治ドラマへと様変わりする。ドノヴァンは東ベルリンへ渡り、米ソ間の捕虜交換交渉という極めて繊細な任務に関わることになる。この後半部分こそ、本作の真骨頂と言える。ドノヴァンは政府高官でも外交官でもない。アメリカ、ソ連、東ドイツ、それぞれの利害がぶつかり合うなかで、彼はどの陣営にもはっきりと属さない。しかし彼は、複雑な政治的思惑が交錯する冷戦の最前線で、自らの判断と誠実さだけを頼りに交渉を進めていく。

スピルバーグは派手な演出を控えながらも、冷戦時代の緊張感を見事に再現している。そして、法の支配や適正な手続きといった民主主義の基本原則は、危機的状況でこそ試されることを静かに問いかけている。『ブリッジ・オブ・スパイ』はスパイ映画でありながら、法廷ドラマであり、交渉劇でもある。そして何より、信念を貫く一人の市民を描いた作品として、スピルバーグ後期の代表作の一つに数えられている。

6位『戦火の馬』（2011年）

『戦火の馬』は、第一次世界大戦を背景にしながら、一頭の馬と人々との絆を描いた壮大な叙事詩だ。物語の中心となるのは、若者アルバート（演：ジェレミー・アーヴァイン）と愛馬ジョーイ。深い絆で結ばれていた2人だったが、戦争の勃発によって引き離されてしまう。ジョーイは軍馬として戦場へ送られ、その後もさまざまな人々の手を渡りながら過酷な運命を辿っていく。

本作の特徴は、一頭の馬を通して戦争のさまざまな側面を描いていることだ。ジョーイは異なる兵士や農民、家族たちに次々と出会う。それぞれの物語が独立した短編映画のような完成度を持ちながら、一つの大きな物語へとつながっていく。

スピルバーグは『プライベート・ライアン』で戦場の壮絶さをリアルに描いたが、本作では異なるアプローチを取っている。激しい戦闘よりも、その陰で失われていく日常や人々の思いに焦点を当てているのだ。死や別れは確かに存在するが、それらは誇張されることなく、静かな重みをもって描かれる。

また、本作はクラシック映画を思わせる映像美も大きな魅力だ。広大なイギリスの田園風景から戦場の荒廃した大地まで、ジョーイが旅する世界はどこまでも美しく切ない。ジョン・ウィリアムズの音楽もその感動を増幅させている。

戦争映画でありながら、希望や優しさ、人と動物の絆を描いた『戦火の馬』は、スピルバーグ後期の作品群の中でも特に温かい余韻を残す一本である。馬に特別な関心がない観客でも、見終えた頃にはジョーイの運命に心を動かされているはずだ。

5位『ウエスト・サイド・ストーリー』（2021年）

1961年版がミュージカル映画の金字塔として高く評価されている中で、『ウエスト・サイド・ストーリー』のリメイクは大きな挑戦だった。しかしスピルバーグは単なるリメイクではなく、本作に新たな解釈を加えて蘇らせることに成功した。

脚本を担当したトニー・クシュナーは、原作の『ロミオとジュリエット』的な悲恋に加え、都市再開発や移民コミュニティの変化、人種間の対立といった社会的背景をより深く描き出している。その結果、物語は現代の観客にも強く訴えかけるものになった。

映像面では、撮影監督ヤヌス・カミンスキーとのコンビが圧巻の成果を見せている。カメラはまるでダンサーの一員であるかのように滑らかに動き、歌やダンスのエネルギーを余すことなく映し出している。

また、レイチェル・ゼグラー、アリアナ・デボーズ、デヴィッド・アルヴァレスら新キャストも高い評価を受けた。特にアニータ役のデボーズは、その圧倒的な存在感でアカデミー賞助演女優賞を受賞した。さらに本作には、1961年版でアニータを演じたリタ・モレノも出演している。新旧の『ウエスト・サイド・ストーリー』を結ぶ存在として重要な役割を果たし、作品に深い感慨を与えている。

スピルバーグは長年ミュージカル映画への憧れを抱いていたが、本作でその才能を存分に発揮した。演出、音楽、ダンス、ドラマが高いレベルで融合した本作は、彼のキャリア後期を代表する傑作だ。

4位『シンドラーのリスト』（1993年）

『シンドラーのリスト』は、スピルバーグのキャリアを語るうえで欠かすことのできない代表作であり、映画史においても特別な位置を占める作品だ。第二次世界大戦下のポーランドを舞台に、実在したドイツ人実業家オスカー・シンドラーの人生を描いた本作は、ホロコーストという人類史上の悲劇を真正面から捉えている。

シンドラー（演：リーアム・ニーソン）は、当初は利益を追求する野心的な実業家として登場する。巧みな社交術でナチス高官たちに取り入り、事業を拡大していく姿は、一見すると成功者の物語にも見える。しかし戦争が進むにつれ、彼はユダヤ人たちが置かれた過酷な現実を目の当たりにし、価値観を大きく変えていく。

その変化を支える重要な存在が、会計士イツァーク・シュテルン（演：ベン・キングズレー）である。冷静さと知性を兼ね備えた彼は、シンドラーの良心を静かに呼び覚ましていく。また、本作を語るうえで欠かせないのが、アーモン・ゲート（演：レイフ・ファインズ）だ。強制収容所の所長である彼は、権力によって人間性を失った恐ろしさを体現しており、映画史に残る悪役の一人として圧倒的な存在感を残している。

本作の特筆すべき点は、歴史的悲劇を単なる教材や記録映像のように描いていないことにある。スピルバーグは、観客がその時代を「知る」のではなく、「体験する」感覚になるような演出を追求した。突然訪れる暴力や死、日常に溶け込んでしまった恐怖は、観る者に強烈な印象を残す。

公開から長い年月が経った今も、本作はホロコーストを描いた映画の代表作として、世界中で高く評価され続けている。そして同時に、人間の選択の正しさを問いかける普遍的な物語として、多くの観客の心を打ち続けている。

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3位『ミュンヘン』（2006年）

『ミュンヘン』は、スピルバーグ作品の中でも特に重厚で挑戦的な作品として知られている。1972年のミュンヘン五輪で発生したテロ事件と、その後に行われた報復作戦を題材にした本作は、単なるスパイスリラーにとどまらず、暴力の連鎖と国家の正義を問い続ける政治ドラマでもある。

主人公アヴナーを演じるのはエリック・バナ。イスラエル政府から極秘任務を命じられた彼は、仲間たちとともに事件に関与したとされる人物たちを追跡し、世界各地で暗殺を実行していく。

しかし本作の特徴は、任務の成否そのものではなく、その過程で生まれる葛藤に焦点を当てていることだろう。計画は必ずしも思い通りには進まず、予期せぬトラブルや失敗が積み重なっていく。そのたびにアヴナーは、自分たちが何を成し遂げているのか、そして本当に正しい行動を取っているのかを問い続ける。

脚本を担当したトニー・クシュナーは、サスペンスとしての緊張感を維持しながらも、報復がさらなる報復を生む構造を丁寧に描き出した。スピルバーグもまた、善悪を単純に割り切ることなく、複雑な現実を観客に突きつけている。

また、本作は国際スパイ映画としての完成度も非常に高い。ヨーロッパ各地を舞台にした潜入劇や追跡劇、情報戦の数々は、途切れることなく緊張感を描き出す。ダニエル・クレイグやマチュー・カソヴィッツといった、脇を固める俳優陣も存在感を発揮している。

『ミュンヘン』は、復讐によって得られるもの、そして失われるものを問い続ける作品だ。エンターテインメントとしての面白さと、観客に思考を促す深いテーマ性を両立させた傑作である。

2位『ジョーズ』（1975年）

『ジョーズ』は、スピルバーグを世界的な映画監督へと押し上げた記念碑的作品であり、現代のブロックバスター映画の原点とも言われる一本だ。物語は、平和な海辺の町アミティで発生したサメの襲撃事件から始まる。警察署長ブロディ（演：ロイ・シャイダー）、海洋学者フーパー（演：リチャード・ドレイファス）、そして漁師クイント（演：ロバート・ショウ）の3人は、人々を脅かす巨大な人喰いザメを追うため海へと乗り出す。

本作が突出している点の一つは、「見えない恐怖」の演出だ。撮影中に機械仕掛けのサメがたびたび故障したため、スピルバーグはサメそのものを見せるのではなく、その「存在を感じさせる」演出へと方針を転換した。その結果、観客の想像力が刺激され、映画史に残る緊張感が生み出された。さらに、ジョン・ウィリアムズによる有名なテーマ曲は、映画音楽史に残る傑作だ。わずかな音の反復だけで恐怖を表現する旋律は、公開から半世紀以上が経った現在も広く知られている。

また、シャイダー、ドレイファス、ショウによる三者三様の人物描写も見事だ。性格も立場も異なる彼らが一隻の船に乗り込み、極限状況のなかで協力していく後半は、アクション映画としても人間ドラマとしても高い完成度を誇る。

『ジョーズ』は単なるサメ映画ではなく、自然への畏怖や人間の慢心、社会の危機への対応など、多くのテーマを内包している。その普遍性こそが、今なお世界中の観客を魅了し続ける理由だろう。スピルバーグのキャリアを語る上で欠かせないだけでなく、映画史そのものを変えた一本と言える。

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1位『E.T.』（1982年）

『E.T.』は、スピルバーグの代表作であるだけでなく、映画史において最も愛され続ける作品の一つだ。本作は、多くの人が「心温まるファンタジー」として記憶しているだろう。しかし改めて見返すと、その物語には驚くほど深い孤独や喪失感が流れていることに気づく。

主人公エリオット（演：ヘンリー・トーマス）は、母親と兄妹とともに暮らしている少年だ。しかし父親はすでに家を離れており、その不在は家族の心に大きな影を落としている。そんなエリオットは、地球に取り残された異星人E.T.と森で出会う。

スピルバーグは終始、子どもの視点から世界を見つめている。大人たちの顔はなかなか映されず、カメラはエリオットたちの目線と同じ高さで撮影しており、夜の住宅街や森、家の中の暗がりは、子どもにとっては未知の世界のように感じられる。

そして本作の核心にあるのは「共感」だ。エリオットとE.T.は言葉を超えて心を通わせ、お互いの痛みや喜びを共有していく。特殊効果によって生み出されたE.T.の姿はもちろん印象的だが、それ以上に観客の心を動かしているのは、トーマスやドリュー・バリモアら子役たちの真摯な演技だろう。

また、本作はスピルバーグ作品に繰り返し登場する「別れ」というテーマを最も美しく描いた映画でもある。E.T.との出会いは奇跡的だったが、それは永遠には続かない。人は誰しも、大切な存在との別れを経験しながら生きていく。クライマックスの別れの場面は、映画史に残る名シーンとして語り継がれている。

『E.T.』の舞台は住宅街と森を中心とした小さな世界だが、そこで描かれる感情は極めて普遍的だ。だからこそ本作は、国や世代を超えて多くの人々の心に届いている。本作は、友情と成長、孤独と希望、そして別れと愛情を描いた作品である。スピルバーグという映画監督の本質が最もまっすぐに表れた一本であり、今なお多くの観客にとって特別な映画であり続けている。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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▼2026年上半期映画ベスト10！話題作からアート作品まで集結

巨匠スティーヴン・スピルバーグによる壮大なSFから、新世代監督が放つ鮮烈なホラー、社会問題を鋭くえぐるドキュメンタリーまで――米『ハリウッド・リポーター』の批評家が選んだ至高の10本は、それぞれ異なる個性を放ちながらも、観客に忘れがたい体験をもたらした傑作ばかりだ。

1.『The Currents（英題）』

飽和状態ともいえる「崩壊していく女性」を描く系譜に、新たな視点を持ち込んだのが、スイス・アルゼンチン出身のミラグロス・ムメンタレール監督による本作だ。

舞台はブエノスアイレス。成功を収めた若きファッションデザイナーの揺れ動く内面を、冷徹な美意識と繊細な感情描写を交錯させながら映し出していく。神経を逆撫でするような緊張感に満ちながら、大胆な色彩設計と没入感のある音響演出が観客を包み込む。さらに、主演イザベル・エメ・ゴンザレス＝ソラによる透明感あふれる熱演が作品に圧倒的な説得力を与え、観る者の感情を激しく揺さぶる心理描写へと昇華させた。

2.『ディスクロージャー・デイ』

スティーヴン・スピルバーグ監督が、自身の真骨頂ともいえるSFジャンルへ帰還した注目作。「世界が滅亡へ向かう最中、人類が宇宙生命体の存在を知ったらどうなるのか」という壮大な問いを投げかける。

息をつかせぬチェイスシーンや緻密に構築されたアクションは圧巻だが、本作の本質は人間ドラマにある。極限状態に置かれた人々の葛藤や希望を描く視点こそ、スピルバーグ作品の魅力そのものだ。エミリー・ブラントとジョシュ・オコナーによる魂を削るような演技に加え、悪役として新境地を切り拓いたコリン・ファースの存在感も際立っている。

3.『EPiC／エピック エルヴィス・プレスリー・イン・コンサート』

伝記映画『エルヴィス』から4年。バズ・ラーマン監督は今度はドキュメンタリーという形で、「キング・オブ・ロックンロール」の伝説に新たな光を当てた。

ワーナー・ブラザースのアーカイブから発掘された59時間に及ぶ未公開映像を丹念に修復し、1970年代のコンサートの熱狂を現代へと蘇らせる。その映像体験は、もはや単なる記録映画の域を超えている。プレスリーのファンにとっては究極の祝祭であり、その偉大さを知らない世代にとっては、なぜ彼が世界を魅了したのかを体感できる最高の入門編となった。

4.『I Love Boosters（原題）』

『ホワイト・ボイス』などで知られる異才、ブーツ・ライリー監督が放つ、刺激的な反資本主義風刺劇。キキ・パーマーとデミ・ムーアが主演を務める。

ベイエリアの万引きグループが、思いもよらぬ世界規模の陰謀へ巻き込まれていく物語は、急旋回を繰り返しながら予測不能な方向へ突き進む。奇想天外な展開の中には鋭い社会批評が込められており、絶望を見据えながらも、その先に確かな希望を感じさせる独特の余韻を残す。

5.『リトル・シスター 秘密』

フランス映画界では数多く描かれてきた「性の目覚め」というテーマに、新たな到達点を示した一本。

アフシア・エルジ監督は、パリ郊外に暮らすムスリムの少女がレズビアンとして自我に目覚めていく過程を、鮮烈さと繊細さを両立させた演出で映し出す。新人ナディア・メリティの圧巻の存在感も相まって、エロティシズムと郷愁、切なさが共存するクィア映画の新たな傑作が誕生した。

6.『オブセッション 災愛』

YouTube出身のカリー・バーカー監督による本作は、2026年上半期最大級のサプライズとなったホラー作品だ。

片思いの相手に振り向いてほしいと願った青年の望みが叶ったとき、想像を絶する代償が待ち受けていた――。1902年の古典『猿の手』にも通じるテーマを現代的に再構築している。恐怖演出とジャンプスケア、そしてダークコメディを絶妙なバランスで融合させ、既視感のある題材を驚くほど新鮮な恐怖へと変貌させた。

7.『私たちの土地』

アルゼンチンの名匠ルクレシア・マルテル監督による初の長編ドキュメンタリー。

アルゼンチン北西部で起きた先住民リーダー殺害事件を軸に、差別や搾取、土地の略奪という根深い問題を鋭く見つめる。一方で、広大な自然を捉えた映像は息をのむほど美しく、失われつつある文化だけでなく、人類と自然の関係そのものを問いかける力強い作品となっている。

8.『ポンペイ、雲の下に生きる』

ドキュメンタリー作家ジャンフランコ・ロージが故郷イタリアへ戻り、ヴェスヴィオ火山の麓に暮らす人々の日常を静かに記録した。

ポンペイ遺跡から墓泥棒が掘った地下トンネル、災害への不安を抱える住民たち、そして路上で火を灯す若者たちまで、多面的な視点でこの土地を見つめる。いつ噴火してもおかしくない火山と共存する人々の姿は、「災厄と隣り合わせの人生」を生きることの意味を観客に問いかける。

9.『プロジェクト・ヘイル・メアリー』

『スパイダーバース』シリーズで知られるフィル・ロード＆クリストファー・ミラー監督コンビにとって、実写映画としては12年ぶりの新作。

アンディ・ウィアーの世界的ベストセラー小説を原作に、2つの世界を救う使命を背負った科学教師の冒険を描く。ロード＆ミラーらしい軽妙なユーモアと温かな感情描写は健在だ。作品全体を包む愛らしさは抗いがたく、主演ライアン・ゴズリングの絶妙なコメディセンスも大きな見どころとなっている。

10.『そして彼女たちは』

カンヌ国際映画祭で2度のパルムドールに輝くダルデンヌ兄弟の最新作は、労働者階級の少女たちに寄り添った群像劇だ。

愛とケアを必要とする赤ん坊を抱えながら、自分自身の将来にも向き合わなければならない5人のティーンエイジャーたちの姿を、生々しいリアリズムで描き出す。若手キャストたちの演技には一切の虚飾がなく、不安や怒り、希望といった複雑な感情を真摯に表現。静かな感動を呼ぶ、2026年を代表するヒューマンドラマの一本となった。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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▼スピルバーグとルーカスが激突した『インディ・ジョーンズ』制作秘話

米『Vulture』に掲載されたスピルバーグの証言によると、シリーズの生みの親であるジョージ・ルーカスは、『インディ・ジョーンズ／クリスタル・スカルの王国』を1950年代のSF映画へのオマージュとして構想していたという。しかし、主演のハリソン・フォードとスピルバーグは「これ以上SF映画を作りたくない」と難色を示した。

ルーカスは当時を振り返り、「1950年代は空飛ぶ円盤の噂でもちきりだった。だから完璧だと思った」と説明。一方でスピルバーグは「嫌だ」と反対し、複数の脚本案を経て、「宇宙人ではなく別の次元から来た存在にする」という折衷案にたどり着いたという。

▼「100％納得していなかった」製作陣の本音

共同製作総指揮のキャスリーン・ケネディも、スピルバーグとフォードが本作の方向性に苦悩していたことを認めている。2人は“宇宙人が登場する『インディ・ジョーンズ』”に最後まで完全には納得できず、そのことでルーカスと激しく意見を戦わせたと明かした。

ケネディは、ルーカスのアイデアを採用した判断自体は「おそらく正しかった」としながらも、「スピルバーグが手がけた4作品のなかでは、最も見劣りする作品になってしまった」と回想。その経験があったからこそ、フォードは最新作『インディ・ジョーンズと運命のダイヤル』でシリーズの締めくくりに強い思いを注いだという。

▼賛否を呼んだ『クリスタル・スカルの王国』

2008年公開の『インディ・ジョーンズ／クリスタル・スカルの王国』は、『インディ・ジョーンズ／最後の聖戦』から19年ぶりとなるシリーズ第4作。1957年を舞台に、ハリソン・フォード演じるインディが、テレパシー能力を持つクリスタル・スカルをめぐってソ連のKGBと対峙する姿が描かれた。

劇中では、ロズウェル事件の遺体が保管されたエリア51や、クライマックスで異次元の存在が姿を現す展開など、従来とは異なるSF要素が大きな話題になった。批評家の評価は概ね好意的だったものの、ファンの間では現在もシリーズ屈指の賛否両論作として語り継がれている。

その後、スピルバーグは2023年公開の『インディ・ジョーンズと運命のダイヤル』で監督の座をジェームズ・マンゴールドへ譲ったものの、製作総指揮としてシリーズに関わり続けた。『クリスタル・スカルの王国』をめぐる創作上の葛藤は、インディ最後の冒険へと続く重要な転換点だったのかもしれない。

記事／和田 萌

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▼『ディスクロージャー・デイ』興収が好発進！スピルバーグ作品の新記録に

制作費1億1,500万ドル（約184億円）を投じた『ディスクロージャー・デイ』は、エミリー・ブラントやジョシュ・オコナーが出演するSFスリラー。今回の成績は、制作会社アンブリンにとってもオリジナル作品として歴代最高のスタートとなる。

観客層は35歳以上が59％、男性が57％を占めており、若年層向け作品が強い今夏の市場で存在感を発揮。批評家からも好意的な評価を受けている。

▼低予算ホラー『オブセッション 災愛』が驚異の粘り

一方、公開5週目のホラー映画『オブセッション 災愛』は前週比25％減となる1,900万ドル（約30億4,000万円）を記録し、ランキング2位を維持した。口コミによる人気拡大が続いており、公開初週の1,720万ドル（約27億5,200万円）を、その後4週連続で上回るという異例の興行推移を見せている。

同作は配給元フォーカス・フィーチャーズ史上最大のヒット作となり、北米累計興収は1億8,830万ドル（約301億2,800万円）に到達。海外市場でも好調で、世界累計興収は2億6,580万ドル（約425億2,800万円）に達する見通しだ。

▼『Michael／マイケル』は歴代記録を更新

3位には『最終絶叫計画 令和！』が入り、公開2週目で約1,500万ドル（約24億円）を記録。一方、A24製作の『バックルームズ』は公開3週目も1,120万ドル（約17億9,200万円）を積み上げ、北米累計1億6,000万ドル（約256億円）、世界累計2億6,230万ドル（約419億6,800万円）を突破した。制作費1,000万ドル（約16億円）から考えると、近年屈指のヒット作となっている。

一方、マイケル・ジャクソンの伝記映画『Michael／マイケル』は今週末も北米で460万ドル（約7億3,600万円）を上積みし、世界累計興収で『ボヘミアン・ラプソディ』の9億1,100万ドル（約1,457億6,000万円）を超え、伝記映画史上最高の興行収入記録を更新した。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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▼トム・クルーズ、スピルバーグ作品の“同窓会”が実現

トム・クルーズは現地時間6月13日、自身のSNSに満員の映画館で撮影した写真を投稿。写真には、『宇宙戦争』（2005）で親子役を演じたダコタ・ファニング、『マイノリティ・リポート』（2002）で共演したコリン・ファレル、そしてスピルバーグ監督の胸像が収められていた。

Nothing better than a summer Spielberg movie night in a packed theater with friends!

Steven thank you for all of the hours of joy that you have given us in the cinema!! It has been a great honor and pleasure to have worked with you and to call you my friend.

Congratulations to… pic.twitter.com/QrzGCAVcGp

— Tom Cruise (@TomCruise) June 12, 2026

投稿の中でクルーズは、「満員の映画館で、大切な仲間たちとスピルバーグの映画を観る夏ほど、すばらしいものはない」とコメント。さらに、「これまで映画を通じて数え切れないほどの喜びを与えてくれたスティーヴンに感謝したい。ともに仕事ができたこと、そして友人と呼べることは大きな誇りだ」と綴った。

▼新作『ディスクロージャー・デイ』を絶賛「みんなが夢中になった」

クルーズは投稿の中で、主演を務めるエミリー・ブラントや制作陣にも祝福の言葉を送った。「エミリー、そしてこの作品を作り上げたすべてのアーティストの皆さん、本当におめでとう。すばらしい映画だった。私たちは皆、この作品を心から気に入った」

『ディスクロージャー・デイ』は、地球外生命体との接触と政府による極秘情報をテーマに描くSF超大作。偶然とも運命ともいえる形で結び付けられたキャラクターたちが、人類の未来を左右する謎に迫っていく。

米『ハリウッド・リポーター』のレビューによると、本作は『未知との遭遇』や『E.T.』を想起させる神秘性と、『マイノリティ・リポート』にも通じる社会的テーマを融合させた意欲作だという。壮大なSFスケールの中に人間ドラマを織り込み、スピルバーグ監督の原点と円熟味の双方を感じさせる作品として高く評価されている。

映画『ディスクロージャー・デイ』は、10月1日に全国公開。

記事／和田 萌

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スウィフトは、長年にわたる楽曲制作への思いや、幼い頃から支えてくれた家族への感謝、さらに次世代のソングライターたちへのメッセージを語った。

テイラー・スウィフトがソングライター殿堂入り！23年にわたる家族の支えに感謝

スウィフトは、自身のキャリアを振り返りながら次のように語った。

「23年間の音楽人生を振り返ると、浮き沈みもありました。業界との闘い、数え切れない試練や困難、涙と歓喜、絶え間ない疑念、公正な批判や不当な批判……。プライバシーを失い、世界ツアーを経験し、自尊心と向き合い、運命に翻弄されることもありました」

「この道を歩み始めた時はあまりにも若かったため、自分で選んだ道だということさえ忘れてしまっていました。そんな、魔法のようで混沌としたすべてを思い返しても、楽曲制作は私にとって最も簡単なことでした」

スウィフトは楽曲制作について、「誰かに教わったわけではありません。それは自分にとって本能的なものだったのです」と説明した。

「12歳でギターを手にした時、すべてが一つにつながったように感じました。そして膨大な試行錯誤を重ねながら、学んできました」

また、「楽曲制作を最優先に人生を歩んできたことは、自然な選択でした」と語る一方で、「家族にとっては決して容易なことではなかった」と語り、涙ながらに感謝を伝えた。

「楽曲制作を何よりも優先することは、私にとって簡単な決断でした。でも、両親や弟にとっては、決してそうではなかったはずです。家族は私の夢を支えるためにペンシルベニアを離れ、ナッシュビルへ移住してくれました。世界有数の音楽の街で、私を成長させるためです。家族は私のために生活のすべてを変えてくれました。言葉を扱うことは私の得意分野ですが、皆への感謝を表現できる言葉は見つかりません。今夜ここに立てているのは、あなたたちのおかげです」

式典にスティーヴン・スピルバーグ登場！スウィフトを絶賛

今回の殿堂入りにより、スウィフトは、女性アーティストとして史上最年少でソングライターの殿堂入りを果たした。男女合わせても、スティーヴィー・ワンダーに次ぐ2番目の若さでの殿堂入りとなった。

この式典では、映画監督のスティーヴン・スピルバーグがスウィフトの殿堂入りを紹介した。スピルバーグ作品に魅了されたスウィフト本人が、直接依頼したという。スピルバーグはスピーチで、「彼女は現代を代表するだけでなく、史上最も成功した女性アーティストの一人として歩み続けています」と称賛した。

さらに、「今夜、彼女が書いた『You Belong with Me』と同じような意味で、私たちも彼女の音楽と共にあるのだと改めて分かりました」と語った。

式典の幕開けを飾ったのは、スウィフトが「同世代で最も才能ある若手ソングライターの一人」と称賛するSombr（ソンバー）。「Cardigan」と「Dear John」を披露し、スウィフトの殿堂入りを祝福した。

豪華アーティストが集結した殿堂入りセレモニー

今年の殿堂入りアーティストにはスウィフトのほか、ケニー・ロギンス、アラニス・モリセット、ポール・スタンレー、ジーン・シモンズ、トリッキー・スチュワート、グラハム・ライル、テリー・ブリテン、そしてウォルター・アファナシエフが名を連ねている。

また、過去の殿堂入りアーティストに贈られる「ジョニー・マーサー賞」は、ジョン・フォガティに授与された。

最初に殿堂入りを紹介されたスチュワートのセレモニーでは、タマール・ブラクストンがビヨンセのヒット曲「Single Ladies」を披露。新鋭のアーティストであるカイリー・キャントラルは、リアーナの「Umbrella」を歌い上げた。

フォガティは、幼少期に母親の影響で作詞作曲に魅了されたことや、長年にわたり自身の楽曲の権利を取り戻すために闘ってきた経験を振り返りながら、キャリアを総括するスピーチを行った。

「こんな日が来るとは思っていませんでした。子どもの頃は夢見ていましたが、大人になって経験した暗い時期には、そんな日は来ないと思っていたのです」

その後、幼い頃に初めて覚えた曲だという「おおスザンナ」を披露。さらに、クリーデンス・クリアウォーター・リヴァイヴァルの代表曲「Proud Mary」「Fortunate Son」「Have You Ever Seen the Rain」「Run Through the Jungle」を演奏した。

さらにスタンレーとシモンズのセレモニーでは、ビリー・コーガンがキッスの「Rock and Roll All Nite」と「Shout It Out Loud」をカバーした。

スタンレーはスピーチでこう語った。

「爆発やレーザーなど、キッスを象徴する派手な演出があったとしても、楽曲がなければ何も始まりません。このような偉大な仲間たちと肩を並べ、私たちに影響を与えた人々と同じ場所に立てるとは思ってもいませんでした」

また、ブランディ・カーライルは「『You Oughta Know』に込められた怒りの力に、圧倒されなかった人がいるでしょうか？」と語り、ロック界におけるモリセットの影響力を称賛した。

モリセットは自身のスピーチで、「楽曲制作は趣味でも仕事でもキャリアでもなく、生き延びるための手段でした」と語った。「書くことは、理解を深める助けになります。芸術は、自分自身を外から定義するのではなく、内側から見つけ出す手助けをしてくれるのです」

さらに、モリセットが「Mary Jane」と「You Oughta Know」を力強く歌い上げると、会場はスタンディングオベーションを送った。

スウィフトの直前に表彰されたのは、若手ソングライターを対象とした「ハル・デヴィッド・スターライト賞」を受賞したイギリス出身のシンガーソングライター、レイだ。彼女は最新アルバム『This Music May Contain Hope』に収録されている、ハンス・ジマーとの共作曲「Click Clack Symphony.」を披露した。

スピーチでレイは、ソングライターが持続的に活動できる環境づくりのため、報酬やマスター音源使用料の改善を訴えた。

「曲作りが、経済的に恵まれた人だけに許されたものになってはいけません」というレイの訴えに、会場は大きなスタンディングオベーションに包まれた。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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▼スピルバーグが『007』の監督を志願した過去と拒絶の真相

ポッドキャスト番組『The Rest Is Entertainment』に出演したスピルバーグは、「ボンド映画の監督としてオファーされなかったことへの未練はあるね」と告白。1962年の第1作『007／ドクター・ノオ』を観て以来、ボンド映画の監督を務めることが夢だったというスピルバーグは、シリーズの名プロデューサー、アルバート・“カビー”・ブロッコリに直接電話をかけた。

「カビーに電話して、自分から売り込んだんだ。『もし監督を探しているなら、ぜひ僕に撮らせてほしい』ってね。そしたら彼は『ノー』と言って、それでおしまいさ」と、スピルバーグは当時のあっけない幕切れを振り返る。しかし、巨匠の情熱はこれだけでは終わらなかった。

【動画】007を撮りたかったスピルバーグ、直談判するも撃沈した舞台裏

その後、1977年に『未知との遭遇』を成功させた際にも再びチャンスが訪れた。ブロッコリ側から、1979年公開の『007／ムーンレイカー』の劇中で、『未知との遭遇』を象徴する「5つの音符」のメロディを使用したいと打診があったのだ。スピルバーグはこれを好機と捉え、大胆な交渉に打って出た。

「僕は『取引しよう。ボンド映画を監督させてくれるなら、5つの音符を使っていいよ』と言ったんだ。だけど彼の答えはまたしても『ノー』だった。結局、音符はそのまま使わせてあげたけどね。彼らは一貫して僕を拒絶し続けた。なぜ僕をボンド・ファミリーに入れてくれないのか、理由はついに説明してくれなかったよ」

▼ボンド映画への落選が名作シリーズ誕生のきっかけに

しかし、このボンド映画における挫折が、映画史に残るもう一つの伝説的シリーズを生み出すきっかけとなる。1977年、ハワイで友人ジョージ・ルーカスと過ごしていたスピルバーグは、ブロッコリに断られたエピソードを打ち明けた。するとルーカスは「ボンドよりいい企画がある。インディ・スミスというんだ」と、当時まだ仮タイトルだった新作のプロットを披露したという。

この対話が運命の分かれ道となり、スピルバーグは1981年の『レイダース／失われたアーク《聖櫃》』から計4本の『インディ・ジョーンズ』シリーズを監督することとなった。ボンドへの落選がなければ、あの考古学アクションの傑作は生まれなかったかもしれない。

時は流れ、現代の映画界において確固たる地位を築いたスピルバーグ。もし今、ボンド映画の監督オファーが届いたらどう答えるかと尋ねられると、巨匠は「今の僕の答えはこうさ。『君たちには、僕を雇うだけのお金がないよ』ってね」とユーモアを交えて断言した。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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