▼ホラー映画が映す業界の変化…映画祭はハリウッドへの登竜門に

映画祭には、政治的なメッセージに敏感な映画学生や活動家、「自分こそ次のヨルゴス・ランティモスになれる」と信じるような観客が集まる。ハリウッドで成功したい監督にとって、彼らの支持を得ることも重要な課題なのだ。

かつて映画学校は、技術を学び、スカウトに才能を見いだしてもらう場所だった。しかし今、新人監督が映画界で成功するには、自作を携えて映画祭をめぐり、そこで発見される必要がある。無名の映画作家も『マッドマックス』のような大人気シリーズの最新作と注目度を競い、俳優出身の監督たちも有名人の人脈を生かして参入する。

代理人やスタジオ幹部はNBAのスカウトさながらに客席に陣取り、次の有望株を見定める。「ネポ・ベビー（親の七光りで成功した人物）」が政治的なメッセージを巧みに打ち出せばマーベル映画の監督に抜てきされ、失敗すれば再びゴム製スーツを着る側へと逆戻りだ。

▼ホラー映画が芸術として祭り上げられる理由

こうして映画祭は、芸術と商業が融合した奇妙な市場と化した。片隅には余命わずかな祖母を描く静かな日本映画がひっそりと置かれる一方、会場の中央では、その年で最も観客を悲鳴させたホラー映画が注目を集める。

ホラーやB級ジャンル映画が映画祭で上映されること自体に問題はない。映画界に不足していたユーモアや遊び心を取り戻してくれるし、映画は楽しむためのものでもある。

問題は、映画祭の自己満足的な政治談議とホラー映画への熱狂が結びつくことだ。観客が残虐な描写に歓声を上げる一方、映画関係者はその表現に高尚な政治的意味を与えようと躍起になる。上映後の質疑応答では、娯楽作品が社会問題や権力構造を読み解く題材へと変わり、監督は道徳的な正しさを証明しようとする人々に囲まれる。

『サブスタンス』のようなボディホラーは、こうして「史上最高の映画」のひとつとして祭り上げられる。映画祭は左派政治を称賛しているというより、グロテスクな描写を政治的な言葉で包み込んでいるにすぎない。スクリーンで首が切り落とされると歓声を上げた観客が、その場面はいかに植民地主義を批判しているかとSNSに投稿する。そんな光景が繰り広げられるのだ。

もっとも、理由は単純かもしれない。ホラー映画は売れるのである。

▼インディペンデント映画を取り巻く厳しい市場

現在、インディペンデント映画市場は供給過剰で、配給会社が作品を安く買い叩ける買い手優位の状況にある。国際的なテレビ市場の縮小も、ストリーミング事業者の力を強めた。彼らは自社の「オリジナル作品」には潤沢な予算を投じる一方、外部作品の買い付けでは低い金額を提示する。

その結果、映画製作者や出資者は投資回収の道筋を描きにくくなっている。ストリーミング事業者が安価にコンテンツを確保する一方、製作のリスクは映画製作者や出資者が負う。この仕組みが持続可能とは思えない。映画製作に資金を注ぎ込む投資家が、いつまでも現れ続けると高をくくっているのだろう。

こうした状況で大きな権力を握るのが、映画祭のプログラマー、つまり上映作品の選定委員だ。彼らは事実上、小規模な映画スタジオの最高経営責任者（CEO）に等しい。

映画祭は作品を純粋な芸術的価値に基づいて選ぶという建前を守る。しかし、その権威は配給会社にとっても都合がいい。「公式選出作品」という肩書きがあれば、安く買い付けた映画にも箔がつき、観客に正規の入場料を払わせられるからだ。

▼高額な買収合戦が映し出す矛盾

映画祭の翌朝、業界紙の見出しを飾るのは、深夜上映のホラー映画をめぐる買収合戦であることが多い。サンダンス映画祭ではNetflixが『ワッツ・インサイド』に1,700万ドル（約26億円）を支払い、翌年にはNEONが『トゥギャザー』に同額を投じた。トロント国際映画祭でもフォーカス・フィーチャーズが『オブセッション 災愛』を1,500万ドル（約23億円）で買収し、映画祭史上最高額を記録したとされる。

バイヤーたちは、暗闇の劇場で観客を最も大きく叫ばせた作品に、巨額の資金を投じている。こうした取引はインディペンデント映画製作にとって歓迎すべき成功だが、少なくともサンダンス映画祭の創設者ロバート・レッドフォードが思い描いた理念とは程遠い。彼はフランスの映画批評誌『カイエ・デュ・シネマ』のような映画芸術の聖堂を夢見ていた。ところが、目を覚ますとホラー専門誌『ファンゴリア』がギフトショップを仕切っていた――そんな皮肉な状況なのだ。

環境問題、有害な男らしさ、企業ファシズム。映画祭が観客に真剣に考えるよう求めてきたテーマは数多い。しかし、実際に商業的価値を高めることに成功したのは、皮肉にも「斬首」だった。斬殺、目つぶし、憑依された男が自分の脳みそをぶちまける場面。かつてティーンエイジャーがレンタルDVDで楽しんでいたようなB級娯楽作が、今や映画祭で最も高値のつく商品になっている。

ハリウッドの商業主義から映画を守るために生まれた映画祭。しかし、その行き着いた先は、血まみれの内臓をタキシードに詰め込み、映画祭の権威を象徴する月桂冠のステッカーを貼り付けることだった。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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▼『クレイジー・リッチ！』ドラマ化決定！キャスト陣も再集結

『クレイジー・リッチ！』のドラマ化は、スカイダンス傘下となった新生HBOによる大型プロジェクトであり、撮影は2027年から開始予定。ドラマにはコンスタンス・ウーをはじめ、ヘンリー・ゴールディング、ロニー・チェン、ミシェル・ヨーら主要キャスト陣が同役で復帰する。

【動画】8年越しの『クレイジー・リッチ！』続編！ドラマ版始動

脚本のアデル・リムがショーランナーを務め、ジョン・M・チュウ監督や原作者のケヴィン・クワンも制作総指揮に名を連ねる。リムは「まさにファミリーの同窓会。全8話で本の世界観を深く掘り下げる」と意気込みを語る。

▼世界を熱狂させた大ヒット作の次章に高まる期待

今回の決定は、スカイダンスによるパラマウントとワーナー・ブラザース・ディスカバリーの統合完了直後に発表された。両社の配信サービスを合わせた世界加入者数は約2億人に達する。スカイダンスのケイシー・ブロイスCCOは「歴史を創ったチームが次章に命を吹き込んでくれることに胸が高鳴る」と期待を寄せる。

世界興収約2億4000万ドル（約379億円）を叩き出した前作の続編に対し、チュウ監督は「8年間聞かれ続けた『続編はいつ？』にようやく答えられる」と喜びのコメント。プロデューサー陣も「映画のラストの続きを描くシリーズのために再集結できて最高だ」と自信をのぞかせた。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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プロデューサーを務めるのは、『トランスフォーマー』シリーズなどで知られるヒットメーカーのロレンツォ・ディ・ボナヴェンチュラだ。原作権を持つCD PROJEKT REDとタッグを組み、巨大都市「ナイトシティ」を舞台にした壮大な作品づくりに挑む。

▼『サイバーパンク2077』映画化を率いるメガスタジオと名手

原作となる『サイバーパンク2077』は、累計売上4,000万本を突破したモンスタータイトル。テクノロジーの暴走と身体改造が日常化したディストピアで、傭兵たちが生き残りをかけて戦う泥臭くも洗練された世界観が世界中のファンを魅了してきた。

Paramount Pictures is developing a live-action Cyberpunk 2077 movie with Lorenzo di Bonaventura on board to produce. Bonaventura is best known for producing the Transformers and G.I. Joe films. https://t.co/Ara4TLONBz https://t.co/fi7cbxtAjE

— IGN (@IGN) October 8, 2026

ゲーム版では、キアヌ・リーブスが伝説のロックバンド「SAMURAI」のヴォーカル、ジョニー・シルバーハンド役として出演したことでも話題を呼んだ。「永生のカギを握るインプラント」をめぐる手に汗握るシナリオと強烈なキャラクター描写は、映画化への期待を否応なく高めている。

▼巨大都市ナイトシティとゲームIP映像化の加速

本シリーズの波及力はゲーム本編にとどまらない。イドリス・エルバ出演の拡張パック『仮初めの自由』が1,500万本以上のヒットを記録したほか、日本のアニメ制作会社・トリガーが手がけたアニメ『サイバーパンク エッジランナーズ』も世界的な旋風を巻き起こした。

今ハリウッドでは、HBOドラマ『THE LAST OF US』の世界的成功を足がかりに、ゲームIPの映像化ラッシュが最高潮を迎えている。優れた物語と強固なファンベースを持つゲーム作品は、映画界の新たな金脈となっている。過激で華美なナイトシティが実写でどう立ち現れるのか、続報から目が離せない。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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トム・クルーズが演じるのは、莫大な財産と権力を持つ石油王ディガー・ロックウェル。自らが引き起こしてしまった環境災害を前に、世界を救おうと奔走する一方、その危機をどう世論に伝え、どう自分の責任から逃れるのかにも頭を巡らせる。

気候危機、政治、メディア、そして人々が物語をどう受け止めるのか――。イニャリトゥ監督らしい大胆な発想と、トム・クルーズの振り切った演技が融合した、スケールの大きな作品に仕上がっている。

『DIGGER／ディガー』、トム・クルーズが傲慢な石油王に

トム・クルーズが演じるディガー・ロックウェルは、世界でも指折りの権力を持つ石油王だ。カウボーイハットやボロタイを身につけ、巨大な邸宅で暮らす彼は、何事にも自信満々。自分の判断こそが正しいと信じて疑わない人物として登場する。

そんなディガーを突然、巨大な環境危機が襲う。

グリーンランドの石油採掘施設で異変が発生し、氷に亀裂が生じる。やがて巨大な氷の塊が分離し、ヨーロッパへ向かって移動を始める。衝突すれば大規模な災害につながる可能性があり、世界は未曾有の危機に直面する。

しかも、その原因をたどれば、ディガー自身が進めてきた石油採掘に行き着く。

それでも彼は、ただ責任を認めるだけの人物ではない。自分が世界を救う存在であることを証明しようと奔走し、危機を前にしても「どうすれば自分にとって最も有利な状況を作れるか」を考え続ける。

「人類を救う英雄」と「危機を生み出した張本人」という相反する顔を持つディガー。この矛盾こそが、本作のユーモアと皮肉を生み出している。

気候危機を大胆に風刺

『DIGGER／ディガー』がユニークなのは、気候変動という非常に深刻なテーマを、真正面からシリアスに描くのではなく、極端なキャラクターと状況を使って風刺している点だ。

ディガーのもとには、ジョン・グッドマン演じるコンプソン大統領ら政府関係者が集まり、迫り来る危機への対応を話し合う。

しかし、そこでも議論の中心になるのは、純粋に「どうすれば人々を救えるのか」という問題だけではない。

誰が責任を取るのか。世間には何を伝えるのか。そして、どんな「物語」を作れば人々を納得させられるのか。

危機そのものと同時に、「危機をどう語るか」が重要になっていく。

この視点が、『DIGGER／ディガー』を単なる環境災害映画とは違う作品にしている。

トム・クルーズの振り切った演技が楽しい

本作で特に目を引くのが、トム・クルーズの演技だ。

これまで数々の大作で身体を張ったアクションを見せてきたクルーズだが、『Digger』ではそのスター性を別の方向へと解放している。

ディガーは、声を張り上げ、周囲に指示を飛ばし、自信満々に自らの正しさを語る。カウボーイブーツやテンガロンハット、ボロタイという装いも相まって、現実離れしたほど大げさなキャラクターとして映る。

しかし、その誇張された人物像が、本作の風刺性とよく噛み合っている。

特に印象的なのが、ディガーが国際社会に向けて演説する場面だ。

石油に依存してきたのは自分だけではない――。

そんな理屈を堂々と突きつけながら、世界の矛盾を逆に問い返していく。自ら環境危機を引き起こした人物でありながら、同時に「石油なしで現代社会は成り立つのか」という問題を突きつけるところに、ディガーというキャラクターの面白さがある。

そしてクルーズは、ディガーの大げさな言動だけでなく、物語が進むにつれて別の表情も見せていく。

派手な演技の奥にある、より人間的な部分が顔を出すことで、キャラクターに意外な奥行きが生まれている。

リズ・アーメッドら豪華キャストが集結

本作には、トム・クルーズを取り囲むように実力派俳優が集結している。

リズ・アーメッドは、ディガーに現実を突きつける科学者ガネシュを演じる。危機の深刻さを理解しながらも、周囲の権力者たちに事実を伝えようとする人物だ。

ジョン・グッドマンはコンプソン大統領、サンドラ・ヒュラーはディガーの妹エマ、マイケル・スタールバーグは副大統領、ジェシー・プレモンスはケニー、エマ・ダーシーはディガーのアシスタント、リナを演じている。

それぞれ個性的なキャラクターが配置されているが、物語の中心にいるのはあくまでディガー。

だからこそ、豪華キャストを相手にトム・クルーズがどこまでキャラクターを膨らませるのかにも注目したい。

『DIGGER／ディガー』を彩るイニャリトゥらしい壮大な映像

『DIGGER／ディガー』の魅力は、物語やキャラクターだけではない。

撮影監督を務めるのは、イニャリトゥ監督と『バードマン あるいは（無知がもたらす予期せぬ奇跡）』『レヴェナント：蘇えりし者』でもタッグを組んだエマニュエル・ルベツキ。

さらに本作はVistaVisionで全編撮影されており、巨大なスクリーンで見ることを意識したスケール感のある映像が展開する。

そこに、プロダクションデザイナーのデニス・ガスナーらによる大がかりな美術が加わる。

ディガーの豪邸をはじめ、政府関係者が集まる空間、そして巨大な氷の世界まで、どの場面も現実そのものというより、少しだけ現実からズレたような感覚を持っている。

その過剰さが、作品の風刺性をさらに強めている。

『DIGGER／ディガー』が描く気候危機と「物語」の力

本作が興味深いのは、単純に「石油は悪い」「環境を守るべきだ」というメッセージだけで終わらないところだ。

人々は危機そのものだけでなく、その危機について語られる「物語」によって現実を理解する。

誰が悪いのか。誰を信じるのか。誰が世界を救うのか。

そうした問いが、ディガーを中心に次々と浮かび上がってくる。

そして物語が進むにつれ、『DIGGER／ディガー』そのものについても新たな見方を促されるような展開が待っている。

そのため、作品後半についてはできるだけ情報を入れずに観るのがおすすめだ。

イニャリトゥ監督は、2014年の『バードマン あるいは（無知がもたらす予期せぬ奇跡）』でも、映画や演劇そのものを題材にしながら、現実と虚構の境界を揺さぶった。

『DIGGER／ディガー』でも、その「物語をどう見せるのか」という意識が随所に感じられる。

『DIGGER／ディガー』は、あえて「大きく」描く映画

『DIGGER／ディガー』は、気候危機という巨大な問題を、同じくらい巨大なスケールで描こうとする作品だ。

トム・クルーズ演じる石油王は極端で、政治家たちのやり取りも大げさ。映像も美術も壮大で、ユーモアもかなり大胆だ。

そのため、繊細なリアリズムを期待すると、少し違った印象を受けるかもしれない。

しかし、そもそもイニャリトゥ監督は、物事を小さくまとめるタイプの映画作家ではない。

『バードマン』では演劇と人生を、『レヴェナント：蘇えりし者』では極限状態に置かれた人間を、圧倒的な映像スケールで描いてきた。

『DIGGER／ディガー』もまた、その延長線上にある。

気候危機という現代的な問題を、風刺、ブラックコメディ、社会ドラマ、そして大作映画としてのスペクタクルを組み合わせて描く。

その「大きさ」こそが本作の個性だ。

作品冒頭に流れるIMAXのカウントダウンには、「映画を観るか、その一部になるか」というメッセージが表示される。

まさに『DIGGER／ディガー』は、観客を静かに傍観させるのではなく、その過剰な世界へと巻き込もうとする映画なのだ。

トム・クルーズとイニャリトゥという異色の組み合わせから生まれた『DIGGER／ディガー』。

気候危機という重いテーマを、これほど大げさで、奇抜で、スター映画らしいエンターテインメントへと変換した作品は、そう多くない。

その大胆さと振り切った演出こそ、本作を劇場で体験する面白さのひとつだろう。

『DIGGER／ディガー』は10月9日（金）より全国の劇場で公開される。

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『バードマン あるいは（無知がもたらす予期せぬ奇跡）』（2014）と『レヴェナント：蘇えりし者』（2015）で、アカデミー賞監督賞を2年連続で受賞したイニャリトゥ監督と、数々の大作映画で世界的スターとして活躍してきたトム・クルーズ。2人がタッグを組む『DIGGER／ディガー』は、クルーズにとって新たな挑戦となる作品だ。

クルーズは昨年、映画界への長年の功績をたたえられ、アカデミー名誉賞を受賞。授賞式ではイニャリトゥ監督がプレゼンターを務めたことも話題となった。さらに、『トップガン』シリーズ第3作の制作も進行しており、キャリア45年を迎えたトム・クルーズの新たな一作として『DIGGER／ディガー』に注目が集まっている。

トム・クルーズ＆イニャリトゥ監督、『DIGGER／ディガー』でMAPPAを訪問

今回、MAPPA EXPOを訪れた2人は、まず『呪術廻戦』の展示エリアへ。原画を目にしたクルーズは「本当に素晴らしいです。楽しみにしていました」とコメント。イニャリトゥ監督も「息子がMAPPAの作品の大ファンなんです」と明かした。

原画を前に、クルーズは「このスタイルに、この髪……そしてフレーミング……」と細部を観察。イニャリトゥ監督も「それにこのアングル」と続けるなど、映画監督と俳優という立場を離れ、クリエイターとしてアニメーション表現を興味深く見つめた。

平松にはクルーズから「手作業はどれくらいですか？」との質問も。紙と鉛筆を使ったアニメーション制作について説明を受けると、イニャリトゥ監督は「1話を作るのに関わるスタッフの人数は？」と質問。さらにクルーズは、若いアニメーターの制作環境について「若いアニメーターは今も手書きなんでしょうか？　それともデジタルが多いのでしょうか」と尋ねた。

平松が、若い世代ではデジタルが多い一方、紙から始めることも重要だと説明すると、クルーズは「同感です。よりアーティスト性を感じますね」と応じた。さらに「それは録音も同じで、アーティストの声が残りますよね」と、表現者としての共通点を指摘した。

トム・クルーズ、『DIGGER／ディガー』の制作秘話を平松禎史と語る

続いて3人が向かったのは、劇場版『チェンソーマン レゼ篇』の展示エリア。世界的な人気を誇る同作の象徴的なキャラクター、チェンソーマンのオブジェを背に、平松とのクリエイター対談が行われた。

平松は『DIGGER／ディガー』を鑑賞した感想として、「実は1度観させていただいて、面白いだけじゃなくて、ディテールがとても深いと感じ、もう一度観させてくださいとお願いして、2度観ました」と明かした。

さらに「カメラ、色彩、音楽と効果音。それからトムさんの演技も素晴らしくて、映画じゃないと観られないという気持ちになりました」と作品を絶賛。

これに対しクルーズは、本作の映像について「現場のセットで細部までこだわり抜いて撮影した映像を大スクリーンで観ると、その“フレームの奥行き”によって、まるで3D映像かと思うほどの凄まじい立体感が生まれる」と説明。

さらに、イニャリトゥ監督が音楽と効果音の制作に1年を費やしたことを明かし、「驚くことに効果音は、実際に動物の鳴き声を使った」と語った。

イニャリトゥ監督は平松の感想について「平松さんの感受性があるから私たちが何を描きたいのか理解してくださって、報われました」とコメント。本作の撮影についても、「撮影前に全てコンセプトを固めました」と明かした。

本作ではスタジオに3つの壁を設置し、本編で使用するカメラとレンズを持ち込んで撮影。それを絵コンテのように使用し、そこから照明を作り上げていったという。

イニャリトゥ監督、『DIGGER／ディガー』は「アニメーションと似ている」

イニャリトゥ監督は、本作の制作方法について「アニメーションと似ていると思います」と語った。

「アニメーションは、キャラクターデザインだけじゃなく、道や家など、その背後にある世界観を作り上げる必要がありますよね。本作は、屋外では一切撮影を行っていません。この映画の世界に出てくる全ては、キャラクターたちの文脈を表現するものでなければいけない、そうやって作り上げました」

「全てのシーン、全てのコマを、アニメーションと同じように作り上げていきました」

平松から、これまでのトム・クルーズのイメージとは異なる主人公ディガー・ロックウェルを演じたことについて聞かれると、クルーズは「本作は最も独創的な映画だと思います。このようなキャラクターは映画史上、見たことがありません」と回答。

「だからイニャリトゥ監督と一緒に作ることができて、このキャラクターを演じることができて光栄でした」と語った。

トム・クルーズ、『DIGGER／ディガー』の描き下ろしイラストに感激

対談の最後には、平松が『DIGGER／ディガー』から受けた刺激をもとに手作業で描き下ろした、ディガー・ロックウェルのイラストを2人にサプライズで贈呈。

クルーズは「平松さんが描かれたんですか？」と驚きながらイラストを受け取り、平松と固い握手を交わした。イニャリトゥ監督も「ありがとう」と日本語で感謝を伝えた。

イラストに添えられた「There is TRUTH within a LIE（ウソの中にホンモノがある）」というメッセージを目にすると、2人は「これこそが、この映画のテーマなんです」と顔を見合わせた。

イニャリトゥ監督は本作について「若い世代にこそ、特に観て欲しいです。リアリティの見方を、ミスリードされないように、分かって欲しいんです」と語った。

対談後も2人は会場内を巡り、『進撃の巨人 The Final Season』の世界を映像と立体美術で表現した「地鳴らし」の展示などを鑑賞。作品ごとに異なる表現や、アニメーションの世界を現実空間に立ち上げた展示を細部まで熱心に見て回った。

日本のアニメーションが持つ独自の表現と、MAPPAのものづくりに触れたクルーズは、最後に展示の感想を聞かれると「I love it！」と笑顔で会場を後にした。

『ミッション：インポッシブル』シリーズをはじめ、長年にわたり世界中の観客を魅了してきたトム・クルーズが、イニャリトゥ監督との初タッグとなる『DIGGER／ディガー』で、これまでとは異なる主人公ディガー・ロックウェルを演じている。

映画とアニメーション、それぞれの第一線で作品を生み出してきたクリエイターたちが交流した今回のMAPPA EXPO訪問は、トム・クルーズとイニャリトゥ監督が挑む『DIGGER／ディガー』の独創性と、ジャンルを越えたものづくりの可能性を感じさせる機会となった。

『DIGGER／ディガー』作品情報

原題： DIGGER
監督： アレハンドロ・G・イニャリトゥ
出演： トム・クルーズ
公開： 2026年10月9日（金）

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▼柳楽優弥主演、映画『RYUJI 竜二』完成披露試写会を開催

映画『RYUJI 竜二』は、1983年に公開され、伝説のやくざ映画といわれ根強い人気を誇る『竜二』を43年ぶりにリメイクした作品。やくざの幹部・花城竜二が妻子のために足を洗い束の間の平穏な暮らしを手に入れるが、義兄弟の存在などから元の世界への未練を断ち切れず苦悩する姿を描く。

柳楽がオファーを受けたのは約7年前。「29歳だったので、その時はできなかったと改めて思う。前作は時代に作られた奇跡的な作品だったので、監督やプロデューサーと話し合いを重ね、今この時代に参加する意義を見つけられる時間になった」と振り返った。

水田監督は7年前に既に脚本があったことを明かし、「その後、3パターン作った。現代に置き換えたもの、地方都市を舞台にしたもの、韓国人の脚本に書いてもらったもの、その都度面白いが、元の時代感があるからこその『竜二』だという結論に至った」と説明。その上で、「柳楽くんと、今の時代に世に出てどう受け取ってもらうべきかを考えられて有意義だった」と語った。

▼キャストが語る、43年ぶりリメイクへの思い

柳楽の弟分を演じた萩原は「普段は連絡をくれない、43年前に見た方から連絡をいただいて、長く愛されている作品だとより実感した」、同じ役どころのJUNONも「父や祖父が知っていて、出ることに驚いていた。映画好きの友人からは『凄いじゃん』と言われた」と、オリジナルの影響力を感じていた。

三宅は柳楽の兄貴分で薬物中毒という設定に、「当然、薬物をやったことはなく映画やドラマでしか見たことがなかったので、依存されていた元薬物の売人で今は弁護士の方にいろいろと話を聞いた」と苦笑。柳楽との共演には「10代から連れ添った仲なので、2人で長く過ごした時間がにじむようになったらいいなと思い、向き合って芝居をした」と話した。

川栄は柳楽と4度目の共演で、夫婦役も2度目。「私は、柳楽さんが出る作品には全部出ると決めているほど、絶大な信頼があります。近くでお芝居ができてうれしかった」と笑顔をはじけさせた。

柳楽は改めて前作について、「竜二は、バブル前で時代のスピードに追い付けない、乗り切れないと感じた」と感想。そして、「今はAI革命など変化の真っただ中ですけれど、ひたむきに自分を見失わず模索する姿が見られます。岐路に立っている方の背中を押せる作品になったと思う」と自信のほどをアピールした。

映画『RYUJI 竜二』は、10月30日に全国で公開される。

取材/記事：The Hollywood Reporter Japan 特派員 鈴木元

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2人は10月6日のオープニングにも出席し、レッドカーペットを歩いた。横浜は「本当に熱気に包まれていて、皆さんの映画愛を肌で感じましたし、何より温かく迎えてくださってうれしかったです」と感激。藤井監督も「映画を愛している人たちが集まっていて、それを祝福しているような感じで凄く幸せな体験でした」と振り返った。

この日の上映は屋内のCinema 1と野外ステージで実施し、それぞれ400人、2,500人を超える観客が詰めかけた。共に上映後の舞台挨拶に登壇した2人は、「アンニョンハセヨ（こんにちは）」と韓国語で挨拶すると、会場は温かい拍手に包まれた。

瀬戸内海の島で出会った櫂（演：横浜流星）と暁海（演：広瀬すず）が、運命に翻ろうされながらも互いの思いを貫く15年を描く、凪良ゆうの同名小説の映画化。藤井監督は「凄く特別な思いで作ったと思います。高校生から30代になるまでの15年間というビジュアルを、メイクや撮り方までこだわりましたし、彼らが生きた瀬戸内と東京という場所の対比を作りたいと思って。映画の製作に携わってきたこの20年間の経験と技術の全てをこの作品に出し切りたいと思いました」と明かした。

横浜流星、『汝、星のごとく』で48キロまで減量した壮絶な役づくりを告白

小説を読んで映画化を熱望した横浜も、「誰よりもあの世界観を壊さないようにという気持ちを一番大切にしていました」と撮影を回想。15年の歳月を演じるに当たり、高校時代の62キロから、病に侵され最終的には48キロに減量する壮絶な役づくりをしたが、「決して自分1人の力ではなく、たくさんの方々の力添えがあって15年を生きることができました。携わった皆さまに非常に感謝しております」と語った。

しかし、「撮影中に監督から一度だけ怒られたことがありました」と告白。「櫂は多くの荒波にもまれて、凄く変化をしていく人物。最終的にはあまりにも体重を落としすぎて意識がもうろうとしてしまい、藤井監督の演出が一切理解できなかったことがありまして…反省しております」と自嘲し、会場を沸かせた。

上映後、横浜は「本当に短い時間だったんですが、皆さんの熱量に包まれて映画愛を肌で感じることができました。藤井監督と参加できたことに本当に大きな意味があると思いますし、一人でも多くの方に届いてほしいと思います。我々が込めた想いがしっかりと皆さまの心に届いたと感じられて、自信になりました」と笑顔。藤井監督も、「映画祭が持つ熱気を非常に感じて、映画を作って良かったなと思いました。また、こういう場所に戻ってこられるように頑張りたい」と意欲を新たにしていた。

映画『汝、星のごとく』は、10月9日に全国で公開される。

記事：The Hollywood Reporter Japan 特派員 鈴木元

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神経科学者メアリー＝フランシス・オコナー博士とMasterClassで対談したヘンリー王子は、母ダイアナ元妃の死後、長年にわたって抱えてきた悲嘆を振り返りながら、現在は妻メーガン妃や2人の子どもたちとの時間、そして自身の仕事から大きな喜びを得ていると明かした。

ヘンリー王子を支えるのは「家族と仕事」

ヘンリー王子にとって現在、大きな支えになっているのは家族だという。

特に子どもたちと一緒に過ごす時間から得られる「エネルギー」や「喜び」、「幸せ」が、自身にとって大きな意味を持っていると語った。

仕事についても、ただ忙しくするためのものではない。母ダイアナ元妃が示した姿勢を受け継ぐような活動に携わることで、自分自身の人生の目的を見いだしているという。

「父親であること」「夫であること」「仕事をすること」。さまざまな役割を一つの人生のなかでどうバランスさせるかが、現在のヘンリー王子にとって重要なテーマになっている。

「妻と子どもたちと10日以上離れない」

家族との距離を保つことも、自身のバランスを保つうえで重要だという。

ヘンリー王子は、仕事で家族と離れる期間について「妻と子どもたちと10日以上離れない」ことを、自分にとっての一つの目安としていると明かした。

仕事にエネルギーを注ぐことと、夫、父親として家族と過ごすこと。その両方を大切にすることが、現在の自分にとっての「喜びと幸せ」のバランスにつながっている。

「すべてのことを、母が誇りに思ってくれたら」

母ダイアナ元妃への思いは、現在もヘンリー王子の人生に影響を与え続けている。

「自分がすること、エネルギーを注ぐことすべてについて、母が誇りに思ってくれたらと願っている」と語った。

幼い頃に突然母を失った経験は、ヘンリー王子の人生から消えることはない。しかし、その記憶や悲しみを抱えながら、自分自身の家族を築き、仕事を通して誰かの役に立とうとしている。

今回のMasterClassでは、それを「回復力（resilience）」という言葉で捉えている。

12歳の自分に伝えたい「きっと大丈夫」

対談の終盤、ヘンリー王子は「もし過去に戻って、若い頃の自分と会えるなら」という問いについて語った。

答えはシンプルだった。12歳の自分を抱きしめて、「きっと大丈夫だ」と伝えたいという。

母を失った直後の12歳の少年には、悲しみをどう処理すればいいのか、誰かに教えてもらうための道筋がなかった。

だからこそ、現在のヘンリー王子は、過去の自分を責めるのではなく、その少年に寄り添うような言葉を選んだ。

「悲嘆と向き合う」とは、過去を忘れることではない。

失った人への思いを抱えながら、自分自身の人生をどう生きていくのか。

ヘンリー王子にとって、その答えの一つが、妻や子どもたちとの現在の生活であり、自身が意味を感じる仕事なのかもしれない。

ダイアナ元妃の死から約30年。母を失った12歳の少年だったヘンリー王子は、今、自分自身の家族を持つ父親となった。

その人生の歩みそのものが、今回のMasterClassで語られた「回復力」というテーマにつながっている。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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ヘンリー王子はオンライン教育プラットフォーム「MasterClass」の新講座「Redefining Grief: Building Resilience Through Loss（原題）」で、神経科学者メアリー＝フランシス・オコナー博士と対談。母ダイアナ元妃を亡くした後、悲嘆から気をそらすかのように軍務に身を投じたことや、後に心身の不調に直面した経験を明かした。

ヘンリー王子、パニック発作を告白──20歳で英国陸軍へ

ヘンリー王子は20歳で英国陸軍に入隊。自身にとって軍務は、「完璧な気晴らし」だったと振り返る。

目の前の任務に集中している間は、ほかのことを考える必要がなかった。極限状態のなかで、自分が想像していなかったことまでできるようになったといい、当時のアドレナリンに満ちた状態を「スーパーパワー」のように感じていたという。

アフガニスタンには2度派遣された。しかし、2013年に2度目の任務を終えて帰国すると、状況は変わった。「もう次の任務がなかった」ことで、それまで抱えていたものが一気に押し寄せてきたという。

「アフガニスタンだけが原因ではなかった」

ヘンリー王子は、帰国後に経験した心的外傷後のストレスについて、アフガニスタンでの経験そのものだけが原因だったわけではないと説明する。

戦場で目にしたものや経験したことが、むしろ過去に抱えていた別のトラウマを呼び起こす「引き金」になったと感じたという。

つまり、戦場で新たに生まれたものだけではなく、長い間自分の内側に蓄積されていたものが表面化した。

母ダイアナ元妃の死を含め、処理されないまま残っていた悲嘆が、別の経験と結びついて現れたのだった。

シャツの襟を締めるだけで「息ができない」

症状は、日常の何気ない瞬間にも現れるようになった。ヘンリー王子は、シャツを着るというごく普通の行為を例に挙げる。襟元が締まる感覚が、文字通り「息ができない」ように感じられたという。

さらに、仕事へ向かう車の中でパニック発作を起こすこともあった。その頃になって初めて、「これはもっと大きな問題がある。ほかに調べるべきことがある」と気づいたと語る。

公務でも「汗をかくのが怖かった」

パニック発作は、王族としての公務にも影響を及ぼした。公の場に出ること自体が、最初から最後まで「絶対的なパニック」を引き起こしていたという。

車から降りること、待ち構えるカメラ、誰に話しかければいいのか、何を言えばいいのか。そして、自分の状態を周囲に気づかれるのではないか――。

なかでも大きな不安だったのが、「汗をかくこと」だった。乱れたように見える自分を人々に見られ、それが何なのかを短い言葉で説明できないことが怖かったという。「まるでボクシングの試合を終えたばかりのように感じた」と、当時の状態を振り返った。

カナダ移住後、アドレナリンが切れて「何もできなくなった」

ヘンリー王子が本格的に自分の状態と向き合ったのは、2019年末だった。妻のメーガン妃、長男アーチーとともにカナダへ移り、環境から距離を置いて考える時間を持った。

そこで、それまでとは異なる感覚を経験する。ストレスの多い環境から離れたことで、それまで身体を満たしていたアドレナリンが急激に下がったように感じたという。

「家の中で何もできない」と感じ、約2週間にわたってうつ状態になったことも明かした。

「アドレナリンがなければ機能できない」と感じるほどだったという。

今回のMasterClassでヘンリー王子が語ったのは、悲嘆が単に心の問題にとどまらず、身体や日常生活にも影響を及ぼし得ることを、自身の経験を通して語った。

母の死をきっかけに抱えた悲しみを、軍務という強烈な刺激によって押し込めようとした。

しかし、任務が終わったとき、それまで抑えていたものが別の形で現れた。

ヘンリー王子は、その経験を振り返りながら、悲嘆から逃げるのではなく、自分の内側にあるものと向き合うことの重要性を語っている。

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※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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オンライン教育プラットフォーム「MasterClass」で公開された新たな講座「Redefining Grief: Building Resilience Through Loss（原題）」で、神経科学者のメアリー＝フランシス・オコナー博士と対談。悲嘆が脳や身体に及ぼす影響について語るなか、自身が12歳で母を亡くしてから、長い間その悲しみに向き合えなかったことを振り返った。

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母ダイアナ元妃の死を知らされた12歳のヘンリー王子、涙を流せなかった

ダイアナ元妃が亡くなったのは1997年8月31日。36歳だった母を失った当時、ヘンリー王子は12歳だった。

今回の講座の冒頭で、ヘンリー王子は「母が亡くなったと知らされたときには泣かなかった。葬儀のときに泣いたが、その後、約20年近くは再び泣かなかった」と告白。

当時は、それを「強さ」だと思っていたという。

しかし現在の自分から振り返れば、それは強さではなく、「崩れ落ちることを許されず、どう癒やせばいいのかという道筋もなかった12歳の少年だった」と語る。

悲嘆は必ずしも「悲しそうな姿」になるとは限らない。ヘンリー王子は、悲しみが麻痺や気晴らしという形で現れることもあると説明し、「元気？」と聞かれた際に長年「元気だよ」と答えてきたことも、その一つだったと振り返った。

ダイアナ元妃の死から5日後、兄ウィリアム皇太子と人々の前へ

母の死からわずか5日後、ヘンリー王子は兄ウィリアム皇太子とともに、ケンジントン宮殿の前に花を手向けに集まった人々のもとを訪れた。

そこには、ダイアナ元妃の死を悲しむ大勢の人々がいた。

ヘンリー王子は当時を振り返り、自分と兄が「人々の悲しみを母に届ける仲介者」のような立場になっていたと感じたという。

母を直接知らない人々が涙を流す一方で、自分は同じように感情を表に出すことができなかった。

「母のために泣いている、母に会ったこともない人たちと同じ感情を示せないことに、罪悪感さえ覚えた」と振り返る。

葬儀で初めて涙、そのとき「泣くのは気持ちがいい」と感じた

ヘンリー王子が再び涙を流したのは、ダイアナ元妃の葬儀だった。

その瞬間、「泣くことは実際、とても気持ちがいい」と感じたという。

しかし、母が本当に亡くなったことを受け入れるには、さらに長い時間が必要だった。

葬儀の時でさえ、ヘンリー王子は母が亡くなったとは信じたくなかった。母が自分の人生を壊していたものから逃れるために、あえて「姿を消した」のではないか、いつか別の姿で戻ってきて、自分と兄を連れ去ってくれるのではないか――そんな思いを抱いていたと語っている。

悲嘆とは、単純に「大切な人が亡くなったことを悲しむ」だけではない。

今回の対談でヘンリー王子が語ったのは、喪失を理解し、受け入れ、そして自分の人生のなかに位置づけ直していくまでの長いプロセスだった。

「悲しみは過去に置いていけるものではない」

ヘンリー王子は、2023年に出版した回顧録『スペア』でも、ダイアナ元妃の死と自身の人生について深く語っている。

今回のMasterClassでは、そこで明かした経験を改めて振り返りながら、「処理されていない悲嘆は過去にとどまるものではない」という趣旨の思いを語った。

母の死をきっかけに生まれた悲しみは、時間が経てば自然に消えていくものではなかった。

だからこそ、今回の講座では「悲嘆をなくす」のではなく、悲嘆を抱えながら、どのように前へ進んでいくのかが大きなテーマとなっている。

ダイアナ元妃を失った12歳の少年から、現在は2人の子どもを持つ父親となったヘンリー王子へ。その歩みは、悲嘆と向き合い続けてきた年月でもある。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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『ブリジャートン家』ヴァイオレットの若き日を描く前日譚

新シリーズは現在タイトル未定。ヴァイオレット（旧姓レジャー）の若き日と、後に夫となるエドマンド・ブリジャートン子爵との恋を描く。キャストは現時点で発表されていない。

『ブリジャートン家』本編ではルース・ジェメルがヴァイオレットを演じているほか、スピンオフ『クイーン・シャーロット ～ブリジャートン家外伝～』では、若き日のヴァイオレットをコニー・ジェンキンス＝グレイグが演じた。

本作では、ションダ・ライムズとニコラス・ナルディーニが脚本・ショーランナーを務め、エグゼクティブ・プロデューサーも兼任する。トム・ヴェリカが監督・製作総指揮、ションダランドのパートナーであるベッツィ・ビアーズも製作総指揮を務める。

『ブリジャートン家』シーズン5はフランチェスカが中心に

2020年の配信開始以来、『ブリジャートン家』はNetflixを代表する人気シリーズのひとつとなっている。シーズン1とシーズン3は、配信開始から91日間の視聴実績を基にしたNetflix英語作品の歴代トップ10入りを果たしている。

2026年1月に配信されたシーズン4も、Netflixの週間グローバル・トップ10に9週連続でランクインした。米国ではニールセンのストリーミングランキングで10週にわたりトップ10入りし、2月23日～3月1日の週には週間視聴時間33億7,000万分を記録した。

現在製作中のシーズン5では、フランチェスカ・スターリング（演：ハンナ・ドッド）とミカエラ・スターリング（演：マサリ・バドゥザ）の恋が描かれる。ジュリア・クインの小説を原作とする『ブリジャートン家』は、シーズン6まで更新されている。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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グレン・パウエル、政治について「今は語れない」

『トップガン マーヴェリック』などで知られるグレン・パウエルは、米Esquireのカバーストーリーを飾り、政治について語ることへの考えを明かした。

パウエルの母シンディ・パウエルは、レーガン政権下で米財務省に勤務していたという。しかし、パウエルによれば、政治や時事問題が家族の食卓で話題になることはなかったという。

「時間が経つにつれて、政治は人々を分断するものだと気づいた」とパウエル。「自分の主張を証明しようとする人たちとの会話は、僕にとって最悪の形だ。本当に、そうした議論が好きではない。以前ほど健全なものではなくなった」と語った。

また、政治について発言することは「今はできない」としながらも、「そうした問題に飛び込み、自分が信じるもののために戦う人たちには拍手を送りたい。もし自分が政治的な人間だったら、語っていると思う。でも、僕の使命は別のところにある」と説明している。

『ランニング・マン』興行不振、パラマウントのマーケティング部門削減を指摘

パウエルは、エドガー・ライト監督による『ランニング・マン』の興行不振についても言及。同作はスティーヴン・キングの小説を原作とし、パウエルが主人公ベン・リチャーズを演じた。

同作の興行不振について、パウエルは製作・配給を手がけたパラマウントの対応に言及。「僕たちの映画が公開される1カ月前、合併の真っただ中で、マーケティング部門全体を解雇した」と語った。

『ランニング・マン』は2025年11月14日に米国公開。公開を約2週間後に控えた10月29日、パラマウントでは約1,000人規模の人員削減が始まった。映画部門を含む複数の部門が対象となり、マーケティング部門でも幹部らの退社が報じられている。

なお、『ランニング・マン』は日本では2026年1月30日に劇場公開された。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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ジェームズ・ガン、「誰が『クレイフェイス』を望んだ？」に反論

DCスタジオが新たな方向性を打ち出す作品として注目されている『クレイフェイス』。チケットの販売開始を受けて、DCスタジオ共同CEOのジェームズ・ガンがThreadsで作品について言及した。

きっかけとなったのは、「いったい誰が『クレイフェイス』の映画を望んだんだ？」というファンの投稿。これに対しガンは、『バック・トゥ・ザ・フューチャー』『カサブランカ』『メリーに首ったけ』『パンズ・ラビリンス』『マッドマックス 怒りのデス・ロード』『WEAPONS/ウェポンズ』『マトリックス』などを挙げ、「誰がそれらを望んだのか」と反論した。

ガンは、ハリウッドは「観客が、何度も見てきた既存IPの中から見たいものに投票し、それだけを映画化する場所ではない」と指摘。知名度の高いキャラクターを使うことだけが映画作りではないとの考えを示した。

さらに、今回はマイク・フラナガンが比較的知られていないキャラクターにインスピレーションを受け、そのキャラクターを軸に特別な物語を作り上げたと説明。フラナガンがストーリーを手がけ、ホセイン・アミニが脚本を担当し、ジェームズ・ワトキンスが監督を務めている。人気キャラクターを扱うことだけを目的とした脚本よりも、作り手自身が情熱を持って生み出した作品を評価したいという姿勢を明らかにした。

『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』にも通じる挑戦

ガン自身、DCの象徴的なヒーローたちを復活させる一方で、これまでにも知名度の低いキャラクターを映画を通して大きな人気へと導いてきた。

現在は『THE BATMAN-ザ・バットマン-』続編や、スーパーマンの続編となる『スーパーマン：マン・オブ・トゥモロー』など、DCの新作に携わっているが、ガンのキャリアを振り返れば、マーベル・スタジオの『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』もその代表例だ。

映画化が難しいと思われていた同作では、しゃべるアライグマのロケットや木のようなキャラクター、グルートなど、それまで一般的な映画ファンには馴染みの薄かったキャラクターたちが世界的な人気を獲得した。

『クレイフェイス』もまた、そうした「まだ多くの人に知られていないキャラクターから新しい物語を生み出す」試みのひとつといえそうだ。

ガン、『 マン・オブ・トゥモロー』のワンダーウーマン説にも言及

一方、ガンは『スーパーマン：マン・オブ・トゥモロー』をめぐって広がっている、アドリア・アルホナがワンダーウーマンことダイアナ・プリンスを演じるのではないかという憶測についても否定的な見解を示した。

DCユニバースでリック・フラッグを演じるフランク・グリロが、アルホナを新たなダイアナ・プリンス役として示唆する画像を再投稿したことから、ファンの間でキャスティング説が広がっていた。

これに対しガンは、グリロが自身の写真を使った画像だったため、再投稿しただけだと説明。グリロがアルホナのDCユニバースでの役柄を知っているとは考えにくく、『スーパーマン：マン・オブ・トゥモロー』への出演やカメオ出演の有無についても、憶測が大きくなりすぎているとの趣旨を述べた。

『クレイフェイス』は10月23日米公開

『クレイフェイス』は、ジェームズ・ワトキンスが監督を務めるボディホラー作品。公開された予告編では、従来のDC映画とは異なる作品の方向性が示されている。

主人公は、ゴッサムのストリート出身からハリウッドのスターへと駆け上がった俳優マット・ヘイゲン（演：トム・リース・ハリーズ）。しかし、地元の犯罪ボスの行動によって顔に深刻な傷を負い、キャリアを失ってしまう。

周囲から見放され、何も残されていない状況に陥ったマットは、かつての姿を取り戻せるという最先端の治療を受ける。ところが、その治療は彼の外見だけでなく、現実を認識する力にも予想外の影響を及ぼし、やがて復讐に取りつかれた破滅的な道へと進んでいく。

『クレイフェイス』は2026年10月23日に北米公開、日本では10月30日に公開される。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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2人は「9いとこ、1世代違い（ninth cousins, once removed）」の間柄で、共通の先祖は「10代前の世代」であり、遠い親戚関係にあたる。共通の先祖は、1600年代にマサチューセッツ州サンドイッチに入植したイングランド人入植者だという。

スウィーニーは、ハリウッドを象徴する俳優であるモンローと何度も比較されてきた。昨年12月に行われた映画『ハウスメイド』のLAプレミアでは、スウィーニーが白いドレス姿で登場。『七年目の浮気』（1955年）でモンローが披露した、風でスカートがふわりと舞い上がる有名なシーンを思わせるとして話題になった。

さらに今年のサンタバーバラ国際映画祭で、スウィーニーはヴィンテージのシール・チャップマンのガウンを着用。これは、1952年4月の雑誌『LIFE』の表紙でモンローが着ていたドレスに似ているとして、2人の面影を重ねる声がいっそう強まった。

「MyHeritage」研究部門ディレクターのロイ・マンデル氏は、次のようにコメントした。

「シドニー・スウィーニーとマリリン・モンローが似ていると指摘する声は以前からありましたが、2人の関係がより深いところで交わっていることに気づき、当サービスで“実際のつながり”を探すことにしました。共通の家系が見つかったことは驚きでした」

これまでスウィーニーがモンローを演じたことはないが、多くの俳優がこの役に挑んできた。代表的なのが、『ブロンド』（2022年）のアナ・デ・アルマスと『マリリン 7日間の恋』（2011年）のミシェル・ウィリアムズだ。両者はいずれもモンロー役でアカデミー賞にノミネートされている。

最近では、マギー・ギレンホール監督の短編映画『Flesh Impact（原題）』（2026年）でダコタ・ジョンソンが若き日のモンローを、エレン・バースティンが100歳のモンローをそれぞれ演じた。

そして、今回の「MyHeritage」の調査で、スウィーニーはジョンソンとも遠い親戚関係にあることが明らかになった。2人は「9いとこ、3世代違い」にあたるという。

※本記事は英語の記事から抄訳・要約しました。

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