本作は、ギリシャ神話の英雄オデュッセウス（演：マット・デイモン）がトロイア戦争後、数々の試練を乗り越えて故郷イタケへ帰還し、妻ペネロペ（演：アン・ハサウェイ）と息子テレマコス（演：トム・ホランド）を救うまでを描く壮大な叙事詩だ。

本作は全編をIMAXカメラで撮影した史上初の長編映画であり、多くの批評家がIMAXで鑑賞し、レビューを投稿している。

『オデュッセイア』最速レビュー！圧倒的スケールと映像美――ノーラン作品に珍しいホラー要素も

多くのレビューで共通して挙がったのが、本作の「圧倒的なスケール」と「映像体験」だ。複数のメディアが、以下のような評価を下している。

• 緊迫感あふれるシーンが満載で、驚異的な叙事詩だ。特に、トロイア戦争の戦闘シーンは息をのむ映像に仕上がっている。
• ノーラン史上最大の作品で、過去作を大きく上回る数の大規模なセットが登場する。これまで見たことのない映像トリックも披露されている。
• 壮大なセットと映像表現がすばらしい。フィナーレへ向け、ノーラン史上最高峰の物語が積み上げられていく。
• 可能ならIMAX 70mmで観るべき作品。圧倒される映画体験だった。

映像だけでなく、物語性やテーマ性を評価する声も多く見られた。

• 「傲慢さの代償と贖罪」を描く物語で、精神的な部分では『オッペンハイマー』（2023年）の後継にあたる。最終幕は、それまでの流れに十分見合う結末だった。
• リーダーシップや人間性を描くドラマとしても優れている。女性たちの視点から映し出される、傷ついた男たちの姿が印象的だ。2回観ても新たな発見があった。

また、これまでのノーラン作品にはあまり見られなかったホラー演出にも注目が集まっている。

• 『メメント』（2000年）以来25年間ノーラン作品を観てきたが、今回は本格的なホラーシーンに驚かされた。
• ホラー要素をこれほど大胆に取り入れていることは、最大の驚きだった。

マット・デイモン、トム・ホランドらの演技も高評価

マット・デイモン、トム・ホランド、アン・ハサウェイをはじめとするキャスト陣の演技も、各媒体から高い評価を受けている。

• マット・デイモン、トム・ホランド、アン・ハサウェイ、ロバート・パティンソン、ルピタ・ニョンゴ、ジョン・レグイザモの演技がすばらしい。キャリア最高の演技を見せた俳優もいる。
• トム・ホランドはキャリア最高の演技を見せている。ヒメーシュ・パテルや、短い出演ながら強烈な印象を残すサマンサ・モートンも必見の演技だ。
• アン・ハサウェイとマット・デイモンもすばらしいが、最も印象に残ったのはロバート・パティンソンだった。
• 豪華キャストが、それぞれ過去最高レベルの演技を披露している。特にサマンサ・モートンの存在感に圧倒された。

『オデュッセイア』は7月17日（金）より北米で公開され、日本では9月11日（金）に公開を迎える。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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『エノーラ・ホームズの事件簿3』米レビューが到着、エノーラに迫る新たな事件

本作で描かれるのは、婚約を控えたエノーラ・ホームズの私生活と事件捜査の同時進行だ。エノーラはシャーロック・ホームズの妹として知られ、かつては未熟な探偵だったが、現在は一流の探偵として成長している。

婚約者テュークスベリー卿（演：ルイス・パートリッジ）との結婚式をマルタで控える中、エノーラの兄シャーロック・ホームズ（演：ヘンリー・カヴィル）が何者かに誘拐される事件が発生。さらに婚約者テュークスベリーの母であるレディ・テュークスベリー（演：ハティ・モラハン）までもが姿を消し、事態は一気に複雑化していく。

エノーラはジョン・ワトソン（演：ヒメーシュ・パテル）と協力しながら事件の真相に迫ることになる。

アクションとユーモアが共存する演出

本作はシリーズ過去作と比較してややダークなトーンを持ちながらも、アクションとユーモアがバランスよく組み込まれている。

序盤では、ウェディングドレス姿のまま馬車の上で銃を構えるエノーラ・ホームズの姿が描かれ、キャラクターの成長と大胆さを印象づける。また、馬上でのチェイスや肉弾戦など、アクションシーンも随所に配置されている。

脚本はジャック・ソーンが担当し、主人公がカメラに直接語りかけるナレーションや、アニメーション的な演出も健在だ。前2作のダイジェストや回想も挿入され、新規視聴者にも配慮された構成となっている。

キャストの存在感とシリーズの安定感

ミリー・ボビー・ブラウンはエノーラ・ホームズ役として、より落ち着いた知性とユーモアを兼ね備えた演技を見せる。シャーロック・ホームズを演じるヘンリー・カヴィルは出番こそ限られるものの、作品全体を支える安定した存在感を示している。

また、エノーラとシャーロックの母ユードリアを演じるヘレナ・ボナム＝カーターも、皮肉交じりの台詞回しで物語に軽妙さを加えている。

ロマンスとテーマ性のバランス

一方で本作には、恋愛描写やスローペースな場面も見られる。エノーラとテュークスベリーの関係を描くロマンティックなシーンは物語のテンポを緩める要素となっている。

ただし、全体を通しては植民地主義に対する視点など、エンタメ作品としてはやや意外性のあるテーマも盛り込まれており、単なる軽快なミステリーにとどまらない側面も持つ。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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※本記事には最終シーズンのいくつかのエピソードのネタバレが含まれます。

第7話「Caramel」——これがフィナーレでなくて何だ

シーズン5の第7話は、ストーラーと脚本家ニコール・コフートが共同執筆し、ストーラー自身が監督を務めた52分のエピソードだ。息をつかせない緊張感のなかに、主要キャラクターたちへの「餞別」ともいえる場面が散りばめられ、料理の映像美も健在。思わず声に出して笑ってしまうシーンすらあった——「コメディ」か「ドラマ」かという終わりなき議論はさておき。

問題はこれが最終話ではないことだ。FXは批評家にシーズン最終話を送付していない。おそらくネタバレ防止のためだが、その不在が筆者を興奮よりも不安な気持ちにさせる。今春のHBO『ハックス（原題：Hacks）』でも、ペヌルティメット（最終回の一つ前）のエピソードが本当の最終回よりも満足度が高かった、という既視感がある。

シーズン5のあらすじ——嵐の一夜

シーズン5はシーズン4のクリフハンガーの翌日から始まる。カーミー（演：ジェレミー・アレン・ホワイト）が店を去りシドニー（演：アイオウ・エディバリー）、リッチー（演：エボン・モス＝バラック）、ナタリー（演：アビー・エリオット）に引き継ぐと宣言した直後——さらにオーナーのアンクル・ジミー（演：オリヴァー・プラット）が店の閉鎖を検討している、という最悪のタイミングから物語は動き出す。

厨房の大型デジタル時計はゼロを示し、店は廃業寸前。そんな夜に限って、シカゴは記録的な大雨に見舞われる。予約システムが機能しなくなり、店の設備は物理的な崩壊の危機にさらされる。マルクス（演：ライオネル・ボイス）は雑誌『Food & Wine』の「最優秀新人シェフ」に選ばれたばかりだというのに、ティナ（演：ライザ・コロン＝ザヤス）らスタッフ全員が職を失う可能性と向き合っている。

この夜のディナーサービスは、全員にとっておそらく最後の晩餐となる——。

リアリズムより様式美へ——最終章の賭け

シーズン全体を貫くのは、過去のシーズンにあったような変則的なスタンドアローン回ではなく、1日1夜の完全連続劇という構成だ。雨の夜という単一の舞台設定に絞り込んだ潔さは評価できる一方で、デジタル処理された豪雨演出や、舞台セットのような様式的インテリアが、本作が誇ってきた「生々しさ」とは少し距離を置いている。

クリストファー・ストーラーはその人工美を明らかに意図的に選択している。レンズフレアや雨粒が作る光の万華鏡、ドア枠の逆光シルエット——映像美はハンス・ジマーがプロデュースしたスコアと相まって、まるでトニー・スコット監督版の厨房ドラマのような高揚感を生み出す。自然主義的なタッチは後退し、代わりに「劇的であること」が前景化する。

その結果、カーミーはより夢想的で陰鬱に、シドニーはより不安定に描かれ、ジェイミー・リー・カーティス演じるドナが乳幼児の面倒を見るという場面は、エネルギーの「極端さ」を体現する装置として機能している。

配管修理が語るもの——これはやっぱりコメディだ

本作がコメディであることの証拠として筆者が長年挙げてきた「Original Berf」Tシャツが今シーズンも登場する。さらに、ニール（演：マティ・マセソン）とテッドのファク兄弟が店の配管トラブルに奔走する複数話にわたるサブプロットも用意されている。純粋なドラマ作品で、配管修理が数エピソードを占めることはまずない。

第8話への期待と不安

第7話「Caramel」がほぼ完璧な最終回として機能する以上、第8話が何を提供するのかは未知数だ。ストーラーはカーミーと自分自身を重ね合わせながら、「レストランの終わり」と「テレビシリーズの終わり」を意図的に並走させてきた。混乱と創造性の関係性、カオスの必要性——そうしたテーマへの答えが最終話で示されるのか、それともすでに第7話で語り尽くされているのか。

答えは、間もなく明らかになる。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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元特殊部隊員と少女の逃亡劇を描く本作は、ステイサムらしい迫力のアクションに加え、これまで以上にドラマ性を重視した一作として注目を集めている。

米『ハリウッド・リポーター』も、「ファンが求めるアクションを備えながら、感情面の厚みも感じさせる作品」と高く評価した。

ジェイソン・ステイサム最新作『シェルター』あらすじ｜元特殊部隊員と少女が繰り広げる逃亡劇

主人公メイソン（演：ジェイソン・ステイサム）は、スコットランド・ヘブリディーズ諸島の孤島にある灯台で暮らす男。

忠実な愛犬だけを相棒に、チェスを楽しみながら静かな日々を送っているが、その正体は元特殊部隊員だ。

かつて違法命令への従属を拒否したことで、上官マナフォート（演：ビル・ナイ）の怒りを買い、命を狙われる身となっていた。

そんな彼の前に現れたのが、補給船で島を訪れる少女ジェシー（演：ボディ・レイ・ブレスナック）だ。

ブレスナックは、映画『ハムネット』への出演でも注目を集める若手俳優。本作では、孤独なメイソンの人生を大きく変える存在となる少女を瑞々しく演じている。

嵐の夜に命を救ったことをきっかけに、メイソンの運命は大きく動き始める。やがて武装コマンド部隊が孤島を急襲し、メイソンはジェシーを守るため命がけの逃亡劇へ身を投じることになる。

解禁された場面写真　ステイサムが少女とともに全力疾走

今回公開された場面写真では、メイソンが鎖とパイプを組み合わせた即席武器を手に戦う姿や、ジェシーを守りながら逃走する緊迫感あふれるシーンが確認できる。

また、元MI6幹部マナフォートを演じるビル・ナイや、新たなMI6長官ロバータ役のナオミ・アッキーの姿も収められており、作品のスケール感を感じさせる内容となっている。

米レビュー高評価「感情面の厚みも感じさせる作品」

米『ハリウッド・リポーター』のレビューでは、本作について「ステイサム作品らしい迫力のアクションに加え、これまで以上にドラマ性を備えた一本」と評価。

特に高く評価されたのが、メイソンと少女ジェシーの関係性だ。

ステイサム作品ではおなじみの迫力あるアクションだけでなく、孤独な男が少女との交流を通じて少しずつ変化していく姿が描かれている点も、本作の特徴として挙げられている。

孤独な人生を送ってきたメイソンが、ジェシーとの交流を通じて少しずつ人間らしさを取り戻していく過程が、本作に温かなドラマ性を与えているという。

レビューでは、「この関係性こそが『シェルター』を単なるアクション映画以上の作品にしている」とも評されている。

『ビーキーパー』や『キャッシュトラック』で見せた無敵のアクションスター像とはひと味違い、本作では少女との交流を通じて変化していく主人公の姿にも焦点が当てられている。ステイサムの新たな一面が見られる作品として、ファンの注目を集めそうだ。

『シェルター』見どころ　ステイサムらしいアクションも健在

もちろん、ジェイソン・ステイサム作品ならではのアクションも健在だ。

ナイトクラブでの銃撃戦や肉弾戦、カーチェイスなど見どころは満載。

海外レビューでは、「『ジョン・ウィック』シリーズのような様式美を追求したアクションとは異なる、より現実味のある緊張感が味わえる」と評価されている。

さらに、敵を力任せに倒すのではなく、頭脳と経験を駆使して窮地を切り抜けるメイソンの戦い方も大きな魅力だ。

ビル・ナイ、ナオミ・アッキーら実力派キャストが集結

本作にはステイサムのほかにも実力派俳優が多数出演。

マナフォート役には『ラブ・アクチュアリー』や『パイレーツ・オブ・カリビアン』シリーズで知られるビル・ナイ。

さらに、『スター・ウォーズ／スカイウォーカーの夜明け』のナオミ・アッキー、英国を代表する名優ハリエット・ウォルターも参加している。

海外レビューでは、こうした英国人キャスト陣が作品全体に品格と奥行きを与えている点も評価されている。

ステイサム自ら監督を指名

監督は『エンド・オブ・ステイツ』や『グリーンランド ―地球最後の2日間―』で知られるリック・ローマン・ウォー。

本作はステイサム自身が脚本に惚れ込み、ウォー監督へ直接オファーしたという。

サバイバル・スリラーを得意とする監督と、アクション界を代表するスターのタッグがどのような化学反応を生み出すのか注目だ。

ジェイソン・ステイサム最新作『シェルター』はこんな人におすすめ

• ジェイソン・ステイサム作品が好き
• 『ビーキーパー』や『キャッシュトラック』が好き
• 『ジョン・ウィック』シリーズのアクションが好き
• 少女と主人公の絆を描くドラマにも惹かれる
• 骨太なサスペンス・スリラーを楽しみたい

ジェイソン・ステイサムらしいアクションの爽快感に加え、人間ドラマの要素も兼ね備えた『シェルター』。その両方を楽しめる作品として、2026年夏の注目アクション映画の一本となりそうだ。

作品紹介

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世界的な視聴数を伸ばす一方で、米メディアのレビューではストーリー構成を巡って賛否の声も上がっている。視聴者を惹きつける圧倒的な人気と、批評家たちの評価が交錯する注目作となっている。

『捜索者の血』Netflix視聴数が2,400万ビュー突破　2026年新作ドラマ最大のスタート

Netflixが発表した視聴データによると、『捜索者の血』は2026年6月18日の配信開始からわずか4日間で世界累計2,400万ビューを記録した。

集計対象となった6月15日〜21日の週間ランキングでは堂々の首位を獲得。2026年に配信されたNetflix新作シリーズとして最高の初週成績となった。

全8話のシリーズは総尺約5時間半ながら、世界全体で1億3,170万時間もの視聴時間を記録。短期間で驚異的な数字を叩き出した。

これまでの2026年Netflix新作シリーズ初週記録は、1月に配信された『彼の真実、彼女の嘘』の1,990万ビューだったが、『捜索者の血』はその数字を大きく上回った。

さらにNetflix英語シリーズ全体でも、今年5番目に高い週間視聴数を記録。上位には『ブリジャートン家』シーズン4や『ストレンジャー・シングス 未知の世界』最終章といった大型タイトルが並んでおり、本作の好スタートが際立っている。

『捜索者の血（原題：I Will Find You）』米レビュー評価　賛否分かれる理由とは

圧倒的な視聴数を記録した一方で、米『ハリウッド・リポーター』のレビューはやや辛口だ。

レビューでは、本作について「ながら視聴も想定された構成の作品」と評し、物語の説明や情報の繰り返しが非常に多い点を指摘。複数の登場人物が同じ手掛かりを追う構成によって、同じ情報が何度も提示されることへの不満が語られている。

また、物語の展開には偶然が重なりすぎる部分や、設定が十分に活用されないまま終わる要素も多く、結末についても「深く考えると論理的な疑問が残る」と評された。

一方で、キャスト陣の演技には高い評価が集まった。

サム・ワーシントンについては、息子を救うために奔走する父親を真摯に演じているとされ、ブリット・ロウアーもシリアスな物語の中に軽妙さを加える存在として好意的に受け止められている。

さらに、FBI捜査官コンビを演じたシャイ・マクブライドとローガン・ブラウニングの掛け合いも高評価を獲得。レビューでは「スピンオフ作品が成立しそうなほど魅力的なコンビ」とまで評されている。

総じてレビューは、「ストーリーには粗さもあるが、豪華キャストと安定した演出によって最後まで楽しめる作品」と結論づけている。

『捜索者の血』あらすじ｜息子殺害の罪を着せられた父の決死の逃亡劇

『捜索者の血』で主演を務めるのは、『アバター』シリーズで知られるサム・ワーシントン。

彼が演じるデヴィッド・バロウズは、幼い息子を殺害した罪で終身刑に服している男だ。しかし本人は一貫して無実を主張している。

ある日、元記者の義妹レイチェル（演：ブリット・ロウアー）が持ち込んだ一枚の写真によって状況は一変する。

そこには、死んだはずの息子によく似た少年の姿が写っていた。

息子が生きている可能性を信じたデヴィッドは、自らの無実を証明し真実を突き止めるため、危険を承知で脱獄を決意。全米を舞台にした壮大な捜索劇へと身を投じていく。

共演にはブリット・ロウアーのほか、シャイ・マクブライド、ローガン・ブラウニング、マイロ・ヴィンティミリア、ジョナサン・タッカーら実力派キャストが名を連ねる。

ハーラン・コーベン原作ドラマのヒットが止まらない

『捜索者の血』は、Netflixが手掛けるハーラン・コーベン原作ドラマとして13作目にあたる。

Netflixはこれまで、ポーランド、スペイン、フランス、アルゼンチンなど各国でコーベン作品を映像化してきた。

なかでも2024年の『偽りの銃弾』は世界的ヒットとなり、配信開始から13週間で9,800万ビューを記録。

さらに2026年1月に配信された『ランナウェイ』も1,270万ビューを獲得し、Netflix世界ランキングTOP10に4週連続でランクインした。

こうした実績から、『捜索者の血』も配信前から有力なヒット候補として注目されていた。

Netflixの2026年最大ヒット候補に

Netflixでは近年、ハーラン・コーベン作品の映像化が安定した成功を収めている。

『捜索者の血』も、家族愛を軸にしたドラマと先の読めないミステリーが支持を集め、配信開始直後から世界中で視聴数を伸ばしている。

批評家の評価は分かれるものの、視聴者の関心の高さは数字が証明している。

わずか4日間で2,400万ビューを突破した『捜索者の血』が、今後どこまで記録を伸ばすのか注目だ。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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ジェームズ・ガンとピーター・サフラン体制下のDCスタジオが送り出す最新作『スーパーガール』。スーパーマンの従妹カーラ・ゾー＝エルを主人公に描く本作は、ミリー・オールコックの存在感やジェイソン・モモア演じるロボが話題となる一方、物語の構成についてはさまざまな意見が上がっている。

『スーパーガール』米レビュー｜ミリー・オールコック版カーラが高評価

DC最新作『スーパーガール』に対する米レビューで特に高く評価されているのが、ミリー・オールコックの演技だ。

ドラマ『ハウス・オブ・ザ・ドラゴン』で注目を集めたオールコックは、本作で傷つきながらも反骨精神を失わないカーラを体現。パンクな魅力と繊細さを兼ね備えたヒロイン像を作り上げている。

劇中のカーラは、故郷クリプトンの崩壊という深い喪失を抱えながら生きている。

スーパーマンことクラーク・ケントとは異なり、故郷の記憶を持ったまま成長した彼女は、より複雑で陰影のある人物として描かれる。

『スーパーガール』に対するレビューでは、オールコックがカーラの孤独や怒り、そして正義感を説得力ある形で表現している点が高く評価されている。

故郷クリプトンを描く回想シーンが作品の見どころ

本作で特に印象的だと評されているのが、クリプトン崩壊前の回想シーンだ。

カーラが両親と過ごした最後の日々や、地球へ送り出される運命を受け入れるまでの葛藤は、本作に確かな感情的厚みをもたらしている。

両親を演じるデヴィッド・クラムホルツとエミリー・ビーチャムの存在感も印象的で、カーラというキャラクターの背景を理解するうえで重要な場面となっている。

また、デヴィッド・コレンスウェット演じるスーパーマンとの短い共演シーンも好評だ。

2人のやり取りからは兄妹のような関係性が感じられ、今後のDCUでさらに描かれることを期待する声もある。

ジェイソン・モモア演じるロボが強烈な存在感

もうひとつの見どころが、ジェイソン・モモア演じるロボだ。

宇宙を股にかける不死身の賞金稼ぎというキャラクターを豪快に演じており、登場時間こそ限られているものの、観客の記憶に残る存在となっている。

葉巻をくわえ、空飛ぶバイクを乗り回す姿は強烈なインパクトを放ち、登場シーンは決して多くないものの、強烈な印象を残すキャラクターとなっている。

一方で、物語には賛否も

ただし、作品全体の評価は手放しの絶賛ではない。

海外レビューでは、ミリー・オールコックやロボの存在感を評価する声がある一方で、物語の推進力やキャラクター描写については、さらなる掘り下げを求める意見も見られた。

本作は2021年のコミック『Supergirl: Woman of Tomorrow』をベースにしているが、物語は復讐を誓う少女ルーシー（イヴ・リドリー）とカーラが銀河を旅するロードムービー形式で進行する。

スーパーガール：ウーマン・オブ・トゥモロー　
完全版（上）

2026年6月26日発売予定

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多彩な惑星や個性的なキャラクターが登場する一方で、ドラマ面の掘り下げや感情描写については「もう少し深く描いてほしかった」と感じる向きもあるようだ。

アクションやVFXについても一定の見応えはあるものの、近年の大型コミック映画と比べると驚きは少ないという評価が見られる。

DCユニバースの未来を占う重要作

昨年公開された『スーパーマン』は全世界で約6億1,900万ドルを記録し、新生DCUの好スタートを印象付けた。

その流れを受け継ぐ『スーパーガール』は、DCユニバースの拡張を担う重要な作品だ。

海外レビューでは映画そのものへの評価が割れているものの、ミリー・オールコックという新たなスターの誕生を予感させる作品であることは間違いない。

カーラ・ゾー＝エルが今後のDCUでどのような存在感を示していくのか。その出発点として注目したい作品である。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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▼2026年上半期映画ベスト10！話題作からアート作品まで集結

巨匠スティーヴン・スピルバーグによる壮大なSFから、新世代監督が放つ鮮烈なホラー、社会問題を鋭くえぐるドキュメンタリーまで――米『ハリウッド・リポーター』の批評家が選んだ至高の10本は、それぞれ異なる個性を放ちながらも、観客に忘れがたい体験をもたらした傑作ばかりだ。

1.『The Currents（英題）』

飽和状態ともいえる「崩壊していく女性」を描く系譜に、新たな視点を持ち込んだのが、スイス・アルゼンチン出身のミラグロス・ムメンタレール監督による本作だ。

舞台はブエノスアイレス。成功を収めた若きファッションデザイナーの揺れ動く内面を、冷徹な美意識と繊細な感情描写を交錯させながら映し出していく。神経を逆撫でするような緊張感に満ちながら、大胆な色彩設計と没入感のある音響演出が観客を包み込む。さらに、主演イザベル・エメ・ゴンザレス＝ソラによる透明感あふれる熱演が作品に圧倒的な説得力を与え、観る者の感情を激しく揺さぶる心理描写へと昇華させた。

2.『ディスクロージャー・デイ』

スティーヴン・スピルバーグ監督が、自身の真骨頂ともいえるSFジャンルへ帰還した注目作。「世界が滅亡へ向かう最中、人類が宇宙生命体の存在を知ったらどうなるのか」という壮大な問いを投げかける。

息をつかせぬチェイスシーンや緻密に構築されたアクションは圧巻だが、本作の本質は人間ドラマにある。極限状態に置かれた人々の葛藤や希望を描く視点こそ、スピルバーグ作品の魅力そのものだ。エミリー・ブラントとジョシュ・オコナーによる魂を削るような演技に加え、悪役として新境地を切り拓いたコリン・ファースの存在感も際立っている。

3.『EPiC／エピック エルヴィス・プレスリー・イン・コンサート』

伝記映画『エルヴィス』から4年。バズ・ラーマン監督は今度はドキュメンタリーという形で、「キング・オブ・ロックンロール」の伝説に新たな光を当てた。

ワーナー・ブラザースのアーカイブから発掘された59時間に及ぶ未公開映像を丹念に修復し、1970年代のコンサートの熱狂を現代へと蘇らせる。その映像体験は、もはや単なる記録映画の域を超えている。プレスリーのファンにとっては究極の祝祭であり、その偉大さを知らない世代にとっては、なぜ彼が世界を魅了したのかを体感できる最高の入門編となった。

4.『I Love Boosters（原題）』

『ホワイト・ボイス』などで知られる異才、ブーツ・ライリー監督が放つ、刺激的な反資本主義風刺劇。キキ・パーマーとデミ・ムーアが主演を務める。

ベイエリアの万引きグループが、思いもよらぬ世界規模の陰謀へ巻き込まれていく物語は、急旋回を繰り返しながら予測不能な方向へ突き進む。奇想天外な展開の中には鋭い社会批評が込められており、絶望を見据えながらも、その先に確かな希望を感じさせる独特の余韻を残す。

5.『リトル・シスター 秘密』

フランス映画界では数多く描かれてきた「性の目覚め」というテーマに、新たな到達点を示した一本。

アフシア・エルジ監督は、パリ郊外に暮らすムスリムの少女がレズビアンとして自我に目覚めていく過程を、鮮烈さと繊細さを両立させた演出で映し出す。新人ナディア・メリティの圧巻の存在感も相まって、エロティシズムと郷愁、切なさが共存するクィア映画の新たな傑作が誕生した。

6.『オブセッション 災愛』

YouTube出身のカリー・バーカー監督による本作は、2026年上半期最大級のサプライズとなったホラー作品だ。

片思いの相手に振り向いてほしいと願った青年の望みが叶ったとき、想像を絶する代償が待ち受けていた――。1902年の古典『猿の手』にも通じるテーマを現代的に再構築している。恐怖演出とジャンプスケア、そしてダークコメディを絶妙なバランスで融合させ、既視感のある題材を驚くほど新鮮な恐怖へと変貌させた。

7.『私たちの土地』

アルゼンチンの名匠ルクレシア・マルテル監督による初の長編ドキュメンタリー。

アルゼンチン北西部で起きた先住民リーダー殺害事件を軸に、差別や搾取、土地の略奪という根深い問題を鋭く見つめる。一方で、広大な自然を捉えた映像は息をのむほど美しく、失われつつある文化だけでなく、人類と自然の関係そのものを問いかける力強い作品となっている。

8.『ポンペイ、雲の下に生きる』

ドキュメンタリー作家ジャンフランコ・ロージが故郷イタリアへ戻り、ヴェスヴィオ火山の麓に暮らす人々の日常を静かに記録した。

ポンペイ遺跡から墓泥棒が掘った地下トンネル、災害への不安を抱える住民たち、そして路上で火を灯す若者たちまで、多面的な視点でこの土地を見つめる。いつ噴火してもおかしくない火山と共存する人々の姿は、「災厄と隣り合わせの人生」を生きることの意味を観客に問いかける。

9.『プロジェクト・ヘイル・メアリー』

『スパイダーバース』シリーズで知られるフィル・ロード＆クリストファー・ミラー監督コンビにとって、実写映画としては12年ぶりの新作。

アンディ・ウィアーの世界的ベストセラー小説を原作に、2つの世界を救う使命を背負った科学教師の冒険を描く。ロード＆ミラーらしい軽妙なユーモアと温かな感情描写は健在だ。作品全体を包む愛らしさは抗いがたく、主演ライアン・ゴズリングの絶妙なコメディセンスも大きな見どころとなっている。

10.『そして彼女たちは』

カンヌ国際映画祭で2度のパルムドールに輝くダルデンヌ兄弟の最新作は、労働者階級の少女たちに寄り添った群像劇だ。

愛とケアを必要とする赤ん坊を抱えながら、自分自身の将来にも向き合わなければならない5人のティーンエイジャーたちの姿を、生々しいリアリズムで描き出す。若手キャストたちの演技には一切の虚飾がなく、不安や怒り、希望といった複雑な感情を真摯に表現。静かな感動を呼ぶ、2026年を代表するヒューマンドラマの一本となった。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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▼2026年上半期ドラマベスト10！批評家が選んだ必見作は？

奇想天外な設定で既存ジャンルを解体する意欲作から、古典文学を鮮烈によみがえらせた重厚な人間ドラマ、そして笑いと涙を巧みに織り交ぜた秀逸なコメディまで――米『ハリウッド・リポーター』の批評家たちが選んだ10本は、テレビドラマという枠組みの可能性を大きく広げる作品ばかり。見逃していた作品があれば、この機会にぜひチェックしてほしい。

1.『Color Theories by Julio Torres（原題）』

ドラマ『ロス・エスプーキーズ』や映画『Problemista（原題）』で知られる異才、フリオ・トレスによるHBOスペシャル。ドクター・スース作品の登場人物を思わせる奇抜なビジュアルと、独特の無表情な語り口で観客を不思議な世界へ誘う。

当初は「共感覚」をテーマにした風変わりなコメディに見えるが、やがて現代社会を支配するシステムや価値観への鋭い考察へと発展。奇妙で愛らしいユーモアの奥に、私たちの世界の不条理を見つめる知性が宿る、唯一無二の作品だ。

2.『欲望のセントルイス』

『パトリオット ～特命諜報員 ジョン・タヴナー～』のスティーヴン・コンラッドが手がけたHBOリミテッドシリーズ。今年最高の“肩透かし”とも言える大胆な構成が話題を呼んだ。

ジェイソン・ベイトマン、デヴィッド・ハーバー、リンダ・カーデリーニという豪華キャストによる殺人ミステリー＆三角関係ドラマとして始まりながら、物語は孤独や男同士の友情、若き日の選択がもたらす後悔を描くヒューマンドラマへと変貌。予想を裏切り続ける展開が強い余韻を残す。

3.『The Fall and Rise of Reggie Dinkins（原題）』

ロバート・カーロックとサム・ミーンズが手がけたNBCの新作コメディ。トレイシー・モーガン、ダニエル・ラドクリフ、エリカ・アレクサンダーによる絶妙なアンサンブルが光る。

失脚したNFLスターとドキュメンタリー監督が再起を目指す姿を描きながら、『30 ROCK／サーティー・ロック』譲りのテンポ感と毒気に温かな人間味を加えた。『アボット エレメンタリー』以降、最高のネットワーク・コメディとの呼び声も高い。

4.『ベルファストから天国に行く方法』

『デリー・ガールズ ～アイルランド青春物語～』のリサ・マッギーによるNetflix最新作。2026年上半期を代表する犯罪コメディとして高い評価を獲得した。

ベルファストからアイルランド・ドニゴールへ向かう葬儀の旅を通して、3人の女性が封印された秘密と向き合うことになる。ロイシン・ギャラガー、シニード・キーナン、キーラン・ダンが織りなす掛け合いは抜群で、笑いとミステリー、そして切ない感情が見事に共存している。

5.『インダストリー』シーズン4

HBOの人気金融ドラマは、第4シーズンでさらに凶暴かつ野心的に進化した。

マイハラ・ヘロルド演じる冷酷な主人公、ケン・レオン演じる有害なメンター、マリサ・アベラ演じる皮肉屋の令嬢たちが、欲望渦巻く金融界へ再び身を投じる。富裕層の倫理観の欠如を描く作品は数あれど、本作ほど激しい熱量と冷徹さを兼ね備えたドラマは稀だ。

6.『LORD OF THE FLIES / 蠅の王』

ウィリアム・ゴールディングの名作小説を、『ダーク・マテリアルズ／黄金の羅針盤』のジャック・ソーンとマーク・ミュンデン監督が再映像化。

無人島に取り残された少年たちが徐々に狂気へと飲み込まれていく姿を、新人キャストたちが圧巻の演技で体現した。美しく撮影された映像とは裏腹に、その内容は容赦なく残酷。『ホワイト・ロータス / 諸事情だらけのリゾートホテル』から風刺を抜き去り、純粋な悪夢だけを残したような衝撃作だ。

7.『‎マーゴのマネートラブル』

シングルマザー、風変わりな家族、そして宇宙人をテーマにした成人向けSNSアカウント――。奇抜な題材を見事な人間ドラマへ昇華させたApple TVのダークコメディ。

エル・ファニングが等身大の主人公をチャーミングに演じ、ミシェル・ファイファーが複雑な存在感を放つ。名プロデューサー、デヴィッド・E・ケリーらしい軽妙さを保ちながら、育児や生活苦といった現実的な問題にも真摯に向き合った秀作だ。

8.『The Other Bennet Sister（原題）』

『ブリジャートン家』人気が続く中、批評家たちが「今年最高のリージェンシー・ドラマ」と称賛したのがBritBoxの本作だ。

『高慢と偏見』で脇役的存在だったメアリー・ベネットを主人公に据え、自分自身の人生を見つめ直す旅を描く。エラ・ブルッコレリの愛らしい演技を中心に、読書、舞踏会、優しい親族、そしてロマンスが詰まった知的で心温まる一作となっている。

9.『Shoresy（原題）』シーズン5

カナダの大人気シットコム『Letterkenny（原題）』のスピンオフとしてスタートしたホッケーコメディは、シーズン5にして驚くべき成熟を遂げた。

下品なギャグ満載のコメディだったシリーズは、いつしか礼節や地域社会への誇り、大切なものを守り続けることの意味を問いかける物語へと進化。『ベター・コール・ソウル』が『ブレイキング・バッド』に対して果たした役割を、この作品は『Letterkenny』に対して実現してみせた。

10.『ウィドウズ・ベイ』

不気味な伝承を楽しむもよし、小さな町のユーモアに浸るもよし。Apple TVが放つ本作は、ホラーとコメディを絶妙に融合させたジャンル横断型ドラマだ。

2023年版『ホーンテッドマンション』の脚本家ケイティ・ディポルドが手がけ、マシュー・リス、スティーヴン・ルート、ケイト・オフリンら実力派キャストが出演。奇妙な霧に包まれた町で繰り広げられる騒動は、どこか懐かしく、それでいて先の読めない魅力に満ちている。既視感に頼らない“本当のオリジナル作品”として、批評家たちの心をつかんだ。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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▼『トイ・ストーリー５』レビュー：ジェシーがついに物語の主役へ

前作でウッディから大切な役目を受け継いだジェシーが、本作ではシリーズの新たな顔として躍動する。持ち前の行動力と優しさを武器に、子どもたちの笑顔のために奔走する姿は、これまで以上に頼もしく映る。

監督・脚本を務めるのは、シリーズの生みの親でもあるアンドリュー・スタントン。第1作から31年を経てなお、『トイ・ストーリー』らしいユーモアと感動を保ちながら、現代ならではのテーマへと視線を広げている。

▼デジタル時代だからこそ響くメッセージ

本作が描くのは、テクノロジーと子どもたちの関係だ。スマートフォンやタブレットが身近な存在となった今、おもちゃたちは自分たちの役割について向き合うことになる。

ただし、作品は決してデジタルそのものを否定しない。新しい時代の楽しみ方を認めながらも、「実際に触れ合い、一緒に遊び、言葉を交わす時間には特別な価値がある」と優しく語りかける。そのバランス感覚こそ、ピクサー作品の真骨頂といえるだろう。

▼ウッディやバズの存在感も健在、世代を超える魅力

ウッディやバズなど、おなじみの仲間たちもそれぞれの形で物語を彩る。長年シリーズを見守ってきたファンにとっては思わず頬が緩む場面が散りばめられ、タブレットの「リリーパッド」ほか新たなキャラクターたちも自然に世界観へ溶け込んでいる。

また、ランディ・ニューマンによる親しみ深い音楽は変わらぬ安心感をもたらし、作品全体を包み込む。懐かしさと新鮮さが共存する演出は、子どもだけでなく大人の心にもまっすぐ届くはずだ。

映画『トイ・ストーリー５』は、7月3日（金）より全国劇場にて公開。

＜『トイ・ストーリー５』作品情報＞

■監督：アンドリュー・スタントン（『トイ・ストーリー』シリーズ、『ファインディング・ニモ』『ファインディング・ドリー』）
■共同監督：ケナ・ハリス ■製作：リンジー・コリンズ
■全米公開日：2026年6月19日 ■原題：Toy Story 5 ■日本公開：2026 年7月3日
■日本版声優：唐沢寿明（ウッディ）、所ジョージ（バズ）、日下由美（ジェシー）、竜星涼（フォーキー）ほか
■配給：ウォルト・ディズニー・ジャパン ©2026 Disney/Pixar. All Rights Reserved.

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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▼『ディスクロージャー・デイ』レビュー：スピルバーグの原点と円熟が融合

近年のスピルバーグ作品の中でも、『ディスクロージャー・デイ』は特に“スピルバーグらしさ”が際立つ作品である。

未知の存在への畏敬や好奇心を描く一方で、情報統制や国家権力といった現代的なテーマにも踏み込み、娯楽性と社会性を高いレベルで両立させている。かつて観客を魅了した冒険心や驚きはそのままに、人生経験を重ねた巨匠ならではの深みが加わった。

壮大なスケールで展開する物語でありながら、中心にあるのはあくまで人間の感情だ。世界規模の危機を描きながらも、登場人物たちの葛藤や選択が丁寧に積み重ねられていく。

▼50年の機密をめぐるサスペンスフルな物語

物語の発端となるのは、半世紀にわたり秘匿されてきたUAP（未確認異常現象）に関する機密情報の存在だ。政府の極秘機関から追われる元技術者ダニエルを演じるのはジョシュ・オコナー。一方、カンザスシティで気象予報士として働くマーガレットをエミリー・ブラントが演じる。

テレビの生放送中、マーガレットが突如口にした不可解な言葉。その意味を理解したのは、逃亡中のダニエルだけだった。接点のない2人がなぜ結び付けられているのか。そして彼らが握る“ある鍵”とは何なのか。ミステリーとサスペンスの要素を巧みに織り込みながら、物語はスピーディーに進行していく。

▼エミリー・ブラントとジョシュ・オコナーが物語を牽引

『ディスクロージャー・デイ』の魅力を支えているのは、実力派キャスト陣の存在だ。

エミリー・ブラントは、説明のつかない現象に翻弄されながらも前へ進もうとするマーガレットを繊細かつ力強く表現。観客が感情移入する中心人物として圧倒的な存在感を放つ。ジョシュ・オコナーは、知性と脆さを併せ持つダニエルを説得力たっぷりに演じ、作品に緊張感と人間味を与えている。

さらにコリン・ファースは、国家的使命を信じて行動する極秘機関の責任者役として重厚な演技を披露。コールマン・ドミンゴやイヴ・ヒューソンも、それぞれの役割に確かな説得力を与えている。

▼圧倒的な映像美と音楽が生む没入感

映像面でも、本作は見応え十分だ。長年スピルバーグ作品を支えてきた撮影監督、ヤヌス・カミンスキーが手がける映像は、神秘性とリアリティーを見事に両立。光と影を巧みに用いた画作りが、作品世界への没入感を高めている。

また、映画界のレジェンド作曲家、ジョン・ウィリアムズの音楽も大きな見どころのひとつ。壮大さと繊細さを兼ね備えた楽曲が、物語の感情を豊かに彩っている。

スケールの大きなSFドラマでありながら、人間の希望やつながりを見つめる視点を失わない『ディスクロージャー・デイ』。スピルバーグ作品を愛する観客はもちろん、本格SFを求める映画ファンにとっても大注目の一本だ。

映画『ディスクロージャー・デイ』は、10月1日に全国公開。

＜『ディスクロージャー・デイ』作品情報＞

■監督：スティーヴン・スピルバーグ ■脚本：デヴィッド・コープ
■原案：スティーヴン・スピルバーグ
■出演：エミリー・ブラント、ジョシュ・オコナー、コリン・ファース、イヴ・ヒューソン、コールマン・ドミンゴ
■製作：クリスティ・マコスコ・クリーガー、スティーヴン・スピルバーグ
■製作総指揮：アダム・ソムナー、クリス・ブリガム
■配給：東宝東和 ■公式サイト：http://disclosureday.jp ■公式X：@universal_eiga

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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実写版『マスターズ・オブ・ユニバース』はファンサービス重視の作品に

トラヴィス・ナイト監督は、本作が持つ原作の荒唐無稽さを十分に理解したうえで、全編にセルフパロディ的なユーモアを散りばめている。4人の脚本家によって構築された物語は、意図的に大げさなユーモアや自己言及的なジョークが連続し、ときにミュージカル・パロディ作品を思わせるほどだ。

そのアプローチは、マテルの玩具シリーズやアニメ版、コミック版を愛してきたファン層には歓迎されるだろう。実際、本作には数多くのイースターエッグやカメオ出演が盛り込まれており、シリーズの歴史を知る観客ほど楽しめる構成になっている。

ニコラス・ガリツィンがヒーマン役に挑戦

主人公プリンス・アダム／ヒーマンを演じるのは、『アイデア・オブ・ユー ～大人の愛が叶うまで～』で人気を集めたニコラス・ガリツィン。大規模フランチャイズ作品の主演として徹底した肉体改造に臨み、伝説のヒーロー像を体現している。

物語は、邪悪なスケルターによって故郷エターニアを追われたアダムが、自らの運命と向き合いながらヒーマンとして覚醒していく王道ファンタジー。成長譚と冒険活劇を組み合わせたストーリーは、シリーズを知らない観客にも分かりやすい構成となっている。

豪華キャストと個性豊かなキャラクターが集結

本作にはイドリス・エルバ、ジャレッド・レト、カミラ・メンデス、アリソン・ブリー、モレーナ・バッカリンら実力派キャストが出演。ヒーマンを支える仲間たちや、スケルター率いるヴィラン陣営まで、多彩なキャラクターがスクリーンを彩る。

特にジャレッド・レト演じるスケルターは、シリーズを代表する悪役として強い存在感を発揮。長年親しまれてきたキャラクターたちが実写で再現されることも、本作の大きな見どころとなっている。

シリーズファン必見の世界観とアクション

トラヴィス・ナイト監督は、原作の持つユーモアや遊び心を残しながら、エターニアの壮大な世界を映像化した。ヒーマンとスケルターの対決を軸に繰り広げられる戦闘シーンはスケール感があり、ダニエル・ペンバートンによる力強い音楽も作品を盛り上げる。

また、本作には歴代シリーズを思わせるイースターエッグやサプライズ要素も数多く盛り込まれている。長年のファンほど発見の楽しみがあり、シリーズへの愛情が感じられる内容だ。

ファンへのサービス精神が色濃い一作

一方で、本作は豊富なキャラクターや設定が登場するため、シリーズ未経験の観客には情報量の多さを感じる場面もある。また、全編に散りばめられたユーモアは好みが分かれるかもしれない。

それでも、『マスターズ・オブ・ユニバース』はヒーマンの世界を愛してきたファンに向けた大規模な実写化作品として、シリーズの魅力を存分に詰め込んだ一本と言えるだろう。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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【動画】最強の戦士＜ヒーマン＞覚醒──　故郷のため宿敵スケルターとの死闘が幕を開ける！　映画『マスターズ・オブ・ユニバース』＜予告＞6月5日（金）全国の映画館で公開

もともとはアクション・フィギュアから始まった！

実はこのヒーマン、そして“マスターズ・オブ・ユニバース”は40年以上にもわたって愛されてきた人気ヒーロー物なのです。アメコミ物？たしかにそういう面はありますが、トランスフォーマー、G.I.ジョー、そしてバービー同様、おもちゃが原作の映画なのです。

もともと、マスターズ・オブ・ユニバース（以下、MOTU）は、1982年に発売されたアクション・フィギュア（人形）でした。発売元はマテル社。そうバービー人形で有名なマテルです。マテルはバービーで女子向け玩具市場を席巻していましたが、男子向け玩具市場でも大ヒットをとばしたいと考えます。

ちょうどその時、ライバル会社であるケナー社（後にハズブロ社に買収）が『スター・ウォーズ』のアクション・フィギュアを大ヒットさせていました。マテルはこれに対抗すべくSFドラマ『宇宙空母ギャラクティカ』（『スター・ウォーズ』の影響を受けて製作された宇宙物）、映画『タイタンの戦い』（ギリシア神話をベースとしたファンタジー）、アニメ版『フラッシュ・ゴードン』（スター・ウォーズに影響を与えたとされるクラシックなSF冒険物）等のアクション・フィギュアを展開します。

しかし、こうした版権物より自社オリジナルのヒーロー物で勝負したいと考えるようになりました。マテルは主なターゲットとして5歳ぐらいの男児を設定。徹底的にリサーチしたところ、この世代の子どもたちは“強さ・獰猛さ・超人的なパワー”に憧れることがわかりました。そこでこうした願望を投影しやすいヒロイック・ファンタジー、いわゆる剣と魔法の世界を舞台にしたおもちゃシリーズの開発に着手します。そうしてMOTUが生まれたのです。

当初はTorakという、有史以前を舞台にした戦士物も候補の一つだったようです。これがMOTUにブラッシュアップされるわけです。おそらくおもちゃを売るという視点に立つと、やはり乗り物（メカ、ビークル）とかもラインナップに入れたくなる。そう考えるとSF的な要素も必要と考えたのではないでしょうか？

コミック、アニメとの相乗効果で人気“変身”ヒーローに

しかし、このシリーズはベースとなる原作が存在しません。そこでマテルはこのおもちゃに、キャラクターたちのバックグラウンドを語るコミック・ブックをおまけにつけました。最初はマテル独自製作のコミック・ブックでしたが、途中からDCコミックスが製作にかかわります。

DCコミックスはスーパーマン、バットマンを手掛けるヒーロー・コミックの老舗です。さらにマテルは、より子どもたちが夢中になれるようにTVアニメ・シリーズをスタートさせます。それが1983年から放送開始となった『ヒーマンとマスターズ・オブ・ユニバース（He-Man and the Masters of the Universe）』です。このアニメを手掛けたのはフィルメーションというスタジオ。ここはスーパーマンやバットマンのヒーローアニメも手掛けていたのでヒーロー物は得意だったのでしょう。今回、映画『マスターズ・オブ・ユニバース』を絶賛する米メディアの論評の中に「土曜の朝の楽しさを思い出せてくれる」というのがありますが、当時こういうアニメは土曜日の朝の定番子ども向けプログラムであり、ヒーマンもその中の一つだったわけです。

というわけでMOTUの戦略であるフィギュア×コミック×TVアニメはいまでいうメディア・ミックスの先駆けでした。このパターンは他社にも刺激を与えます。ほぼ同時期にG.I.ジョーが、そして1984年にはトランスフォーマーがやはり、おもちゃ×コミック×アニメという展開を仕掛けてきます。（この両ブランドは共にハズブロ社のコンテンツ）。

MOTUにとってこのコミックとアニメの展開は単にブランドの知名度をあげただけではなく、キャラクター設定が深堀されより魅力的な物語へと進化させることにも成功しました。その最たるものが「魔法の剣によって、ちょっとのんびり屋さんのアダム王子がマッチョな戦士ヒーマンになる」という設定であり、そのかけ声である「I HAVE THE POWER!（力は我にあり！）」もここから生まれます。つまり変身ヒーロー物の要素をつけ加えたのです。

男の子にとって一瞬にしてたくましい男になる、というのは根本的な願望の一つです。キャプテン・アメリカは超人血清によって華奢な男性が一瞬にしてマッチョになります。シャザムも魔法の言葉で少年がムキムキの大人になります。こうしたカタルシスに通じるものがあったのでしょう。ヒーマンという名前もHE-MANとつづり、「彼」であり「男」ですから、男の中の男みたいなニュアンスなんでしょうね。主人公の相棒バトルキャットもおとなしい大猫が、魔法の剣で鎧で武装した虎＝バトルキャットに変身するという設定になりました。

ここでトリビアですが、当初ヒーマンのフィギュアを出した際、彼が乗るメカの生産が間に合わなかったそうです。そこでMOTU前にマテルが展開していたBIG JIMという冒険ヒーロー物の人形シリーズの中にたまたま虎のフィギュアがあり、その金型を利用して、ヒーマンが乗る虎＝バトルキャットを作ったそうです。

伝説のドルフ・ラングレン版映画『マスターズ／超空の覇者』

さて、アニメ等を機にMOTUは大ブレイク。アダム王子の双子の妹シー・ラを主人公にしたアニメも作られました。コミックも一時マーベルやダークホースから展開されたこともあります。玩具店ではフィギュアやプレイセットがずらっと並びます。なお日本では『魔界伝説ヒーマンの闘い』の名で発売されたこともあります。

筆者がMOTU人気を実感したのは1989年の映画『ゴーストバスターズ2』を観た時でした。映画の冒頭で子どもたちがヒーマンの方がかっこいいとゴーストバスターズをバカにするシーンがあります。MOTUを語る上で忘れてはならないのは1987年（日本では1989年）に公開された映画版です。邦題は『マスターズ／超空の覇者』。主人公のヒーマン役をドルフ・ラングレンが演じていました。

ただし、アダム王子から変身するシーンはなく、最初からヒーマンとして登場します。また主人公の相棒であるバトルキャットは出てきません。ヒーマンたちが地球に転送され、アメリカの若者たちと冒険を繰り広げます。エターニアのシーンは少なかったですが楽しい映画でした。『スター・ウォーズ』に関わっていた特殊視覚効果の大御所リチャード・エドランドが参加しており、プロデューサーのエドワード・R・プレスマンはアーノルド・シュワルツェネッガーのヒロイック・ファンタジー『コナン・ザ・グレート』『コナン・ザ・デストロイヤー』を手掛けています。

また、ドルフ・ラングレンは1985年の『ロッキー4／炎の友情』のドラコ役で注目され、シルヴェスター・スタローン、シュワルツェネガーの次を担うとされたタフガイです。従って『スター・ウォーズ』×マッチョ系活劇を狙って作られたのでしょう。

この作品で感心したのは、地球の若者がヒーマンたちの戦いに巻き込まれるという設定です。MOTUのフィギュアの世界観だけで映画を作ると、エターニアだけで物語が完結してしまいます。つまり完全な異世界ファンタジー物になる。それはそれで「あり」でしょうが、やはり映画をより多くの人に受け入れられるものにするために（要はMOTUのおもちゃやアニメに親しんでこなかった人たちをこの世界に誘うために）、地球とエターニアの接点、地球人視点が必要だったのです。

アメリカではその後も人気は続き、何度かアニメ化され、ゲームやライブショーにもなり、最近ではNetflixで新アニメ・シリーズも配信されています。そして昨今のアメコミ・ヒーロー映画ブームやトランスフォーマー映画も根強い人気があることから、再び実写映画化を望む声が出てきます。そうして生まれたのが今回の『マスターズ・オブ・ユニバース』です。

“I HAVE THE POWER!（力は我にあり！）”と叫びたくなる快作！

本作では『マスターズ／超空の覇者』で試みた地球との接点という着眼点をさらに発展させて、アダム王子がエターニアから地球に逃れて暮らしているというお話にしました。しかも地球世界では、ちょっと浮いているというかヘタレな男。より観客がシンパシーを感じる主人公にしました。このあたり例えばマーベル・シネマティック・ユニバース（MCU）の『マイティ・ソー』や、昨年話題になったDC映画『スーパーマン』と似ていますよね。どちらも主人公が地球に流され、そこでの経験を経てヒーローとして覚醒します。そう、MOTUの最初の映画化である『マスターズ／超空の覇者』はヒーマンのタフさ、ヒーローらしさにフォーカスしていました。ここに登場する主人公は最初からヒーマンとして完成しているヒーローです。

しかし、『マスターズ・オブ・ユニバース』はどちらかというとヒーマンではなくアダムの物語なのです。「ヒーローとして完成」ではなく、いかに「ヒーローとして覚醒」するかという物語なのです。そして本作はバトル・アクション物として楽しませてくれる一方、マッチョで好戦的という“男らしさ”に対し、疑問を投げかける内容になっています。それは映画『バービー』が“世間から押し付けられる女性らしさ”に問題提起したのと通じるものがあります。

本作の監督トラヴィス・ナイトはこれまたおもちゃが原作のトランスフォーマー映画の一つ『バンブルビー』の監督です。『バンブルビー』は一人の少女とバンブルビーの心のふれあいがとてもよく描かれていてエキサイティングなアクションとエモーショナルなドラマ部分の融合が見事でした。本作もそれこそおもちゃ箱をひっくりかえしたようなワクワクするような冒険活劇であると同時に、アダム王子の成長がハートウォーミングに描かれています。

ネタバレになるから詳しいことは書けませんが、この映画は今までのMOTUへのオマージュや小ネタがいっぱいです。MOTUファンならニヤリとします。しかし、そんなことは知らなくても楽しめるスーパー・エンタテインメントです。特に主人公役のニコラス・ガリツィンが素敵です。最近では『ひつじ探偵団』で重要人物エリオットを演じていた彼です。これを機に大ブレイクするでしょう。

まさに「I HAVE THE POWER!（力は我にあり！）」、観る者に力を与えてくれる映画です。

▼『マスターズ・オブ・ユニバース』作品情報

監督：トラヴィス・ナイト
脚本：クリス・バトラー
出演：ニコラス・ガリツィン、カミラ・メンデス、ジャレッド・レト、イドリス・エルバ ほか
公開日：2026年6月5日（金）、全国の映画館にて公開

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▼『黒牢城』海外レビュー：Jホラー界の巨匠が挑む戦国ミステリー

黒沢清監督は海外では“Jホラーの巨匠”として知られている。『CURE』『回路』『LOFT ロフト』など、不穏な空気と視覚的恐怖を融合させた作品群によって国際的評価を確立した存在だ。

しかし近年は、『クリーピー 偽りの隣人』の心理スリラー、『散歩する侵略者』のSF、『Cloud クラウド』の社会派サスペンスなど、ジャンルを横断するフィルモグラフィーを築いている。

そんな黒沢監督が『黒牢城』で新たに挑んだのが、“戦国時代劇×密室ミステリー”というジャンルだ。

物語の中心となるのは、織田信長に反旗を翻した戦国武将・荒木村重。本木雅弘が演じる村重は、一般的な時代劇で描かれるような豪胆な武将ではなく、知性と理性を重んじる人物として描かれる。

■“言葉”で戦う時代劇という大胆な発想

『黒牢城』最大の特徴は、戦国時代を舞台にしながら、暴力描写を極端なまでに抑制している点にある。

城内で不可解な事件が発生し、村重はその真相解明に奔走する。しかし彼は、武力ではなく推理によって事態を解決しようとする。協力者となるのが、牢に囚われた黒田官兵衛（演：菅田将暉）だ。

官兵衛は、まるで探偵小説の名探偵のように膨大な書状を読み解き、事件の裏側を分析していく。構図としては、アガサ・クリスティ作品を思わせるクラシカルな“安楽椅子探偵”に近い。

戦国時代劇でありながら、刀ではなく“会話”が緊張感を生み出す。その演出こそ、本作の最大の挑戦と言えるだろう。

■反戦映画としての側面も

『黒牢城』には、明確な反戦的テーマも流れている。村重が信長に背いた理由は、その苛烈な暴力性への嫌悪にある。劇中では、残虐行為を命じられる村重の葛藤も描かれ、武士道的価値観そのものに疑問を投げかけていく。

黒沢監督は、従来の時代劇が持っていた“戦うことの美学”を解体しようとしている。そのため、本作を“チャンバラ映画”として期待すると肩透かしを受けるかもしれない。アクションは最小限で、血生臭さもほとんど排除されている。

だが、その静けさこそが『黒牢城』の本質でもある。閉ざされた城内で交わされる言葉の応酬が、戦そのものの虚しさを際立たせていく。

■繰り返される構造が生む演劇性

物語は4つのエピソードで構成され、それぞれ異なる事件が描かれる。そこではある展開パターンが意図的なほど反復されるが、黒沢監督はこの構造によって独特の演劇的リズムを生み出している。

派手な展開ではなく、“言葉を交わす時間”そのものに重みを持たせる演出は、近年のエンタメ大作とは対極にあるアプローチだ。

結果として『黒牢城』は、戦国時代劇でありながら、極めて現代的な作品に仕上がっている。武力ではなく対話を選ぶ主人公の姿は、混迷する現代社会にも静かな問いを投げかけている。

映画『黒牢城』は、6月19日公開。

＜『黒牢城』作品情報＞

■監督・脚本：黒沢清
■原作：米澤穂信『黒牢城』（角川文庫／KADOKAWA刊）■音楽：半野喜弘
■出演：本木雅弘、菅田将暉、吉高由里子、青木崇高、宮舘涼太、柄本佑、オダギリジョーほか
■上映時間： 2時間27分 ©米澤穂信/KADOKAWA ©2026映画「黒牢城」製作委員会

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。編集／和田 萌

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幻に終わったティム・バートン監督版『スーパーマン』から約30年、さらに『ザ・フラッシュ』（2023年）でのカメオ出演から3年を経て、ニコラス・ケイジが、ついに本格的なスーパーヒーロー作品の主演を務めることになった。

本記事では、米『ハリウッド・リポーター』による『スパイダー・ノワール』レビューをお届けする。

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スパイダーマン×ハードボイルド！ニコラス・ケイジ主演『スパイダー・ノワール』誕生

全8話で構成される『スパイダー・ノワール』は、ニコラス・ケイジの近年のテレビ出演作の中でも、特に存在感のある一本となっている。

ただし、全体としては好みが分かれそうな仕上がりだ。シーズン1には続編を示唆する余地が残されているが、インパクトのあるクリフハンガーにはなっていない。一方で、100分前後の映画として再構成すれば、より引き締まった作品になったのではないかと思われる。

『スパイダー・ノワール』には魅力的なキャストが揃っており、演技面でも見どころが多い。特にケイジは、後半に進むにつれ独特の個性をより前面に押し出していき、その存在感が際立っていく。ただ、全8話の中にはややテンポにばらつきを感じる部分もあり、もう少しコンパクトにまとめても良かったかもしれない。

オーレン・ウジエルがテレビシリーズとして企画した『スパイダー・ノワール』は、クラシックな探偵ドラマへのオマージュ色が強い。実際、本作は“スパイダー・ハードボイルド”と呼びたくなるような雰囲気だ。「蜘蛛の糸を操る探偵」というユニークな設定はあるものの、物語自体は比較的オーソドックスな展開をたどっていく。

ケイジが演じるのは、大恐慌下のニューヨークで私立探偵として暮らすベン・ライリー。第一次世界大戦の記憶と、愛する女性を失った悲しみを抱えながら生きている。彼は、献身的なアシスタントのジャネット（演：カレン・ロドリゲス）に満足な給料も払えないほど困窮している。

そんなベンは、戦時中のある出来事をきっかけに、スパイダーマンの能力を得ていた。かつては自警ヒーロー「ザ・スパイダー」として人々から親しまれていたが、現在はフェドーラ帽とトレンチコートを身にまとい、探偵業に身を置いている。スパイダーマンの能力も、ドアをノックしようとする人の存在を察知する程度に留まっている。

ある依頼の最中、ベンは自分と似た能力を持つ若者と遭遇する。さらに別件では、犯罪組織のボス、シルバーメイン（演：ブレンダン・グリーソン）と関係を持つナイトクラブ歌手キャット・ハーディ（演：リー・ジュン・リー）と知り合う。シルバーメインは、市長（演：マイケル・コストロフ）と対立を深める危険なギャングだ。

やがてベン、ジャネット、そして記者でありベンの友人でもあるロビー（演：ラモーン・モリス）は、シルバーメインとその右腕フリント・マルコ（演：ジャック・ヒューストン）、さらにはキャットを巡る陰謀へと巻き込まれていく。そして、再び「ザ・スパイダー」が必要とされることになる。

“ニコラス・ケイジ節”が炸裂！往年のノワール映画をオマージュ

作中でベンは、市長について「あいつが共和党なのか民主党なのか、未だによくわからない」と口にする。このセリフは、腐敗した現在の米政治を皮肉っているようにも聞こえる。一方で、『スパイダー・ノワール』の世界観描写がやや曖昧に終わっていることも感じさせる。

『スパイダーマン：スパイダーバース』（2018年）のファンなら気づいたかもしれないが、本作は並行世界を舞台にしている（Amazonは両作に直接的なつながりはないと説明している）。ただ、『スパイダー・ノワール』の世界観は比較的シンプルだ。

実際、20世紀初頭のマンハッタンという設定をより深く活かしたドラマを期待する視聴者には、やや物足りなく感じる部分もあるかもしれない。

作品を通して強く印象に残るのは、やはりケイジの存在感だろう。一方で、黒人ジャーナリストのロビーや、アジア系女性であるキャットといったキャラクター設定については、時代背景との関連が強調されているわけではない。全体としては、雨に濡れた路地やトレンチコート、フェドーラ帽といった、ノワール映画に特有のビジュアルを重視している印象が強い。

本作でケイジが見せた演技は魅力的だが、賛否が分かれるかもしれない。前半では抑え気味の演技を見せているが、第5話あたりから一気に“ニコラス・ケイジらしさ”が全開になる。ハンフリー・ボガート、ジェームズ・キャグニー、エドワード・G・ロビンソンを思わせる古典的スター像を独自にミックスしながら、徐々にスパイダーマンの高い身体性も加わっていく。

特に、第7話の酔った状態での格闘シーンは、まさに“ケイジ節”全開だ。この大胆な変化は好みが分かれるかもしれないが、作品後半に勢いを与えていることは間違いない。

前半では、ロビーとジャネットは親しみやすいキャラクターとして描かれ、モリスとロドリゲスが安定感のある演技を見せている。また、シルバーメインは存在感こそ抜群だが、キャラクターとしての掘り下げは比較的シンプルにとどまっている。彼の重厚な風貌はモノクロ映像と非常によく合っているだけに、さらに見せ場が欲しかったと思わせる。

脚本の面では、一部のキャラクターの描写をもっと掘り下げてほしい印象だ。キャットは非常に魅力的に映し出されているが、人物像そのものはミステリアスなままに終わる。マルコも同様で、ヒューストンは苦悩を抱えた男を熱演しているものの、その背景の説明は控えめだ。

その一方で、助演陣には印象的な存在も多かった。エイブラハム・ポプーラ演じるロニー・リンカーンの威圧感や、アンドリュー・ルイス・コールドウェル演じるダーク・レイドンの大仰な芝居は、作品に独特の味わいを加えている。

“モノクロ”と“カラー”を選ぶ映像体験――硬派な映像美が際立つ

本作の大きな特徴は、「モノクロ版」と「カラー版」の両方で配信される点だ。ダラン・ティアナンとピーター・デミングによるモノクロ撮影は、非常に印象的である。ただ、撮影監督や演出陣が、ノワール映画へのオマージュとしてモノクロ版を撮影したのであれば、カラー版にはやや方向性の違いも感じられる。

反対に、最初からカラー映像が前提で撮影された場合、単純なグレースケール処理だけで“ノワール映画の質感”を再現するのは難しい。モノクロとカラーの両立を目指したことで、結果として、どちらにも振り切れていない印象が残る。

筆者は全8話をモノクロ版で視聴した。暗い路地、漂う煙、キャットがステージに立つ場面の光の演出など、ビジュアルには明確な意図を感じた。『マルタの鷹』（1941年）や『上海から来た女』（1947年）を思わせる構図も多く、後半のアクションシーンや回想シーン、幻覚の描写などは特に美しい。

一方、カラー版ではCG表現がより目立ち、場面によっては映像の統一感に欠ける印象も受けた。ただし、パイロット版でロビーが着ているこげ茶色のスーツなどは、カラー映像の方がより映えていた。

結論として、『スパイダー・ノワール』はモノクロ版での視聴をおすすめしたい。KIRBYによる007風楽曲「Saving Grace」に乗せたオープニングクレジットとも相性が良い。

『スパイダー・ノワール』のユニークかつコミカルなスタイルは、本作が“楽しめるエンターテインメント”であることを思い出させてくれる。実際、随所に魅力的な瞬間がある作品だ。ただ、その面白さが本格的に表れてくるのはシリーズの後半である。ぜひそこまで辛抱強く視聴を続けてほしい。

『スパイダー・ノワール』は、プライムビデオにて5月27日（水）より独占配信開始。

▼Amazonプライムビデオでは、プライム会員なら1万作品以上の人気映画やテレビ番組が見放題、さらに新作映画や最新ドラマなどを1作品からオンラインでレンタル、または購入することが可能！

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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